조각과 건축은 왜 죽은 자의 해골처럼 도색되지 않은 흰색이 되었습니까?

조각과 건축은 왜 죽은 자의 해골처럼 도색되지 않은 흰색이 되었습니까?

고대에는 조각품과 건물이 옷과 보석으로 칠해지고 화려하게 장식되었으며 때로는 빛나는 청동으로 만들어졌습니다. 르네상스 초기 언젠가 흰색의 도색되지 않은 조각과 건축물로 대체한 동기와 정치적 원동력은 무엇이었습니까?

뜬금없이 추측해보면, 더 많은 억제력을 보여주는 집권세력과 관련이 있다고 생각합니다. 깨끗한 흰색은 죽은 사람의 뼈입니다. 본능적으로 두려워해야 합니다. 권력의 건물 아래, 무색의 갈라진 구멍과 공공 공동 묘지처럼 펼친 뼈 파이프가있는 죽은 해골처럼 보입니다.


1) 부유한 서유럽 사람들이 그리스와 이탈리아를 여행하고 고대 그리스와 로마 사원을 글과 그림으로 묘사할 때까지 원래의 그림은 대부분 풍화되었습니다. 따라서 이 건축 양식을 모방하여 장식을 생략했습니다.

2) 개신교 개혁. 프레스코화와 호화로운 장식은 우상 숭배 등의 표시로 교회에서 제거되었습니다. 교회의 장식된 벽은 일반적으로 흰색으로 덧칠했습니다.


문제에서 묘사된 미국 국회의사당 건물의 신고전주의 건축은 돔, 열주, 현관과 같은 고전 그리스 및 로마 건축의 요소를 복사합니다. 지역 주민들을 두렵게 하거나 억압하지 않도록, 고대 건축물의 아름다움과 웅장함에 대한 건축가의 감탄을 반영하도록 설계되었습니다.


위키피디아는 말한다

"Capitol"이라는 단어는 라틴어에서 유래했으며 로마의 7개 언덕 중 하나인 Capitoline 언덕에 있는 Jupiter Optimus Maximus 신전과 관련이 있습니다.

1792년 봄, 미국 국무장관 토마스 제퍼슨은 국회 의사당의 디자인을 모집하기 위해 디자인 공모를 제안했습니다.

1793년 1월 31일 아마추어 건축가 William Thornton의 늦은 출품작이 제출되어 Thomas Jefferson의 찬사와 함께 워싱턴의 "웅장함, 단순함, 아름다움"에 대한 많은 찬사를 받았습니다.

의회 도서관은 말한다

발표된 가이드라인은 건축 양식, 역사적 연관성, 상징적 의미와 같은 취향의 문제가 아니라 방의 크기와 수와 재료의 문제를 규정했습니다. 따라서 경쟁자들은 미국의 새로운 정치 구조와 사회 질서를 전달하는 방법에 대한 아이디어를 제안했습니다. 단순한 것부터 복잡한 것까지, 경제적인 것부터 비싼 것까지 다양한 제안은 미국 ​​인구(주로 농부와 상인)에 대한 일반적 신념을 반영하거나 헌법이 약속한 혜택을 촉진했습니다.

대부분의 경쟁자들은 18세기 영국과 미국 그루지야 전통의 렌즈를 통해 걸러낸 르네상스 건축 모델을 사용하거나 르네상스 논문에 설명된 건물을 직접 기반으로 했습니다. 국회 의사당 경쟁은 그리스와 로마 건축의 형태와 세부 사항이 부활 된 미국의 초기 신고전주의와 일치했습니다. 대회 출품작 중 3개는 고대 고전 건물에서 영감을 받았습니다.

신고전주의 양식의 건물이 시체나 대량 무덤을 닮거나 공포감을 불러일으키기 위해 의도되었다는 증거는 실제로 없습니다. 대신 그들은 인식 된 아름다움에 대한 감탄을 불러 일으 킵니다.


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이탈리아 르네상스 조각 (c.1250-1530) 연혁 및 특성


피에타 (1500)
로마, 성 베드로 대성당.
미켈란젤로. 완벽한 예
작품에서 절제된 감정의
높은 르네상스의 기독교 예술.

