배우 버트 랭커스터 사망

배우 버트 랭커스터 사망



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1994년 10월 20일, 전직 서커스 공연자였던 버트 랭커스터(Burt Lancaster)는 다음을 포함하여 약 70편의 영화로 헐리우드 주연으로 명성을 얻었습니다. 여기에서 영원으로 그리고 애틀랜틱시티, 40년 이상의 경력을 쌓고 캘리포니아 센추리 시티에서 80세의 나이에 심장마비로 사망합니다.

랭커스터는 1913년 11월 2일 뉴욕에서 태어나 이스트 할렘에서 자랐습니다. 그는 운동장학금으로 다녔던 뉴욕대학교에서 잠시 일한 후 학교를 그만두고 서커스단에 합류하여 곡예사로 일했습니다. 부상으로 인해 랭커스터는 1939년 서커스를 그만두고 1942년 군대에 징집될 때까지 일련의 일을 했다. 그녀가 고용된 극장 사무실에서 그의 두 번째 아내가 되었고 브로드웨이 연극 오디션을 위해 프로듀서의 조수에게 요청을 받았습니다. 그는 육군 상사로 그 역할을 맡았고 곧 할리우드의 주목을 받았습니다. 1946년 Lancaster는 Ava Gardner의 상대편으로 실버 스크린 데뷔를 했습니다. 살인자, 어니스트 헤밍웨이의 단편 소설을 원작으로 한다. Lancaster는 폭도들과 얽혀 암살자들에게 살해되기를 기다리는 전직 복서인 The Swede로 출연합니다.

그는 1951년 전기 영화에 출연했습니다. 짐 소프: 올 아메리칸, 아메리카 원주민 올림픽과 1952년대에 대해 크림슨 해적, 그는 자신의 곡예 기술을 swashbuckling 타이틀 캐릭터로 사용했습니다. 1953년에 데보라 커, 프랭크 시나트라와 함께 주연을 맡았다. 여기에서 영원으로, 진주만 공격 직전 하와이를 배경으로 한 제2차 세계 대전 영화. 랭커스터와 커가 해변가의 포옹에 갇힌 파도가 그들을 덮치는 지금의 상징적인 장면을 담고 있는 이 영화는 랭커스터에게 그의 첫 오스카 남우주연상 후보를 안겨주었습니다. 1950년대 동안 Lancaster의 다른 영화 크레딧 중에는 아파치 (1954), 그는 아메리카 원주민 전사를 연기합니다. 달콤한 성공의 냄새 (1957), 그는 무자비한 가십 칼럼니스트를 연기합니다. 그리고 OK에서의 총격전 가축 우리 (1957)에서 그는 Kirk Douglas의 Doc Holliday에게 Wyatt Earp를 묘사합니다.

1960년대와 1970년대에 Lancaster는 1960년대와 같은 영화에 출연했습니다. 엘머 갠트리, 사기꾼에서 설교자가 된 그의 연기로 남우주연상을 수상했습니다. 1961년 뉘른베르크에서의 판결, 2차 세계 대전 나치 전쟁 범죄 재판에 관하여; 1962년 알카트라즈의 버드맨, 감옥에서 새 전문가가 되어 랭커스터에게 또 다른 남우주연상 후보를 안긴 유죄 판결을 받은 살인자의 실화를 바탕으로 한 영화입니다. 이탈리아 감독 루치노 비스콘티의 1963년 사극 레오파드, Lancaster가 나이 든 귀족을 연기합니다. 1968년 수영선수, 존 치버 이야기를 바탕으로; 1970년 재난 영화 공항; 그리고 1979년 줄루어 새벽, Peter O'Toole 및 Bob Hoskins와 함께.

1980년, 랭커스터는 루이 말 감독의 영화에 공동 주연을 맡았습니다. 애틀랜틱시티 그리고 나이 든 갱스터로서의 그의 연기는 그에게 네 번째로 아카데미 남우주연상 후보에 올랐습니다. 그는 또한 지역 영웅 (1983), 그는 괴상한 석유 회사 소유자를 연기합니다. 그리고 1989년 꿈의 들판, 케빈 코스트너 주연. Lancaster는 1950년대에 그의 에이전트인 Harold Hecht와 함께 프로덕션 회사를 설립하여 할리우드 최초의 배우 중 한 명이 되었습니다. 그의 프로듀싱 크레딧에는 1955년대가 있습니다. 마티, 작품상, 감독상, 각본상, 남우주연상(어니스트 보그나인)으로 아카데미상을 수상했습니다.


버트 레이놀즈가 죽은 후에야 알게 된 것들

매력적인 미소, 덤불 같은 콧수염, 더 털이 많은 가슴으로 우리를 현혹시킨 상징적인 배우 버트 레이놀즈(Burt Reynolds)는 2018년 9월 6일 82세의 나이로 사망했습니다. 건강 문제에 직면했지만 그의 조카 낸시 리 헤스(Nancy Lee Hess) , 말했다 우리 주간 그의 죽음은 "전혀 예상치 못한 일"이었다. TMZ 나중에 전설적인 스타가 심장 마비를 겪은 후 플로리다 병원에서 사망했음을 확인했습니다. 수상 경력에 빛나는 배우의 삶을 기억한다는 것은 그의 기억에 남는 역할을 포함하여 엔터테인먼트 산업에 대한 수십 년의 공헌을 축하하는 것을 의미합니다. 스모키와 산적, 부기 나이트, 그리고 최장 거리 야드.

Reynolds는 수많은 스타들과 함께 일했고 그의 결혼을 포함하여 그 과정에서 몇 사람의 마음을 아프게했습니다. 신시내티의 WKRP 스타 Loni Anderson은 Pam Seals라는 웨이트리스와 사랑에 빠지면서 끝났습니다. ABC 뉴스. 그의 전성기 동안 헤드라인을 장식한 그의 실패한(그리고 값비싼) 관계가 있었고 그가 세상을 떠난 후 배우의 개인적인 삶에 대한 더 많은 정보가 공개되었습니다.

다음은 Burt Reynolds가 죽은 후에야 알게 된 내용입니다.


나이, 키 및 치수

버트 랭커스터는 1994년 10월 20일(80세)에 사망했습니다. 그는 Burt의 생년월일이 11월 2일이므로 전갈자리 별자리에서 태어났습니다. Burt Lancaster 키 7피트 0인치(약) & 체중 113파운드(51.2kg)(약). 지금 우리는 신체 측정에 대해 모릅니다. 우리는 이 기사에서 업데이트할 것입니다.

5피트 1인치(약)
무게144파운드(65.3kg)(약)
신체 측정
눈 색깔어두운 갈색
머리 색깔검은 색
드레스 사이즈특대
신발 사이즈6.5(미국), 5.5(영국), 39.5(EU), 25(CM)

할리우드 황금기의 마지막 생존 스타 중 한 명인 커크 더글라스가 103세로 별세했습니다.

아이코닉한 배우는 1960년 "Spartacus"로 McCarthy 시대에 블랙리스트에 오른 사람들을 위해 일어서서 아마도 영화에서 가장 지울 수 없는 흔적을 남겼을 것입니다.

올리버 존스

AFP/게티

Kirk Douglas는 좋은 싸움을 좋아했습니다. "그는 아내와 싸우고, 가정부와 싸우고, 요리사와 싸웁니다."라고 그의 동료이자 친구이자 러닝 파트너인 버트 랭커스터(Burt Lancaster)가 말했습니다. "하나님이 아시고 나와 함께 싸웠습니다."

1996년 뇌졸중으로 인해 언어 장애를 앓은 후 거의 20년 만에 수요일에 사망한 더글러스가 끝까지 싸웠다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 큰 화면에서와 같이 실제 생활에서도 큰 개성을 드러내며 우리를 골든 에이지 할리우드 드림 팩토리로 연결하는 마지막 실마리 중 하나인 이 배우의 나이는 103세였습니다.

마이클 더글라스는 성명을 통해 "오늘 103세의 나이로 커크 더글러스가 우리를 떠났다는 사실을 나와 내 형제들이 발표하게 되어 매우 슬프다"고 말했다. "세상에 그는 전설이었고, 황금기를 잘 살았던 영화 황금 시대의 배우, 정의에 대한 헌신과 그가 믿었던 대의에 대한 헌신이 우리 모두가 열망해야 할 표준을 설정한 인도주의자였습니다."

마이클 더글라스는 이렇게 적었다. “하지만 나와 내 형제인 조엘과 피터에게 그는 그저 아빠, 멋진 장인 캐서린, 그의 손주들과 증손자에게 그들의 사랑하는 할아버지, 그리고 그의 아내 앤에게 훌륭한 남편이었습니다. .

“그의 마지막 생일에 내가 그에게 했던 말과 항상 진실로 남을 말을 마치겠습니다. 아빠- 나는 당신을 너무 사랑하고 당신의 아들이 너무 자랑스럽습니다.”

뇌졸중을 앓고 용감하고 공개적으로 반격하는 것이 더글라스의 이미지를 상당히 누그러뜨렸을 수도 있지만(“솔직히, [그는] 훨씬 더 좋은 사람이다”는 그의 유명한 아들 마이클이 말한 대로입니다), 더글러스는 할리우드 역사상 더 논란이 많은 인물. 상대가 무엇이든 간에 그는 거의 끊임없는 전사였으며, 자신이 옳다고 생각하는 것이 무엇이든, 가장 좋거나 자신의 진정한 자아를 가장 잘 대표하는 것을 위해 싸웠습니다.

그는 1969년에 Roger Ebert에게 이렇게 말했습니다. “나는 개인이 되는 것이 얼마나 어려운지 매력적이고 매료되었습니다. “소위 영화배우가 되는 것은 당신에게 불리합니다. 물론, 당신은 언제나 흥미진진한 사진, 모험 사진을 만들 수 있지만, 당신이 다른 것을 시도할 때 당신이 스타이기 때문에 그들은 당신에게 버림받습니다. 그럼에도 불구하고 사회에 맞서 싸우는 개인이라는 주제는 항상 저를 사로잡고 있습니다.”

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1985년 3월 25일 캘리포니아 할리우드에서 열린 제57회 아카데미 시상식에서 미국 배우 마이클 더글라스(왼쪽)가 배우 버트 랭커스터(오른쪽) 옆에서 아버지 미국 배우 커크 더글라스(C)와 키스하고 있다. AFP PHOTO ROB BOREN(사진 출처는 ROB BOREN/AFP/Getty Images이어야 함)"

롭 보렌

Douglas의 네 아들 중 맏이인 Michael은 이렇게 말했습니다. 허영 박람회 2010년, “그는 매우 강렬하고 재능 있는 생존주의자였습니다. 그는 자신의 무언가를 긁어모으고 만드는 데 몰두했습니다..."

많은 사람들, 특히 Douglas 자신이 이러한 강렬함을 어린 시절로 거슬러 올라갑니다. 배우는 1988년의 베스트 셀러 자서전을 포함하여 11권의 책 중 다수의 기초로 Horatio Alger와 같은 삶의 이야기를 사용했습니다. 래그맨의 아들.

뉴욕 암스테르담에서 태어난 Issur Danielovich는 Izzy Dempsky가 뉴욕으로 이사했을 때 그의 이름을 발명하기 전에 더글라스를 거쳤습니다. (더글라스는 더글러스 페어뱅크스를 위한 사람이었고 커크는 단지 "멋지게 들렸기 때문"이었습니다.) 그의 부모는 공산주의자를 탈출하여 엘리스 섬 더글라스로 이주한 문맹 러시아계 유대인이었고 그의 여섯 자매는 이디시어를 말하며 자랐습니다. 더 가난하게 자란 배우들은 거의 없다고 해도 과언이 아닙니다.

Douglas는 "사람들은 종종 현실 세계로부터의 도피이기 때문에 배우가 됩니다. "그리고 나는 탈출할 것이 많았습니다. 저를 믿으십시오. 지독한 투쟁이었고 다음 식사가 언제부터 올지 알 수 없었습니다.” 그는 5살 때 초등학교 1학년 학부모 앞에서 시를 읽고 박수에 푹 빠져 자신의 소명을 발견했다. 그는 "배우가 태어났다.

고등학교를 졸업한 후 Douglas는 St. Lawrence University에 입학하여 연기를 했으며 레슬링 팀의 스타였으며 청소부로 일했습니다. 대학을 졸업한 후 그는 뉴욕시에 있는 American Academy of Dramatic Arts에서 장학금을 받았습니다. 그곳에서 그는 Betty Pepske와 그의 미래의 첫 번째 아내 Diana Dill과 데이트했습니다. Betty는 결국 그녀의 이름을 Lauren Bacall로 바꾸고 스크린 테스트를 위해 Paramount의 Hal Wallis에게 그녀의 오래된 불꽃을 추천할 것입니다.

Douglas는 지옥의 박쥐처럼 할리우드를 강타했습니다. 스튜디오의 누군가가 그의 트레이드마크인 턱 보조개를 고쳐달라고 했을 때 그는 "내 턱에 있는 구멍이 마음에 들지 않으면 브로드웨이로 돌아갈 것입니다!"라고 말했습니다. 그의 전체 경력을 표시할 통제권을 위한 싸움에서 그는 1946년 Barbara Stanwyck을 상대로 데뷔한 후 Paramount와 5개의 사진 거래 계약을 파기했습니다. 마사 아이버스의 기묘한 사랑.

1947년에 그는 Burt Lancaster와 오랜 파트너십을 시작했습니다. 내가 혼자 걸어. 당시 가십 칼럼니스트인 Sheilah Graham의 Matt와 Ben은 그들을 "The Terrible-Tempered Twins"라고 불렀습니다. 몇 년 후 Lancaster는 이렇게 말했습니다. 우리는 모든 것을 알고 있었습니다. 아무도 우리를 좋아하지 않았어요.” (그들은 더글러스를 더 좋아하지 않았습니다. Photoplay는 그를 몇 년 동안 할리우드에서 가장 미움받는 남자로 선정했습니다.)

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"미국 배우 커크 더글러스(왼쪽)와 마틴 쉰(오른쪽)이 1979년 5월 14일 제32회 칸 국제 영화제에서 사진을 찍고 있습니다. AFP PHOTO RALPH GATTI / AFP / RALPH GATTI (사진 제공: RALPH GATTI/AFP/Getty Images )"

랄프 가티

그가 1949년 챔피언에서 권투 선수로 첫 오스카 후보에 올랐을 때 두 아이의 아버지는 다이애나와 이혼했고 여성 남성으로서 서사적인 명성을 얻었습니다. 그는 Rhonda Fleming, Evelyn Keyes, Ava Gardner, Gene Tierney, Rita Heyworth, Joan Crawford, Marlena Dietrich 및 Pier Angeli와 데이트했으며 잠시 약혼했습니다.

그가 1957년 라스베가스에서 Anne Buydens와 결혼하고 죽을 때까지 서로에게 헌신적이었다는 사실에도 불구하고 평판이 평생 그를 괴롭힐 만큼 충분히 인상적이었습니다. 그는 2011년에 “예, 당신이 여성화라고 부르는 남자를 위해 저는 결혼한 지 57년이 되었습니다. 그리고 나는 여전히 그녀의 사랑 시를 씁니다. 나는 그녀에게 여러 편의 시를 썼습니다. 하나는 '로맨스는 80부터 시작한다'고 했어요."

스탠리 큐브릭과 함께 스파르타쿠스 1960년에 Douglas는 블랙리스트에 오른 시나리오 작가 Dalton Trumbo가 자신의 대본에 대해 적절하게 공로를 인정해야 한다고 주장한 배우이자 프로듀서로서 아마도 영화에 가장 지울 수 없는 흔적을 남겼을 것입니다.

"할리우드 역사상 끔찍한 시간이었습니다."라고 그는 인터뷰에서 말했습니다. “그런 일은 절대 일어나지 말았어야 했어요. 우리는 싸워야 했다. 하지만 다 끝났고, 나는 나이가 들어서 내가 기억하고 있다는 사실에 위안을 얻습니다.” (일부는 출판한 Douglas가 나는 스파르타쿠스다!: 영화를 만들고 블랙리스트를 깨다 2012년에 블랙리스트를 깨는 데 자신의 역할을 과장했을 수 있습니다.)


기록 보관소에서: 오스카 수상자 버트 랭커스터 80세로 사망

연기자, 프로듀서, 체조 선수, 우상 파괴자이자 초기부터 항상 스타였던 버트 랭커스터가 사망했다고 그의 아내가 금요일 발표했습니다.

80세의 아카데미상 수상자이자 한때 최고의 운동선수였던 그는 거의 4년 전에 뇌졸중을 앓은 후 건강이 좋지 않았습니다. 수잔 랭커스터(Susan Lancaster)는 그가 목요일 밤 센츄리시티 콘도에서 심장마비로 사망했으며 장례식은 없을 것이며 매장은 비공개로 진행될 것이라고 덧붙였다.

랭커스터는 1990년 11월 로스 알라미토스에 입원한 이후 상대적으로 고립되어 있었습니다. 그는 오렌지 카운티에 있는 친구를 방문하는 동안 뇌졸중을 앓았고 최근에는 커크 더글라스와 같은 오랜 친구조차 방문을 거부했습니다.

뇌졸중은 70편이 넘는 영화에서 다재다능하고 다재다능한 스타에게 닥친 일련의 신체적 질병 중 마지막 질병임을 입증했습니다.

1983년에 여러 차례 관상동맥 우회 수술을 받았고 계속해서 심장 질환을 앓았습니다.