미술사
위대한 역사가들에게
르네상스 예술, 참조:
야곱 Burckhardt (1818-97)
버나드 베렌슨 (1865-1959)
케네스 클라크 (1903-83)
레오 스타인버그(1920-2011)

르네상스 이전의 조각(1250-1400)

이 기간 동안 이탈리아에서 조각 예술을 연구할 때 르네상스 조각가들은 눈에 보이는 고전 그리스 조각의 유형적인 예(그들이 존경했던 바로 그 작품)를 눈앞에 보았지만 화가는 참조할 골동품 그림의 예가 없었음을 기억하는 것이 중요합니다. 예를 들어 조토는 르네상스 이전의 최초의 중요한 조각가인 자신의 '기초'를 건설해야 했습니다. 니콜라 피사노 (c.1206-1278)는 이미 그가 기반을 다질 준비가 되어 있었습니다.

이러한 '기초'는 암흑시대와 중세 조각 시대에 걸쳐 사용 가능했습니다. Nicola Pisano의 조각에서 주목할만한 점은 그것이 파생된 고전 원형이 수세기 동안 사용 가능했음에도 불구하고 그것을 본 중세 예술가들의 상상력을 자극하는 힘을 잃어버렸다는 것입니다. 조각의 역사는 결코 활성화되지 않았습니다. 이탈리아와 유럽의 나머지 지역에서는 중세 시대에 걸쳐 많은 로마네스크 조각이 제작되었습니다. Nicola Pisano가 발견한 것은 물리적 존재 몇 개의 고대 조각상이나 기념물이 있었지만 갑자기 그것이 새로운 의미를 갖게 되었다는 사실입니다. 지오토가 태어나기 6년 전에 완성된 피사의 세례당 강단에 있는 니콜라의 첫 번째 높은 부조 조각이나 조토가 세례를 받는 동안 조각된 시에나 대성당의 강단에 새겨진 것보다 르네상스 고전주의의 여명에 대한 더 놀라운 증거는 없을 것입니다. 그의 요람. 그의 작업에는 기술적 성취가 부족하지 않으며 원시적이거나 주저하는 것이 없습니다. 형식이 과밀해지는 약간의 경향을 넘어서, 물론 기독교 주제는 조각 자체가 제국 로마의 제품처럼 캐주얼한 눈으로 쉽게 보일 수 있습니다. NS 탄생의 마돈나 로마의 수녀이며, 동방박사 수염난 올림픽 선수들이다. Nicola 자신은 Diocletian 시대에 혼수상태에 빠졌다가 13세기 중반에 깨어난 Roman Rip Van Winkle였을 것이라고 추측할 수 있습니다. 거의 천년. 그의 많은 제자 중에는 조각가이자 건축가였다. 아르놀포 디 캄비오 (1240�) 몇 가지 모범적인 무덤 조각을 만들고 피렌체 대성당을 디자인했습니다.

니콜라의 아들, 조반니 피사노 (c.1250-1314), 그의 아버지보다 더 생생하고 더 불안하며 거의 고딕 양식으로 진화했습니다. 그럼에도 불구하고 우리는 그의 작품, 특히 1298년 피스토이아의 성 안드레아 교회 강단과 1310년에 완공된 피사의 작품에서 진정한 르네상스 효모가 작동하는 것을 보기 시작했습니다. 이들은 아니다 트레첸토 로마 조각의 버전이지만 새로운 정신에 대한 형식적인 표현을 시도합니다. Pistoia 강단에는 로마인이 없는 Sibyls가 있습니다. 그들의 몸짓과 태도는 극적인 긴장감으로 가득 차 있다. 그들은 근심하고 신경질적이고 불안한 생물이며, 2세기 후 미켈란젤로는 그의 시스티나 예배당 프레스코화에서 시빌에 부은 종류의 의미를 추출하게 되었습니다. 피사노 왕조의 가장 중요한 추종자는 이탈리아 고딕 예술가였습니다. 조반니 디 발두치오 (1290�), 피사와 밀라노에서 활동했다.

조반니 피사노가 뒤를 이었다. 안드레아 피사노 (1295-1348) - 관계 없음, 사실 그는 때때로 Andrea da Pontedera라고 불립니다. 그는 Giotto와 함께 피렌체 대성당의 종탑에서 부조 작업을 했으며 나중에 대성당의 유명한 3개의 청동 문 시리즈 중 첫 번째 시리즈를 실행했습니다. 세례당. 그들은 고딕 조각의 정신이 알프스를 가로질러 이탈리아 북부로 꾸준히 침투하여 80년 전의 무거운 로마 양식을 대체하는 방법을 보여줍니다. Andrea는 여전히 14세기에 속합니다.