수술 후 6개월 만에 "리틀 트레저"를 촬영하고 영화와 TV에서 꾸준히 활동했지만 랭커스터는 1988년 건강 문제로 "늙은 그링고"에서 주연을 거부당했습니다. Columbia Pictures는 그에 대한 보험료가 너무 비싸다고 결정하고 Gregory Peck을 대신 캐스팅했습니다.

그러나 Lancaster는 1989년 "Field of Dreams"에서 의사가 되기 전에 운동의 영광을 잠시 누렸으나 한때 야구 선수였던 Moonlight Graham을 묘사하여 예고된 연기를 하기 위해 그 좌절에서 다시 반성했습니다.

그의 오랜 연기 경력을 통해 수십 명의 다른 사람들과 마찬가지로 그 역할은 마치 랭커스터가 자신이 선택한 작품을 위해 태어난 것과 같았습니다.

일부 배우는 단역을 통해 상위권에 오르기 위해 고군분투하여 두 번째로 스타의 지위로 이끕니다. 다른 배우는 대학 드라마 과정에서 시작하여 Actors Studio 및 여름 주식을 통해 전문적인 찬사를 받는 학업 준비를 인용합니다.

Lancaster는 코스를 수강하지 않고 두 번째 리드를 연주하지 않았지만 1946년 첫 스크린 출연부터 죽기 몇 년 전까지 선의의 스타였습니다.

때때로 그의 경력 성취는 기억하기가 훨씬 덜하고 실제라고 하기에는 너무 많은 것처럼 보였습니다.

1960년 '엘머 갠트리'로 아카데미상을, 2년 후 '알카트라즈의 버드맨'으로 베니스 영화제에서 수상한 일이 기억에 남습니다. 그러나 많은 사람들은 그가 1955년 최고의 작품으로 선정된 "마티"의 공동 제작자로서 해롤드 헥트와 공유했던 이전 오스카상을 잊었습니다.

"돌아와, 꼬마 시바", "여기에서 영원으로", "뉘른베르크의 심판", "레인메이커", "5월의 세븐 데이즈", "애틀랜틱 시티"와 같은 주요 극 작품에서 랭커스터의 작업은 그의 작품을 가리는 경향이 있었습니다. 그네', '화염과 화살', '진홍의 해적' 등의 영화에서 그의 가벼운 면모를 드러냈다.

랭커스터의 사망 소식을 들은 커크 더글라스는 그들의 50년 관계가 소중했다고 말했다. Douglas는 몇 년 전 헬리콥터 추락 사고에서 살아남은 후 "인생과 친구가 얼마나 중요한지" 깨달았다고 말했습니다.

"버트는 단순한 배우가 아니었습니다."라고 Douglas는 덧붙였습니다. “그는 오페라에 대한 변함없는 사랑을 가지고 있는 호기심 많은 지식인으로, 묘사할 독특한 캐릭터를 끊임없이 찾고 있었습니다. . . . 엘머 갠트리. . . 알카트라즈의 버드맨.”

Douglas는 그와 Lancaster가 함께 만든 영화와 한때 노골적인 플로어워커이자 세일즈맨이 등장한 수십 장의 다른 사진을 회상하면서 다음과 같이 말했습니다.

“당신도 알다시피, 버트는 정말로 죽지 않았습니다. . . . 몇 년 후에도 사람들은 여전히 ​​우리가 서로에게 총을 쏘는 것을 보게 될 것입니다. . . 그의 다른 많은 훌륭한 영화에서 여전히 그를 보고 있습니다. 적어도 지금은 평화롭습니다.”

버튼 스티븐 랭커스터(Burton Stephen Lancaster)는 1913년 11월 2일 뉴욕시의 이스트 할렘(East Harlem) 구역에서 태어나 공립학교 83과 드윗 클린턴 고등학교(DeWitt Clinton High School)를 다녔으며, 종종 자신이 "성장하여 경찰이나 범죄자(그의 형은 경찰이 되었고 어린 시절의 친구들 중 몇 명이 운동과 공공 ​​도서관이 아니었다면 Sing Sing에 갔을 것입니다.”

그는 14살이 되었을 때 키가 6피트 2인치였으며 허스키한 체격과 빠른 반사신경으로 뉴욕 대학교에서 체육 장학금을 받았습니다. 기민하고 침착한 마음은 그에게 평생 동안 책을 사랑하게 해주었습니다. 그러나 정규 교육은 2학년 중반에 지루해지기 시작했고 그는 서커스에 합류하기 위해 대학을 그만두었습니다.

그는 소년 시절 친구이자 체조 파트너인 Nick Cravat와 팀을 이루어 나중에 "The Crimson Pirate"와 "The Flame and Arrow"에서 카메라 스턴트에 합류했으며 Lang과 Cravat의 곡예 팀을 결성하여 다음과 같은 직업을 갖게 되었습니다. Kay Bros.는 주당 $3의 급여와 하루 세 끼의 식사를 제공합니다.

그는 나중에 이렇게 말했습니다. “평생 하고 싶은 일을 찾았다는 것을 알았습니다. 유일한 질문은 사업의 어떤 부분이 가장 좋을 것인지였습니다.”

1932년부터 1937년까지 Lang과 Cravat 팀은 꾸준히 일했습니다. Kay Bros.의 약혼은 Gorman Bros. Circus와 유사한(그러나 더 나은 급여를 받는) 약혼으로 바뀌었습니다. 그 후 Barnett Bros. 여행 쇼로 전환하고 마침내 Ringling Bros. 및 Barnum & Bailey와 함께하는 투어로 전환되었습니다. 당시와 마찬가지로 현재와 마찬가지로 북미 서커스 세계의 최고봉입니다.

“하지만 그것이 제대로 느껴지지 않았다”고 그는 말했다. “뭔가 부족하다는 걸 느꼈어요. 젠장, 얘기하고 싶었어. . . .”

그래서 그는 대공황 시대 작품진보행정극장 프로젝트에 출연하기 위해 잠시 연기를 접었다.

“그러나 그것은 나에게 정말 효과가 없었습니다.”라고 그는 인터뷰어들에게 수년에 걸쳐 말했습니다. “저는 하루 세 끼를 먹는 습관이 있었는데 The Theatre Project가 감당할 수 있는 수준에서는 하기 힘든 일이었습니다. 그래서 다시 Lang and Cravat에 갔습니다.”

그가 서커스로 돌아온 지 몇 주 후, 그의 손가락 중 하나가 감염되었고 의사는 그에게 선택권을 주었습니다. 전문 곡예를 포기할 것인지, 아니면 얼굴을 절단할 것인지.

그는 "나는 내 손가락을 유지하기로 결정하고 서커스 밖에서, 심지어 엔터테인먼트 분야 밖에서도 다른 종류의 직업을 찾았습니다."라고 말했습니다.

그 후 3년 동안 그는 시카고에 있는 Marshall Field 매장의 란제리 부서에서 플로어워커, 같은 매장의 잡화 부서에서 영업 사원, 소방관, 트럭 운전사, 육류 포장 공장의 엔지니어를 차례로 역임했습니다.

뉴욕으로 돌아온 그는 Columbia Concert Bureau(전국의 작은 마을에 음악을 공급하는 CBS 네트워크 자회사)에서 일자리를 찾았습니다. 그러나 그는 예약 대리인으로서의 새로운 임무를 맡을 수 있기 전에 초안 통지를 받았습니다.

그는 “나는 군인 피아니스트의 페이지 터너로 북아프리카, 이탈리아, 오스트리아를 순회하며 멋진 시간을 보냈다!”고 말했다.

그러나 제2차 세계 대전은 하나의 중요한 접촉으로 이어졌습니다.

그것은 Norma Anderson이라는 USO 연예인과 함께였습니다. 그들은 전쟁이 끝날 때까지 계속 연락을 취했고, 전쟁이 끝나자 마자 그는 45일의 제대 휴가와 여행 바우처를 사용하여 그녀가 라디오 프로듀서를 위해 일하고 있던 뉴욕에서 그녀를 찾았습니다.

그는 그녀의 사무실로 가는 엘리베이터 안에서 자신을 쳐다보고 있는 동료 승객을 발견했습니다.

“내가 Norma의 층에서 내렸을 때 그 남자가 뒤따랐고, 그가 명함을 꺼냈을 때 그가 정말로 나를 걱정하기 시작했다는 것을 인정해야 합니다.”

그 남자는 자신을 무대 프로듀서 어빙 제이콥스의 동료라고 밝혔고 랭커스터에게 "사냥의 소리"라는 새 연극에서 거친 상사의 역할을 읽어달라고 요청했습니다.

Lancaster가 그 역할을 맡았고 연극은 5주 동안만 살아남았지만 비평가들은 만장일치로 찬사를 보냈습니다. 그들은 영화 스카우트를 연극에 데려왔고 7개의 스크린 계약 제안을 받았습니다.

그러나 그는 그들 중 어느 것도 받아들이지 않았습니다. 대신 그는 무대 뒤에서 아무도 없는 제안을 하기 위해 돌아온 Hecht와 계약을 맺으며 Lancaster에게 "5년 안에 우리는 우리 자신의 사진을 만들 것입니다."라고 말했습니다.

그들은 그것에 대해 악수하고 다음 사반세기 동안 거의 중단되지 않은 영화, 수백만 달러 및 오스카상을 제공하는 비즈니스 협회를 시작했습니다.

Hecht의 첫 번째 조치는 "Desert Fury"라는 제목의 영화에서 한 번에 작업을 시작할 준비가 된 신생 배우가 할리우드로 가는 기차에 올라 1년에 두 장의 사진을 요구하는 Hal Wallis와의 계약에 Lancaster를 서명하는 것이었습니다. 그러나 도착했을 때 그는 대본이 준비되지 않았다는 것을 발견했습니다.

그러나 프로듀서 Mark Hellinger는 Lancaster 스크린 테스트를 보았고 Ernest Hemingway의 단편 소설을 기반으로 한 "The Killers"에서 스웨덴의 운명적인 영웅 역할을 위해 그를 원했습니다.


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할리우드 스타 버트 랭커스터, 1994년 심장마비로 향년 80세로 사망

두뇌와 힘으로 그를 비범한 매력의 헐리우드 스타로 만든 이스트 할렘 우체국 직원의 아들 버트 랭커스터는 어제 80세의 나이로 사망한 후 "거인"으로 애도되었습니다.

4년 전 뇌졸중으로 인해 말을 하거나 친구를 알아볼 수 없게 된 랭커스터는 목요일 로스앤젤레스 자택에서 심장마비로 사망했다고 아내 수잔 셰러가 말했다.

"그는 내 머리를 쓰다듬고 내 얼굴을 만지고 있었고 그는 한숨을 쉬었고 그게 전부였습니다."라고 Scherer는 말했습니다.

"그는 아주 아주 평화롭게 갔습니다. 우리는 함께였습니다. 신에게 감사드립니다."라고 그녀는 덧붙였습니다. "지난 주에 그는 그 어느 때보다 나아졌습니다. 완전히 놀라웠습니다."

브롱크스의 드윗 클린턴 고등학교를 졸업한 랭커스터는 영화 터프 가이의 천박한 고정 관념을 새로운 차원으로 옮겨 감수성과 사려 깊음으로 그의 스크린 남성주의를 풍부하게했습니다. 그의 경력은 40년이 넘는 시간과 70편의 영화에 걸쳐 있으며, 음침한 터프에서 주연 배우, 캐릭터 배우에 이르기까지 다양합니다. 그의 경력의 황혼기에도 그의 위상은 그의 공연의 신랄함을 통해서만 확인되었습니다.

그는 1960년 영화 "Elmer Gantry"로 오스카상을 수상했습니다. 다른 기억에 남는 영화로는 "알카트라즈의 새인", "여기에서 영원으로", "달콤한 성공의 냄새", "애틀랜틱 시티", "뉘른베르크의 심판", "장미 문신" 및 "로컬 영웅"이 있습니다.

"좋은 배우들은 많지만 유일무이한 배우들은 거의 없습니다. Cagney와 Bogart처럼 Burt는 독특한 배우였습니다."라고 그의 "Elmer Gantry"에 함께 출연한 Shirley Jones가 말했습니다.

그의 친구이자 공동 출연자인 커크 더글라스는 어제 "거인의 죽음은 이제 끝났다"고 말했다. "그러나 버트는 결코 죽지 않을 것입니다. 우리는 항상 그가 "The Crimson Pirate"에서 야드암에서 스윙하는 것을 볼 수 있고 ... 'Gunfight at the OK'에서 나와 함께 쏘는 것을 볼 수 있을 것입니다. 가축 우리.'"

"버드맨"에 함께 출연한 "버드맨"에 함께 출연한 "나는 그가 만든 영화에 항상 열광했던 멋진 사람을 업계에서 잃었다고 생각합니다. 재료가 무엇이든 간에 그는 항상 내가 진짜 100%라고 부르는 것을 제공했습니다."라고 말했습니다. 칼 말든.

서커스 곡예사 및 육군 연예인으로 잠시 일한 후 Lancaster의 영화 경력은 육체적이고 강렬한 역할로 특징 지어졌지만 민감한 부분에서도 잘 수행했습니다.

그러나 스타로서조차 그는 자신이 어디에서 왔는지 잊지 않고 East Harlem 자선 단체에 돈을 기부했습니다. 그는 또한 자유주의적 대의에 대한 확고한 신자였으며 한때 미국 시민 자유 연합(American Civil Liberties Union)의 회장을 역임했습니다.

1913년 11월 2일 Third Ave.와 106th St.에서 태어난 Burton Stephen Lancaster는 East Harlem 우체국 직원의 아들이었습니다. 고등학교를 졸업한 후 그는 농구 장학금으로 뉴욕 대학교에 다녔습니다.

그러나 Lancaster는 2학년 때 NYU를 중퇴하여 소꿉친구인 Nick Cravat과 곡예 팀을 구성했습니다. 듀오는 몇 년 동안 서커스, 보드빌, 나이트클럽을 순회하며 보냈습니다.

제2차 세계 대전 중에 징집된 랭커스터는 대부분의 근무 기간 동안 부대를 접대하는 데 보냈습니다. 1945년에 그는 두 번의 공연 끝에 막을 내린 브로드웨이 프로덕션에 출연하면서 연기 경력을 시작했습니다.


Burton Stephen "Burt" Lancaster는 1913년 11월 2일 미국 뉴욕 맨해튼에서 태어난 영화 배우, 감독 및 프로듀서였으며 "Elmer Gantry"(1960)에서 그의 연기로 4차례 아카데미상 후보에 올랐습니다. "The Birdman of Alcatraz"(1962), "Atlantic City"(1980)로 골든 글로브상과 BAFTA 상을 받았으며, 그의 다른 주목할만한 작품으로는 "Marty"(1955), "Trapeze ”(1956), “Sweet Smell of Success”(1957), “Separate Tables”(1958) 등 다수. 그는 1994년 10월에 세상을 떠났다.

Burt Lancaster가 얼마나 부유했는지 궁금해 한 적이 있습니까? 소식통에 따르면 Burt Lancaster의 전체 순자산은 거의 반세기 동안의 긴 연기 경력 동안 축적된 4천만 달러로 추정됩니다. 그는 또한 벤처를 감독하고 제작했기 때문에 순자산도 증가했습니다.

버트 랭커스터 순자산 4천만 달러

가족의 다섯 자녀 중 하나로 태어난 Burt는 어린 소년 시절에 주목할만한 운동 능력을 입증했습니다. 19세 때 그의 평생 친구인 Nick Cravat와 함께 곡예 공연을 하기 위해 서커스에 합류했습니다. 제2차 세계 대전 중 랭커스터는 군대에 복무했고 USO 쇼에 출연한 결과 연기에 관심을 갖게 되었습니다. 전쟁이 끝나자 그는 브로드웨이 연극 "사냥의 소리"(1945)에서 첫 전문 연기 직업을 얻었고 그의 연기는 그를 할리우드로 데려간 탤런트 스카우트에 의해 주목을 받았습니다.

Burt의 데뷔작은 2년 후 "Desert Fury"로 나왔고 느와르 고전 "The Killers"(1946)로 대중의 주목을 받았습니다. Lancaster는 할리우드 타이프캐스팅을 피했고 곧 1948년 Hecht-Hill-Lancaster 제작 회사를 공동 설립하고 다재다능한 배우로서의 명성을 확립함으로써 자신의 경력을 장악했습니다. 그의 경력을 통해 그는 "I Walk Alone", "All My Sons", "Sorry, Wrong"과 같은 영화에 출연 한 덕분에 40 년대 후반, 50 년대, 60 년대에 걸쳐 인기의 정점을 유지하면서 수많은 양질의 영화에 출연했습니다. 넘버', '십자가', '진홍의 해적', '돌아와라 꼬마 시바' 등 다수. 그는 "From Here to Eternity"(1953)에서 자신의 역할로 첫 아카데미 상 후보 지명을 받았으며, 이는 그의 순자산 증가에 도움이 되었습니다.

그의 일련의 역할은 히트 "Apache", "Trapeze" 및 "Run Silent, Run Deep"에 출연하면서 다음 해까지 계속되었습니다. 버트는 "엘머 갠트리"(1960)에서 카리스마 넘치는 연기로 아카데미상을 수상했으며, 1년 후 "뉘른부르크에서의 심판"(1961)에서 나치 전범을 연기한 후 그는 또 다른 오스카상 후보에 올랐습니다. 60년대 그의 다른 주목할만한 영화로는 "5월의 7일", "기차", "프로페셔널" 및 "수영인"이 있습니다. 70년대 그의 첫 번째 영화는 재앙이었지만, Lancaster는 Bertolucci의 "1900"에서의 역할을 포함하여 그 10년 동안 몇 편의 주목할만한 영화에 출연했습니다. 다음 해에는 "Tough Guys"(1986)의 Kirk Douglas와 "Field of Dreams"(1989)의 Graham 박사의 감동적인 묘사와 같은 더 많은 캐릭터 역할이 등장했습니다.