14세기 프랑스 조각을 엿보려면 대부분이 국제 고딕 양식(궁정 예술가들이 채택한 일종의 정교한 고딕 양식)으로 이루어졌으며 프랑스 조각가 Andre Beauneveu(c.1335-1400)의 경력을 참조하십시오. 그는 Charles V 왕을 위해 일했습니다. 동시대의 플랑드르 조각가인 Claus Sluter(c.1340-1406)는 국제 고딕 양식에서 르네상스 시대로의 전환에 핵심 인물이었으며 훨씬 더 영향력이 있었습니다.

르네상스 이탈리아 (1400-1530)

15세기 동안 이탈리아는 밀라노 공국과 사보이 공국, 베네치아 공화국, 제노바, 플로렌스, 시에나를 비롯한 다양한 지역 단체가 혼합되어 있었습니다. 또한, 교회의 국가는 중부 이탈리아의 많은 부분을 소유한 반면, 시칠리아를 포함한 남부 이탈리아 전체는 나폴리 왕국에 속했습니다. 일반적으로 말해서, 이 공동체는 가족과 개인에 의해 군주 방식으로 통치되었으며, 그들 중 많은 사람들이 조각과 회화를 포함한 르네상스 예술의 중요한 후원자가 되었습니다. 가장 중요한 지배 가문은 밀라노의 스포르차와 비스콘티, 만토바의 곤자가, 우르비노의 몬테펠트로, 페라라와 모데나의 에스테, 리미니의 말라테스타, 볼로냐의 벤티볼리오, 피렌체의 강력한 메디치 가문을 포함했다. 로마의 바티칸에서 순수 예술에 관심이 있는 교황은 교황 식스토 4세(1471-84), 교황 율리우스 2세(1503-13), 교황 레오 10세(1513-21), 교황 바오로 3세(1534-49) 등이었다.

일반적 특성

거의 처음부터 조각과 회화는 개인주의가 특징이었습니다. 진보가 점점 학교를 반영하지 않고 개별 예술가의 작품에 더 많이 반영됨에 따라. 르네상스 예술의 똑같이 중요한 특징은 자연주의였습니다. 조각에서 이것은 비율, 휘장, 해부학 및 원근법의보다 자연스러운 처리와 함께 현대 주제의 증가에서 분명했습니다. 세 번째 특징은 고전적 주제와 형식의 재등장이었다. 5세기에 로마가 멸망한 이후 이탈리아는 고대 그리스 조각을 완전히 잊은 적이 없고, 로마 유적의 눈에 보이는 덩어리를 무시할 수도 없었다. 조각에서 고전주의의 부활은 Nicola Pisano(c.1206-1278) 시대에 시작되었으며 14세기에 확인되었지만 15세기 내내 계속되었습니다. 사실, 고딕 양식의 전통은 상당 기간 동안 살아남았습니다. 콰트로첸토, 그러나 일반적으로 고전적인 방식으로 가정했습니다. 고전주의는 르네상스 시대(c.1490-1530)에만 완전히 이어졌습니다. 마지막으로 한 가지 강조해야 할 점이 있습니다. 이탈리아 르네상스 예술은 주로 종교 예술이었습니다. 로마네스크 시대나 고딕 시대보다는 덜하지만 - 모든 유럽이 부유해진 후 - 그러나 기독교는 왕자와 빈민 모두의 삶(그리고 예술)에서 지배적인 힘으로 남아 있었습니다.

조각의 종류: 종교와 세속

기간 동안 조각품에 대한 수요 콰트로첸토 그리고 친퀘첸토 대체로 교회론적이었다. 교회 외부는 출입구 주변뿐만 아니라 때로는 전체 정면이 부조 조각과 기둥 동상으로 장식되어 돌 조각으로 장식되었습니다. 한편 교회 내부는 대리석 조각(강단, 세례반, 장막, 중요한 무덤, 조각상 그룹용)과 나무 조각(특히 후기 고딕 양식 이후의 채색된 제단뿐만 아니라 성가대 포장마차, 작은 조각상)으로 채워졌습니다. 대성당 세례당과 성스러운 문은 종종 전체적으로 청동 조각으로 구성되어 있으며 일반적으로 낮은 부조가 있습니다. 르네상스 교회의 내벽에는 세속 통치자, 장군, 정치가, 철학자, 추기경과 주교를 기념하는 대형 건축 무덤도 있었습니다.

궁전과 개인 주택도 조각품으로 장식되었습니다. 출입구, 정원, 응접실 및 내부 기능은 가장 일반적으로 장식된 영역이었습니다. 내부 조각 작품에는 프리즈, 조각된 천장, 벽난로, 작은 조각상 및 흉상이 포함되었으며 외부 작품은 가고일, 분수, 신사, 마돈나와 성인을 포함한 동상으로 확장되었습니다.

조각에 사용된 주제는 초기 르네상스 회화에서 사용된 주제와 매우 유사했습니다. 교회 사역의 주제는 거의 항상 성경의 구약과 신약에서 나왔습니다. 만약 마돈나와 아이 가장 인기있는 주제이며 다른 일반적인 주제에는 그리스도 또는 성모 마리아의 삶의 장면과 창세기의 에피소드가 포함됩니다. 고전적 기원의 장식 모티프는 때때로 종교 조각에 도입되었지만 신화 주제는 다음을 제외하고는 훨씬 더 드뭅니다. 큐피드 그리고 푸티. 그러나 르네상스 시대 회화에서 주제가 확장되었으며 이는 조각에도 영향을 미쳤습니다. 교회가 아닌 조각에 대한 주제는 고전 신화의 장면과 관련된 후원자와 관련된 인물의 초상화 또는 모티브, 그리고 성서 주제를 특징으로 할 수 있습니다.

재료 및 방법

금과 은과 같은 귀금속은 이전 고딕 시대보다 조각에 덜 사용되었습니다. 그리고 금세공인의 공방은 르네상스 최고의 조각가와 화가를 계속해서 양성했지만, 다양한 분야가 서로 더 독립적이 되고 금세공인의 영향이 금속 공예에 국한됨에 따라 점차 훈련이 더욱 전문화되었습니다. 그러나 청동은 더 중요한 역할을 하여 처음에는 부조, 그 다음에는 동상이나 흉상으로 사용되었습니다. 그것은 연성과 내구성과 도금했을 때의 광채 때문에 르네상스 조각가들에게 특히 인기 있는 매체였습니다. 당연히 초기 청동 주조가 조잡하고 완성된 조각이 고도로 연마되지 않았기 때문에 그러한 이점이 나타나기까지 시간이 걸렸습니다. 그러나 전성기 르네상스 시대에는 이러한 어려움이 극복되었고 높은 수준의 기술적 완성도가 달성되었습니다.

석재 조각에서 세부 사항에 대한 요구가 증가하고 대리석과 같은 다른 미세한 유형의 사용이 크게 증가했습니다. 이스트리안 돌, 그리고 피에트라 세레나 사암. 하얀 카라라 미켈란젤로가 가장 좋아하는 대리석은 기념비적인 조각품으로 널리 사용되었으며 때로는 밀랍에 의해 색이 부드러워졌습니다. 머리카락, 장식품, 때로는 피부를 포함한 조각상의 세부 사항은 종종 금박을 입히거나 칠했습니다.

테라코타는 대리석에 대한 값싼 대안으로 유행이 되었고 유약을 바르면 똑같이 내구성이 있습니다. 영구적인 다색 효과를 위해 유약을 바르기 전에 칠할 수도 있습니다. 그것은 15세기 동안 이탈리아 전역에서 제단화, 강단, 글꼴 및 기타 교회 비품과 수많은 국내 응용 프로그램에 사용되었습니다. 테라코타보다 값싼 재료는 대리석 먼지와 모래로 만든 고운 치장 벽토였습니다. 테라코타와 치장 벽토는 고대의 가장 저명한 조각가들이 고대 걸작을 복사하도록 자극했습니다.

나무는 또 다른 값싼 조각 재료였지만 나무 조각의 전통은 일반적으로 울창한 숲이 우거진 지역, 특히 오스트리아의 티롤과 남부 독일로 제한되었으며, 그곳에서는 마이클 파처 (1435-98), 틸만 리멘슈나이더 (1460-1531), 베이트 스토스 (1447-1533) 및 그레고르 에르하트 (1460-1540).