그는 TV 미니시리즈 "Separate but Equal"(1991)에서 마지막 공연을 한 후 건강 문제로 은퇴했으며 큰 스크린에서 거의 80편의 영화와 TV에서 12편 이상의 영화에 출연했습니다. 그는 미국 영화 연구소(American Film Institute)에서 고전 할리우드 영화의 가장 위대한 남성 스타 19위에 선정되었습니다.

사생활과 관련하여 Lancaster는 세 번 결혼했습니다. 그의 첫 두 결혼은 이혼으로 끝났고 June Ernst(1935-46)와 Norma Anderson(1946-69)까지 그는 1990년에 세 번째 아내인 Susan Martin과 결혼했으며 1994년 10월 20일 Los Century City에서 사망할 때까지 그녀와 함께 있었습니다. 미국 캘리포니아주 엔젤레스. 그는 Norma와 함께 다섯 자녀의 아버지였습니다.


버트 랭커스터의 삶과 전기

생년월일 : 1913-11-02
사망일 : 1994-10-20
출생지 : 미국 뉴욕주 뉴욕시
국적 : 미국인
카테고리 : 유명인물
최종 수정일 : 2011-01-22
크레딧: 영화 배우, Elmer Gantry, The Birdman of Alcatraz(1962)

버트 랭커스터 , 모든 시대의 가장 인기 있는 영화 배우 중 한 명인 그는 결코 배우가 되고 싶지 않았습니다. 연기에 뛰어든 랭커스터는 극적인 훈련을 받지는 않았지만 스타가 됐다. 그는 긴 경력 동안 85편의 영화를 만들었고 아카데미 상을 수상했습니다.

버튼 스티븐 랭커스터1913년 11월 2일 뉴욕에서 우체국 직원인 제임스 랭커스터와 엘리자베스 로버츠 랭커스터 사이에서 다섯 자녀 중 넷째로 태어났습니다. 가족은 아일랜드와 영국 혈통의 후손이지만 이탈리아 동부 할렘에 거주했습니다. Lancaster와 그의 형제들은 충분히 나이가 들었을 때 가족을 위해 돈을 벌기 위해 눈을 퍼내고 신문을 팔고 구두를 닦았습니다. 제임스 랭커스터는 온화하고 따뜻한 아버지였지만 엘리자베스는 엄격한 규율을 가졌고 필요한 경우 채찍질로 자녀들에게 정직과 충성의 미덕을 심어주었습니다. 그녀는 이웃의 여러 민족에 대해 편견이 없었고 모두를 친절하게 대해줘서 아들에게 강한 인상을 남겼습니다.

Lancaster는 낮은 초등학교 학년을 위해 공립학교 121에 다녔습니다. 그곳에서 그는 특히 읽기와 쓰기를 잘했습니다. 그런 다음 그는 공립학교 83으로 전학하여 영어와 역사를 좋아했지만 수학에서는 좋지 않았습니다. Lancaster는 독서를 좋아했고 14세가 되었을 때 110번가 도서관의 모든 책을 읽었다고 주장했습니다. 그는 또한 영화, 특히 호화로운 Douglas Fairbanks의 영화를 좋아했지만 배우가 되고 싶지 않았습니다. 랭커스터는 15살이 될 때까지 오페라 가수가 되기를 원했습니다. 평생 동안 그는 오페라와 교향악에 대한 사랑을 유지했습니다.

랭커스터는 13세 때 아기의 지방을 잃고 키가 크고 운동신경이 뛰어난 청년으로 성장했습니다. 동네 아이들과 함께 거리와 공원을 뛰었고, 연합 정착촌에서는 연극에 출연했다. 유명한 감독인 Richard Boleslavsky는 쇼에서 그를 보고 너무 감명을 받아 엘리자베스 랭커스터와 연극 학교의 가능성에 대해 논의했습니다. 그러나 그녀의 아들은 연기를 "계시 같은 물건"이라고 부르며 기꺼이하지 않았습니다.

캠프에서 9살 때 Lancaster는 평생 친구인 Nick Cravat를 만났습니다. Lancaster는 대학에 진학하려는 학생들을 위한 모든 남학생 학교인 DeWitt Clinton High에 다녔습니다. 1학년 때 Lancaster의 어머니는 만성 장 신염으로 사망했습니다. 1930년 6월 26일에 고등학교를 졸업하고 1931년 9월에 뉴욕 대학교에 입학했습니다. 그는 체육 교사가 되기를 희망했고 체조에 입문했습니다. Lancaster는 2학년 때 일찍 대학을 그만두고 친구인 Cravat와 함께 서커스에 합류했습니다. 그들은 곡예사로 일주일에 3달러를 벌었습니다.

랭커스터는 곡예사 준 에른스트를 만나 1935년 21세, 그녀는 18세에 결혼했습니다. 두 사람은 1937년 별거하고 1940년 이혼했습니다. 같은 해 랭커스터가 오른손을 심하게 다쳤을 때 서커스를 그만두기로 결정했습니다. 그는 1942년 미 육군에 징집될 때까지 백화점, 냉장 회사 및 노래하는 웨이터를 포함한 여러 다른 직업에서 일했습니다.

Lancaster는 군인들을 즐겁게 하고 비번 활동을 제공하는 것을 목적으로 하는 특수 서비스의 일부가 되었습니다. He began as an athletic instructor, moving on to the job of entertainment specialist, where he wrote, directed and performed in skits.

While putting on shows for the troops in Italy in 1944, Lancaster met the woman who was to become his second wife, Norma Anderson, a United Service Organization (USO) entertainer. Later, in New York, Lancaster visited Anderson, who worked for ABC radio. In the building's elevator, a man asked him if he was an actor. Lancaster responded that he was a "dumb actor," meaning he performed without words, as an acrobat. A few minutes later, the man telephoned the office where Lancaster was visiting and asked him to audition for the play, A Sound of Hunting.

Lancaster got the part. After three weeks of rehearsals, the play opened on November 6, 1945 and closed three weeks later. Lancaster then got an agent, Harold Hecht, and signed a contract with Hal Wallis Productions, Inc. on January 8, 1946 to make two films a year for seven years. He was also able to work for other companies. Lancaster took the train to California with one set of clothes and thirty dollars.

Not only was Lancaster a capable actor, but he looked very good on camera. He stood six feet two inches tall, weighed 180 pounds, and had a large chest and a small waist. He looked younger than his thirty-two years and had a gorgeous smile and bright blue eyes. While waiting to make his first film for Hal Wallis, Lancaster signed a contract with Mark Hellinger to make one picture a year for up to five years. Lancaster was paid $2,500 a week for his work in The Killers, which became a big hit and launched Lancaster's film career. He later said of that time, as quoted in a Sidney Skolsky syndicated column of 1950, "I woke up one day a star. It was terrifying."

After finishing the film, Lancaster drove back east to be with Anderson, who had given birth to their first child, James, on June 30, 1946. Lancaster and Anderson had not yet married, but would do so on December 28, 1946 in Yuma, Arizona. Their second son, Billy, was born in November of 1947.

On Lancaster's second film, Desert Fury, the actor argued angrily with the director when he disagreed about how something should be done in the film. This was a habit he never lost and stemmed from his intense involvement with his work. In his third film, I Walk Alone, Lancaster starred with Kirk Douglas, with whom he would make other films, including Gunfight at the O.K. Corral. The two had a love-hate relationship until Lancaster's death.

In September 1947, the House Un-American Activities Committee subpoenaed 34 people from Hollywood to investigate the extent of Communist infiltration in the movie industry. To protest, several people in the industry, including Lancaster, formed the Committee for the First Amendment. This represented the beginning of his involvement with liberal political causes. In March 1948, Lancaster began work on Kiss the Blood off My Hands, the first project of his new company, Hecht-Norma Productions, that he had formed with Harold Hecht.

In July 1948, Lancaster bought his first home. Located in Bel-Air, the large colonial housed the Lancasters, Burt's father, and Burt's widowed sister-in-law, Julia. Over the years Lancaster added a pool, tennis court, guesthouse, projection room, gym, kennel, and a baseball diamond. Lancaster also began collecting modern French paintings. He loved playing bridge and took the game very seriously.

In 1949, Lancaster began an affair with actress Shelley Winters. His marriage to Norma had problems because of her drinking, and Lancaster was often unfaithful. Norma gave birth to their third child, Susan, in July 1949. In 1950, when Norma again became pregnant, Winters realized that her relationship with Lancaster had no future. She burned all her photos of him and ended the affair.

In 1952, Lancaster made the film Come Back, Little Sheba with actress Shirley Booth. Twenty years later, Lancaster would call Booth the finest actress he had ever worked with. His portrayal of a middle-aged alcoholic surprised audiences and displayed his acting abilities and willingness not to be typecast. Of this shift in his career, he later said, in an article in Films and Filming, "Suddenly they began to think of me as a serious actor."