석재, 청동 또는 나무로 작업하든 르네상스 조각가가 사용하는 조각 기술은 대체로 그리스 또는 로마 조각가가 사용하는 것과 동일합니다. 동일한 유형의 도구가 사용되었고 동일한 기술이 많이 사용되었습니다. 그러나 르네상스의 정신은 훨씬 더 회화적이었습니다. 예를 들어, 서면 디자인은 필수적인 것으로 간주되었습니다. 또한 원근감, 다중 평면의 사용 및 부조의 그라데이션에 많은주의를 기울였습니다. 더욱이, 점토, 나무 또는 밀랍으로 의도된 조각의 예비 만화, 연구 및 소규모 모델은 학생이나 다른 장인이 청동이나 대리석으로 완성할 수 있을 만큼 마스터 조각가에 의해 충분히 진행될 수 있습니다.

피렌체 르네상스 조각 (c.1400-1450)

북부 이탈리아의 14세기와 15세기에 대도시가 새로운 형태의 르네상스 건축 양식을 형성하고 조각가가 오늘날보다 건축가와 더 밀접하게 연결되었습니다. 따라서 인식할 수 있는 이탈리아 스타일의 시작이 회화보다 조금 더 일찍 조각에서 발견된다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 최초의 피사인 폭발 이후 이탈리아의 위대한 조각가들이 거의 모두 피렌체인이었다는 것도 놀라운 일이 아닙니다. 예리한 피렌체 정신은 형식적, 구조적 문제에 대한 자연스러운 편견을 가지고 있었습니다. 디시그노 - 회화에서처럼 조각에서도 쉽게 해결책을 찾을 수 있었습니다. 여기에 더하여 지역 조각 학교가 쉽게 번성할 수 없는 돌과 대리석 채석장이 인접해 있습니다. 피렌체 르네상스 전반기(1400-90)의 가장 중요한 조각가는 Lorenzo Ghiberti, Donatello(Donato di Niccolo), Luca Della Robbia였습니다.

로렌조 기베르티 (1378-1455) 금세공인인 계부 바르톨로에게서 기술 교육을 받았습니다. 그는 화가로 시작했지만 그의 진정한 재능은 작은 물체 조각에 있었습니다. 그의 드 오리피세리아 벤베누토 Cellini는 다음과 같이 설명합니다. "Lorenzo Ghiberti는 아름다운 물건을 만드는 우아한 방식뿐만 아니라 작업에 부여한 근면과 마감 면에서도 진정한 금세공인이었습니다. 그는 미니어처 작품 제작에 온 영혼을 바쳤고, 때로는 큰 조각품에 몰두하기도 했지만, 작은 물건을 만들 때는 집에 있는 게 훨씬 더 편했다.” 금세공인으로서 기베르티의 주요 작품은 금관과 금단추( 1419) 교황 마르티노 5세(1417-31), 금 관(1439)은 교황 에우제니우스 4세(1431-47). 미니어처 부조와 인물로 장식되고 귀중한 보석으로 장식된 이 아름다운 마이터는 교황 클레멘스 7세(1523-34)에게 기금을 제공하기 위해 1527년에 녹아내렸습니다. 그의 청동은 모두 살아남았기 때문에 더 운이 좋았고 기베르티는 금세공인과 같은 정신으로 청동에 전념했습니다. 1401년 그는 피렌체 세례당을 위한 한 쌍의 청동 문 계약을 따내는 데 성공했고 그 과정에서 동시대의 라이벌인 Jacopo della Quercia(c.1374-1438)와 Filippo Brunelleschi(1377-1446)를 제치고 성공했습니다.