In 1953, Lancaster starred in From Here to Eternity as Sgt. Warden, a tough, serious soldier who falls in love with his commanding officer's wife. The film contains one of the most famous love scenes of all times, with Lancaster and his co-star Deborah Kerr kissing on a beach as waves wash over them. From Here to Eternity earned more money than any other film in the history of Columbia Pictures to that point. Lancaster won the New York Film Critics Circle Award for the best actor of 1953. He was nominated for, but did not win, the Academy Award for best actor of that year.

In 1954, Lancaster directed his first movie, The Kentuckian, in which he also starred. Directing had been a dream of his, but after the lukewarm reception the film received, Lancaster was terribly disappointed and directed only one other movie, The Midnight Man, in 1974.

Lancaster starred in Elmer Gantry, (1960), about a larger-than-life evangelist. Later Lancaster was to say that of all the roles he had played, Elmer Gantry was the most like himself. Gary Fishgall wrote in Against Type: The Biography of Burt Lancaster, "If one had to chose a single picture from the prime of Lancaster's career to define the essence of his stardom, Elmer Gantry would be that film." For his work in the film Lancaster won the New York Film Critics Award for best actor of 1960, the Golden Globe for best motion picture actor in a drama, for 1960, and the Academy Award for best actor of 1960.

In late 1960, Lancaster began filming Birdman of Alcatraz, in which he plays a prisoner who raises birds. Lancaster became very emotionally involved with his role. "One of the problems an actor faces, and it's a very dangerous thing, is to get so involved in a role he loses control of what he is doing. With Birdman of Alcatraz, I couldn't stop crying throughout the film," Lancaster explained in Take 22: Moviemakers on Moviemaking. He was nominated for an Academy Award for his portrayal of Robert Stroud.

Lancaster began filming Judgment at Nuremberg in early 1961. The movie detailed the 1948 war crimes trial of four Nazi judges. Lancaster played Ernst Janning, but was not popular in the role.

In September 1961, Lancaster's father died. James Lancaster had lived with his son since 1947. The two had been very close. In November of that year, the Lancaster's home burned to the ground in a fire that destroyed 456 homes in Bel-Air. Luckily Lancaster's art collection survived since it had been lent to the Los Angeles County Art Museum only the week before. The family rebuilt their home on the same site.

In 1964, Lancaster began filming The Hallelujah Trail in New Mexico. On the set he met a hairdresser named Jackie Bone, who would be his girlfriend for the next 20 years. Although Lancaster was still married to Norma, he fell very much in love with Bone. He and Norma finally separated in 1967, but did not divorce until 1969. The end of his marriage was hard on Lancaster, who considered himself a family man, but he could not deal with his wife's alcoholism. Lancaster's relationship with Bone was stormy. Once they argued in a restaurant and Bone broke a pitcher over his head.

As the 1970s began, Lancaster had not had a successful movie for three years. His good looks were fading, and he drank to excess. He became depressed. Although he made 14 films in the 1970s, they were not very popular. In 1973, Lancaster and Bone moved to Rome. He learned to speak some Italian, cook spaghetti and even grew his own herbs for cooking. Their relationship remained stormy, and he cheated on her, as he had with Norma. The couple moved back to the U.S. in 1976.

In late 1979, Lancaster began work on Atlantic City, a film about two elderly gangsters. It was the first film in which he played a senior citizen. For his work in the film, Lancaster earned several awards including the BAFTA Film Award for best actor, 1980 the Los Angeles Film Critics Association award for best actor, 1980 and the New York Film Critics Circle Award for best actor, 1980.

At a party in 1985, Lancaster met Susie Scherer, a legal secretary who began to work for him. They fell in love and married in September 1990. In 1988, Lancaster made the very popular film Field of Dreams, his last film for the big screen. Lancaster's last work was a television mini-series called "Separate But Equal."

In November 1990, Lancaster suffered a major stroke which left him with paralysis on his right side and difficulty speaking. Lancaster died in Century City, California on October 20, 1994, only two weeks away from his 81st birthday.

Fishgall, Gary, Against Type: The Biography of Burt Lancaster, Scribner, 1995.


The Coded Queer Lives of a Hollywood Classic

“The Cat’s in the Bag, the Bag’s in the River”

What were we meant to be feeling at the movies in the 1950s on hearing a line like this? What do we feel now? What is this insinuating rumor about the cat, the bag, and the river getting at? How did movies make such magic out of masked meanings?

We looked at the screen, and things there seemed so real or emphatic—the men, the women, the sky, the night, and New York. 에 Sweet Smell of Success (1957) you believed you could sniff the black-and-white stink of the city. Wasn’t that in the contract as light ate into film’s silver salts? But the things depicted were also elements in a dream—nothing else looks like black-and-white. And because we believe dreams have inner meanings, not meant to be understood so much as lived with, we guessed there might be a secret within the facts. Was it just a gorgeous, repellent mood in Sweet Smell, or was a larger odor hanging over the film?

“The cat’s in the bag, the bag’s in the river,” Sidney Falco says to J. J. Hunsecker as information or promise, even as endearment. Those two rats play a game together called bad mouth. In 1957 in Sweet Smell the line had the click of hard-boiled poetry or of a gun being cocked. It said that some secret business was in hand, cool, calm, and collected but also dirty and shaming until you dressed it up in swagger. We were sinking into rotten poetry. I felt for that cat, and wondered if its death was being signaled but I guessed the scrag of wet fur was alive still—it was a secret and secrets don’t die, they only wait. The very line said, What do you think I mean? And that’s what the best movies are always asking. Sometimes you revisit those 1950s movies and feel the cat’s accusing eyes staring at you through the bag and the rising river.

Some people treasure Sweet Smell of Success because it’s so unsentimental, so gritty. I don’t buy that. Long before its close the story becomes tedious and woefully moralistic. It shuts itself down, and then the wisecrack lines are stale garnish on day-old prawn cocktail. Admit it: after sixty years, a lot of “great” films can seem better suited to museums than packed places where people want to be surprised for the first time, 지금. In museums, as on DVDs, the films can seem very fine, yet not much happens while you’re watching except the working of your self-conscious respect. But power in a movie should be instant and irrational it grabs at dread and desire and often involves more danger than contemplation.

Sweet Smell is that good or grabby for at least half an hour—and in 1957 that came close enough to horror or fascination to alarm audiences. Perhaps that’s why the scabrous movie had to ease back, turn routine, go dull, whatever you want to say. Would it have been too disturbing for the movie business—which includes us, the audience—if Sweet Smell of Success had gone all the way and let its cat out of the bag?

As written first by Ernest Lehmann, then rewritten by Clifford Odets, and directed by Alexander Mackendrick, Sweet Smell is set in the old newspaper world of New York City. J. J. Hunsecker is an indecently potent gossip columnist on the New York Globe. The hoardings in the city call him the Eyes of Broadway, with the image of his cold stare and armored spectacles. At the time, there was talk that Hunsecker was based on a real columnist, Walter Winchell. That’s not incorrect. But how many now know who Winchell was then? Whereas a lot of us still respond to the smothered hostility in Burt Lancaster and react to the gloating tension he has in the lm with Tony Curtis.

Lancaster played Hunsecker his own company (Hecht-Hill-Lancaster) produced the movie. So Burt was in charge, and he is filmed throughout the story as a monarch who sits still and orders the execution of others with the flicker of an eye or a hushed word. That verdict will be passed finally on Sidney Falco (Tony Curtis), a scuttling press agent who survives by getting items into Hunsecker’s column and so can be engaged to do whatever ugly deeds J.J. requires. A refined, codependent slavery exists between them: J.J. smiles and Sidney smiles, but not at the same time. It is the toxic pact between these two that makes the film disturbing for at least thirty minutes—but it might have been a greater film still if it could have seen or admitted that their mutual loathing is the only thing that keeps them from being lovers.

This was not admitted in 1957, and no one can blame a commercial movie of that era for lacking the courage or even the self-awareness that would have been so direct about a destructive homosexual relationship. If Burt had felt that subtext, his company would never have made the picture. But Burt the man and the actor cannot resist the allure of the secret. He looks at Sidney and at his own position like a charmer looking at a snake and seeing danger. 아직 Sweet Smell plays out finally as one more melodrama of good people and bad people—the way Hollywood liked to tell us the world worked. The radical situation of the lm is that Sidney fears and needs J.J. while the columnist despises but needs Sidney. There’s no room for conventional affection, let alone love, but dependency is like cigarette smoke at the nightclubs where the two rats live. And it reaches poetry in the vicious zigzag talk that joins these men at the hip.

They know each other like a married couple.

The talk seems lifelike—you can believe you are hearing two cynical professionals whose venom is ink the insults feel printed. But it’s hard for movies to stop at that. In the conspiracy of close-ups and crosscutting, and in the pressure to hold audience attention, the talk becomes musical, rhythmic, a self-sufficient rapture, and even the subject of a film.