그의 문 디자인은 이전에 Andrea Pisano가 사용한 것과 동일한 기본 계획을 따랐습니다. 그것은 28개의 패널로 구성되어 그리스도의 생애, 네 사도, 교회의 네 교부들을 묘사했습니다.그러나 Ghiberti의 문은 구성이 더 풍부하고 부조가 더 높으며 모양과 커튼이 더 자연적입니다. 기베르티는 피렌체 세례당의 유명한 두 번째와 세 번째 청동 문의 쌍을 만드는 데 초기 르네상스 작업의 거의 전체를 바쳤습니다. 그것들은 장인 정신의 경이로움이며, 세 번째 쌍의 풍경과 건축적 배경에 대한 저부조 처리는 능숙하고 독창적이지만 Ghiberti의 인물에 있는 커튼의 끊임없는 부드러운 흐름은 약간 지루해집니다. 두 번째 문 쌍에는 내러티브 패널이 90년 전에 주조된 Andrea Pisano와 모양이 유사하지만 구성이 더 붐비는 고딕 4중포일 안에 포함되어 있습니다. 1427년에 시작되어 1452년에 완성된 세 번째 쌍에서는 고전적인 조류가 발전하면서 고딕 양식의 외적인 형태를 휩쓸었습니다. NS 사면체 사각형 패널로 대체되고 그림인 Ghiberti를 위한 사각형인 것처럼 처리는 기발하지만 거의 창피할 정도로 회화적입니다. 이 열 가지 구약의 이야기처럼 회화와 조각의 경계가 서로 가까워지는 경우는 거의 없습니다. 기베르티의 동시대인들에게 이것은 투르 드 포스 청동의 낮은 부조는 놀랍습니다. 미켈란젤로 자신은 그 문들이 낙원의 입구를 형성하기에 합당하다고 선언했습니다. 그들은 여전히 ​​그렇지만 창조적 인 마음보다는 독창적 인 마음을 드러냅니다.

Ghiberti의 다른 중요한 동시대 인에는 조각가-건축가가 포함되었습니다. 필리포 브루넬레스키 (1377-1446), 첫 번째 세례당 문 경쟁자이자 Donatello의 친구 난니 디 방코 (1375-1421), Or San Michele의 St. Eligius 동상, Florence 대성당의 St. Luke 동상, 북쪽 출입구의 성모 승천이 특히 주목할 만합니다. 니콜로 다레조 (b.1370), 누구와 협력 피에로 디 조반니 대성당의 북쪽 문에.

도나텔로 (Donato di Niccolo)(1386-1466)는 여러 면에서 가장 대표적인 조각가였다. 콰트로첸토. 그의 작품의 연대기는 시대의 변화하는 미학을 반영합니다. 1425년까지 그의 조각은 철저히 고딕 양식이었습니다. 일부 예외를 제외하고 그가 대성당, 종탑, 오르 산 미켈레를 위해 만든 조각상은 포즈가 다소 어색하고 커튼이 너무 무겁고 우아함이 부족합니다. 사도와 선지자는 동시대인의 초상화에 불과한 것 같습니다. 그의 그리스도조차도 농부에 불과합니다. 그러나 세인트 조지는 완전히 다릅니다. 창조적인 에너지의 폭발입니다.

1425-1444년 기간 동안 도나텔로는 대부분의 최고의 작품을 제작하고 피렌체를 넘어 시에나, 몬테풀치아노, 오르비에토, 로마, 심지어 나폴리까지 그의 명성을 확장했습니다. Luca della Robbia와 마찬가지로 그는 그리스의 웅장함과 북부 자연주의를 융합했습니다. 그러나 이러한 상반된 모습의 융합에 그는 한 순간에 소년의 스타일리시한 우아함을 만들어낼 수 있는 자신만의 독창적인 상상력의 힘을 더했습니다. 데이비드, 잘린 골리앗의 머리에 아무렇게나 발을 올려 놓는 것(확실히 역사상 가장 위대한 조각품 중 하나이자 고전 시대 이후로 독립된 최초의 누드 동상 - 자세한 내용은 David by Donatello 참조), 학부생의 오만함 , 미켈란젤로가 그의 모세, 로디네스크 자연주의에 영감을 얻은 앉아있는 성 요한의 위엄 일 주콘 - 대머리의 거지가 구약의 예언자로 변함 - 종탑에서 모든 르네상스의 원형인 파도바에 있는 Gattamelata의 기마상인 Cantoria Cantoria 대성당(루카 델라 로비아가 만든 지 2년 후에 실행됨)의 아이들의 활기차고 추잡한 춤 승마 동상, 그리고 공통의 동의에 따라 파도바에 있는 성 안토니오 교회의 높은 제단을 위해 만들어진 가장 웅장하고 마지막으로 낮은 구호 서사 청동. 이 놀랍도록 독창적인 작품은 내러티브 예술의 모든 표현주의의 원형이라고 할 수 있습니다. Ghiberti의 부드러운 그리스 리듬은 Donatello의 목적을 위해 쓸모없는 것으로 버려졌고 그 자리에서 우리는 새로운 신경 에너지, 새로운 에너지를 찾습니다. 원동력. 온갖 종류의 불안하고 순간적인 몸짓이 이야기의 감정적 강렬함을 더합니다. 이러한 복잡하고 대담한 실험에 비해 세례당 문에 그림을 그리는 기베르티의 시도는 슬프게도 활력과 상상력이 부족합니다.