Sidney goes to the 21 Club, sure that J.J. will be there, in his element. They know each other like a married couple. J.J. is at his table, holding court—he is a little like Vito Corleone at the start of The Godfather, but not as warm or amiable. Hunsecker is receiving a U.S. senator—a weak officeholder he has known for years—a groveling talent agent, and a blonde woman the agent is touting (and providing for the senator’s pleasure). The blonde is named Linda James. She maintains she is a singer. She is played by an actress named Autumn Russell who had a dozen movie credits before fading away she is good here as a woman past youthful freshness, attractive yet desperately preserved, painfully available, and about to be humiliated.

Sidney sits down at the table, beside but a little behind Hunsecker. J.J. begins to order him away, but Sidney has a password, a way into J.J.’s need—he has something to tell him about Hunsecker’s sister. So the powerful man relents and Sidney stays. Then Miss James, trying to be pleasant, wonders out loud if Sidney is an actor.

“How did you guess it, Miss James?” asks Hunsecker, scenting revenge.

“He’s so pretty, that’s how,” she responds. And let it be said, Tony Curtis in 1957 was “pretty,” or a knockout, or gorgeous… The list of such words is not that long, and it’s nearly as problematic now as calling a woman “beautiful.” Let’s just say “pretty” fits, even if Sidney is torn between pleasure and resentment at hearing the word.

Then Hunsecker speaks—and in a few words we know it is one of the killer speeches of 1957.

Mr. Falco, let it be said, is a man of forty faces, not one, none too pretty and all deceptive. See that grin? That’s the charming street urchin’s face. It’s part of his “helpless” act—he throws himself on your mercy. He’s got a half a dozen faces for the ladies, but the real cute one to me is the quick, dependable chap—nothing he won’t do for you in a pinch, so he says! Mr. Falco, whom I did not invite to sit at this table, tonight, is a hungry press agent and fully up on all the tricks of his very slimy trade!

That speech is as cruel as it is literary. It helps us recognize how uncasual or nonrealistic movie talk can be. Of course Hunsecker is a writer, though it’s easier to believe he dictates his column instead of putting pen to paper. But the speech relishes words and their momentum. In life, it was one of the speeches that Clifford Odets hammered out on his typewriter in a trailer parked on a Manhattan street hours ahead of the shooting. Odets had been a revered playwright in the 1930s, the husband or lover to famous actresses, and here he was, at fifty, a Hollywood writer and rewriter for hire, doctoring a screenplay for immediate performance. He knew self-loathing from the inside observers said he was “crazed” by the shift in going from being the next Eugene O’Neill to just another script doctor. Yet Odets was good enough to build to this moment: as he concludes his assassination, Hunsecker picks up a cigarette, and says, quietly, “Match me, Sidney.”

This is an ultimate humiliation it is the blade slipping between the bull’s shoulder blades but it is a proposal, too, or an admission that a terrible wounding marriage exists between the two men, one that cannot be owned up to or escaped. The line is poison for Sidney to taste, and Tony Curtis has played the scene, in close-up, like a man with a sweet tooth for poison, on the edge of nausea. (Later on in the film, Hunsecker tells Sidney he’s “a cookie filled with arsenic.”)

But even a destroyed wife can sometimes get a line back. “Not just this minute, J.J.,” Falco answers, and now we know there is a level between them, beneath professional cruelty and self-abasement. It is a horrible kind of love. Hunsecker smiles at the refusal, as if to admit that the wretched Falco can stick around.

There is more talk like this, and in 1957 it was courageous or even reckless: the film was never a popular success—it had rentals a million dollars less than its costs, so Burt the businessman suffered, which meant others would feel the pain. One obvious risk in the film was giving offense to real Hunsecker-like figures and undermining the integrity of what was still called “the press.” But there’s a deeper implication in the scene and the talk: these two men need each other they might exchange insult and subjugation forever. Indeed, as an audience we don’t want them to stop talking.

Alas, Sweet Smell cannot act on that realization. A complicated plot intervenes. J.J. is obsessed with his sister, Susan. This is asserted, but never explored: does he simply need to control her, or does he have a physical desire for her that he cannot express or admit? It should be added that there is no other woman in Hunsecker’s life. He is disturbed that Susie seems to be in love with a young jazz musician, Steve—maybe the cleanest, whitest, dullest jazzman in all of cinema. These two characters, played by Susan Harrison and Martin Milner, are embarrassments who drag the lm down. This is not an attack on the actors but despair over the concept that lets the lm dwell on them. Why is J.J. obsessed? We never discover an answer. I don’t necessarily want to see his incestuous yearnings I accept his need for power and fear in others. But I want chemistry between J.J. and Susan if the threat of losing her is to be dramatic.

As it is, Sweet Smell degenerates into a tortured intrigue in which Sidney contrives to frame Steve on drug charges, just to make Susan turn against her guy. This leads to an ending in which two bad men get their just desserts. But that is banal and lacks feeling for “the young lovers,” who trudge off together into a new day. We do learn more about Sidney’s conniving nature, and the film becomes a showcase for Curtis. (That he was not nominated for his work speaks to how far Sidney unsettled Hollywood.) But we do not get enough of the two caged men clawing at each other with spiteful words. I don’t think anyone could contemplate a remake of the film today without seeing that there has to be a gay relationship between columnist and press agent, a reliance that excludes the rest of life.

As the film ends, Susie has found the strength to leave her brother. “I’d rather be dead than living with you,” she says. The odious cop, Kello, has beaten up Sidney on the street and carried his limp body away. Is he dead? Or would it be possible for J.J. to come down to the street to reclaim the broken body, carry it upstairs, and put it in the room left free by Susie’s departure? That is not an enviable future for a very odd couple. Maybe Sidney lives in a wheelchair, crippled and needing to be looked after. Just so long as he can exchange barbed lines with J.J.

This is less film criticism—as in a review of a new film—than a reflection on the history of the medium and the way a dream evolves if it is potent enough. I can find no evidence that anyone on the picture intended the undertone I am describing, or was aware of it. I am confident that director Mackendrick and writer Odets were not homosexual, though I’m less sure that they didn’t understand the possibility of that relationship and see an underground life in the casting. Tony Curtis (born Bernard Schwartz in 1925) really was a very good-looking kid, though as a Bronx boy and then a young man in the Pacific war (in submarines), he was only ordinarily good-looking. It was in the late 1940s, as he thought of a show business career, that he started working hard on his looks and his body, and when he felt people in the neighborhood were thinking he might be gay.

In those late 1940s—and still today—there is a widespread feeling that a lot of people in show business are gay. That notion exists above and beyond the fact that there are more homosexuals in show business than in most other professions. Curtis was a fascinating case, with a well-earned reputation as a ladies’ man, with six marriages and six children.

I n watching pretense we acquire a deeper sense of our reality but a growing uncertainty over our psychic integrity. What else are movies for?

Curtis was also funny, candid, and quite bold. He could sit there on screen as Sidney while other characters considered how “pretty” he was. Many lead actors of that era would not have stood for that—I’m sure Lancaster would not have sat there, absorbing it (which doesn’t mean he was deaf to the undertones as he administered the lashing). Curtis grew up in the movie business with a corps of very good-looking guys, many of whom were clients of the agent Henry Willson, who cultivated gay actors who did not come out of the closet on screen—one of them was Rock Hudson, a contemporary of Curtis’s at Universal.

Maybe most important of all, Curtis had the courage to play Josephine in Billy Wilder’s radical film, Some Like It Hot. How much courage? Well, it’s fair to say that Jack Lemmon played Daphne in the spirit of farce and slapstick. It’s not likely, watching Some Like It Hot, in 1959 or now, to believe that Daphne is a girl. But Curtis went for it. Josephine ~이다 an attractive woman. Curtis is candid in his book, American Prince, about the shyness he felt in wearing female clothes and then being on show in front of the crew. “After all these years of putting up with guys coming on to me and hearing rumors about my own sexuality, dressing like a woman felt like a real challenge to my manhood.” So he told Wilder that Josephine needed better clothes.

Not that it matters now, but I don’t believe Tony Curtis was gay, ever. Of course, that would have nothing to do with his ability as an actor to imagine or pretend to gay experience. And if Curtis was that good then he was admitting millions of people in his audience into the same experiment. One principle in this book—and it has been of enormous influence in our lives as a whole—is that in watching pretense we acquire a deeper sense of our reality but a growing uncertainty over our psychic integrity. What else are movies for? We thought we were identifying with characters for fun, but perhaps we were picking up the shiftiness of acting—for life.

The case of Burt Lancaster is more complex. He was married three times, and he had five children. But we are past believing that such credentials settle all interests. The best biography on Lancaster, deeply researched and written with care and respect by Kate Buford, does not believe he had an active gay life. That book was published in 2000. On the way to a celebration of its publication at Lincoln Center, I had dinner with an old friend, George Trescher, a man who did nothing to conceal his own homosexuality, and he assured me that in fact Lancaster had led a gay life. Later still, some documents were released from the F.B.I. and the Lancaster family that did not name names but that revealed that Lancaster had often been “depressed,” that he was bisexual, and that he had had several gay relationships, though never on more than a short-term basis.

With that in mind, you might look at Lancaster’s strangest film, The Swimmer (1968), directed by Frank Perry and taken from a John Cheever story. It’s a fable about an apparent Connecticut success, Ned Merrill, who takes it into his head to swim home one summer Sunday by way of all the pools owned by his acquaintances. Cheever, who had a tormented gay life, watched the filming with awe and amusement, as Burt, at fifty-five, in simple trunks, made Ned’s way from sunlight to dusk and dismay. Why did they make that movie? you’ll wonder. Because Burt wanted to do it.

For much of his career, Lancaster was called a he-man or a hunk. Trained in the circus and proficient as an acrobat, he loved athletic and adventurous roles in movies for which he frequently did his own stunts. As a boy, I thrilled to him as Dardo in The Flame and the Arrow (1950), about a twelfth-century Robin Hood figure from Lombardy. His sidekick in that picture was played by Nick Cravat, a circus partner who kept company with Burt for decades. They made nine films together, including The Crimson Pirate (1952), with Burt as an archetypal grinning rogue, beautiful and physically commanding, in what went from being a straight pirate adventure to a camp romp in which Lancaster is blond, bright, and comically cheerful—in other words, the hero is a parody of himself.

There was another Lancaster, darker and more forbidding: you can see that actor in The Killers, Brute Force, 그리고 Criss Cross, and he emerged fully as Sergeant Warden in From Here to Eternity. That Lancaster became a good actor, but for decades he was determined to stay athletic and heroic: as late as The Train (1964), when he was fifty, he was doing his own stunts. But his work in Sweet Smell is the more interesting for being so repressed. Was he at ease like that? Orson Welles had been the original casting as J.J., but Welles was in a run of ops so Lancaster the producer elected to play the monster himself. He made the role in a way that would have been beyond Welles. It’s in Hunsecker’s stealth and stillness that we feel his evil—or call it a darker inner life than Burt was accustomed to showing. Only a couple of years before Sweet Smell, he had played with Curtis in Trapeze, a conventional circus film that took advantage of his own physical skills.

Tony Curtis reported in his book that Lancaster was often very tense during the filming: he was at odds with Mackendrick, so that they sometimes came close to physical conflict. In one scene, Mackendrick wanted Burt to shift over on a bench seat to let Curtis sit at the table. Burt insisted that Hunsecker would not have moved for anyone—it was a good insight—and he nearly fought the director. Mackendrick was taking too long the picture’s costs were mounting. But the physical actor in Lancaster was both determined on and pressured by the role’s tensions.

The film’s composer, Elmer Bernstein, said, “Burt was really scary. He was a dangerous guy. He had a short fuse. He was very physical. You thought you might get punched out.” Yet Lancaster was supposedly in charge, as both character and producer. Was he afraid of his own film commercially? Did he bridle at his required stillness? Was he in control of Hunsecker’s blank rage? Did he guess that Tony Curtis had the more vivid role? Or was he oppressed by the implications of the film’s central relationship? Did he feel the movie was a plot against him? These questions are not just gossip they enrich one’s experience of J.J.’s paranoia. Lancaster’s authority and Hunsecker’s power are twinned and destructive.

If we see a gay subtext in Sweet Smell, then the hobbled nature of its women characters becomes clearer. It is not just that pliant singer on a senator’s arm. Susan is an emotional wreck, attractive in outline but drained of romantic confidence or stability. At one point Sidney tells her to start thinking with her head not her hips. Hunsecker has a secretary who has no illusions about him. Sidney has a girl who is his humbled slave. There is a well-drawn betrayed wife (nicely played by an uncredited Lurene Tuttle). And then there is the Barbara Nichols character, Rita, an illusionless hooker so degraded she will do whatever Sidney requires of her. There isn’t a woman in the lm with appeal or self-respect. This bleak elimination of heterosexual potential is part of the dankness in Sweet Smell and one more contrast with the exhilarated sparring between the male leads. Hatred or antagonism is their idiom, and we can’t stop hanging on the tortured double act.

에서 Sleeping with Strangers: How the Movies Shaped Desire. Used with permission of Knopf. Copyright © 2019 by David Thomson.


Prolific Character Actor Ed Lauter Dies at 74

Ed Lauter, the always working character actor who played the butler/chauffeur of Berenice Bejo&rsquos character Peppy in the best-picture Oscar winner 아티스트, died Wednesday. He was 74.

Lauter discovered in May that he had contracted mesothelioma, a terminal form of cancer most commonly caused by exposure to asbestos, publicist Edward Lozzi 말했다 할리우드 리포터.

Lauter recently played a baseball scout opposite 클린트 이스트우드 ~에 Trouble With the Curve (2012) and had recurring roles on Showtime drama Shameless as Dick Healey and on USA Network&rsquos Pysch as Deputy Commissioner Ed Dykstra. Earlier, he recurred on , playing Fire Captain Dannaker.

A native of Long Beach, N.Y., Lauter made his TV debut on a 1971 episode of Mannix and arrived on the big screen for the first time in the Western Dirty Little Billy (1972). One of those character actors whose name is unknown but is instantly recognizable, he is listed with an incredible 204 credits as an actor on IMDb.

Alfred Hitchcock&rsquos final film, Family Plot (1976), the balding, angular Lauter played Maloney, the dangerous, blue-collar man who knows too much about dapper jewel thief and kidnapper Arthur Adamson (William Devane). Hitchcock cast Lauter after seeing him play Captain Wilhelm Knauer, the sadistic leader of the guards who go up against Burt Reynolds&rsquo convict football team, in the classic The Longest Yard (1974).

&ldquoHitchcock came out of his screening room, walked back into the office and said, &lsquoHe&rsquos very good, isn&rsquot he?&rsquo&rdquo Lauter recalled in a 2003 interview. &ldquo[His assistant Peggy Robertson], thinking that he meant Burt Reynolds, said, &lsquoYes, he is.&rsquo &rdquo

&ldquoHitchcock said, &lsquoWhat&rsquos his name again?&rsquo Now, Peggy&rsquos lost he doesn&rsquot know who Burt Reynolds is? Then, Hitchcock said, &lsquoEd something &hellip&rsquo and when Peggy told him, &lsquoEd Lauter,&rsquo he said, &lsquoYes, we&rsquove got our Maloney.&rsquo He had actually told Peggy that he wasn&rsquot going to do the film unless he first cast Maloney, the antagonist.&rdquo

His film résumé also includes The New Centurions (1972), The Last American Hero (1973), French Connection II (1975), 킹콩 (1976), 마법 (1978), Cujo (1983), Lassiter (1984), Death Wish 3 (1985), The Rocketeer (1991), Trial by Jury (1994), Leaving Las Vegas (1995), Mulholland Falls (1995), 씨비스킷 (2003), the 2005 remake of The Longest Yard, Seraphim Falls (2006) and The Number 23 (2007).

It only seems as if he was in every TV crime drama in history, with parts in Cannon, Ironside, The Streets of San Francisco, Kojak, 바레타, Police Story, 록포드 파일, Charlie&rsquos Angels, Hawaii Five-0, Simon & Simon, Magnum, P.I., The A-Team, Miami Vice, Walker, Texas Ranger, Homicide: Life on the Street, NYPD Blue, Cold Case 그리고 CSI.

Lauter, who went to college on a basketball scholarship at C.W. Post on Long Island and worked as a stand-up comic, made his Broadway debut in the original 1968 stage production of The Great White Hope starring James Earl Jones 그리고 Jane Alexander.

He has three movies in the can yet to be released: The Town That Dreaded Sundown, Becker&rsquos Farm 그리고 The Grave.

&ldquoHe was a pal, not just a PR client,&rdquo recalled Lozzi. &ldquoHis former stand-up comedy days would always entertain us behind the scenes with his most incredible impersonations. He called me as Clint Eastwood from the set of Trouble With the Curve last year. We really thought it was Eastwood!&rdquo

Lauter also was known to do excellent impersonations of Burt Lancaster, George C. Scott, James Cagney 그리고 험프리 보가트.

The Ed Lauter Foundation and a scholarship fund is being established to honor his work, and the scholarship will be awarded annually to aspiring young actors. His family, which includes his wife of eight years, 미아, asks that donations be made to the foundation.

In the 2003 interview, Lauter recalled: &ldquoSomeone once said to me, &lsquoEddie, you&rsquore a &ldquoturn&rdquo actor.&rsquo What&rsquos that? He said, &lsquoThat&rsquos when a story is going along and your character shows up and the story suddenly takes a major turn.&rsquo That&rsquos kind of neat.&rdquo