그는 피렌체의 건축가이자 청동 조각가와 여러 작품을 공동 작업했습니다. 미켈로초 디 바르톨로메오 (때때로 Michelozzo Michelozzi로 잘못 언급됨) (1396-1472). Michelozzo와 협력하여 Donatello는 세 개의 중요한 무덤을 제작했습니다. 반교황 요한 23세(1424-8, 피렌체 세례당) 추기경 Brancacci(1426-8, 나폴리, 산 안젤로 아 닐로)와 Bartolommeo Aragazzi(1427-38, 몬테풀치아노 대성당). 이 시기의 부조 조각에서 그는 시에나 세례당의 글꼴, 프라토의 강단, 피렌체 대성당의 오르간 갤러리에서 가장 눈에 띄는 몇 가지 새로운 원근법 효과를 도입했습니다. 그의 리얼리즘( 일 주콘, 1423-6, Museo dell'opera del Duomo, Florence)는 점차 더 세련된 고전주의로 대체되었으며, 특히 그의 혁명적인 청동상 데이비드 (1440-3, Museo Nationale del Bargello, Florence).

Donatello의 마지막 시기는 1444년 파도바를 방문하면서 시작되어 1466년 사망할 때까지 지속되었습니다. 이 시기는 그의 드라마 감각이 크게 향상되었습니다. 사실, 그의 청동 Gattemelata의 기마상 (Condottiere Erasmo da Narni) (1444-53, Piazza del Santo, Siena). 상당한 양의 고전적 절제를 보여주었지만 파도바의 S. Antonio 제단 부조부터 피렌체의 S. Lorenzo의 청동 강단 부조에 이르기까지 그의 부조 조각은 점진적인 쇠퇴를 추적했습니다. 예를 들어 그의 후기 부조는 과장된 감정, 엉뚱한 구성, 지나치게 느슨한 형태와 커튼 처리로 특징 지어집니다. 그들은 이탈리아 조각이 떨어질 운명이었던 로코코 스타일의 불행한 선구자입니다.

특히 두 명의 예술가는 Donatello의 초기 방식과 관련이 있습니다. 난니 디 바르톨로 (Il Rosso) (c.1379-48), 그는 피렌체 대성당의 Giotto's Campanile(종탑)과 베르나르도 시우파니 (1385-1456), 대성당에 앉아 있는 성 마태를 책임졌습니다. 아고스티노 디 두치오 (1418�)은 도나텔로의 최고 작품에서 크게 영감을 받은 또 다른 추종자였지만, 그의 휘장을 다루는 것은 기베르티의 것을 더 연상케 합니다. 예를 들어 페루자의 산 베르나르디노(San Bernardino) 정면에 있는 그의 동상을 보십시오. 그의 조각은 같은 종류의 흐르는 아라베스크 선과 보티첼리의 그림과 같은 그리운 섬세함을 가지고 있습니다. 그는 작은 조각의 시인이지만 그는 리미니의 유명한 Tempio Malatestiana의 내부에 기억에 남을 흔적을 남겼습니다. 이 건물은 벽을 둘러싸고 있는 그의 위대한 이교도 조각품 시리즈 덕분에 그 사랑스러움의 절반 이상이 빚지고 있습니다.

Donatello의 조각이 화가와 조각가 모두에게 큰 영향을 미쳤다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 고전적 모티브의 사용, 정교한 원근법 사용, 모든 재료의 기교 덕분에 그는 미켈란젤로까지 르네상스 예술가와 견줄 수 없는 당대 가장 영향력 있는 조각가가 되었습니다.

기베르티보다 덜 실험적이며 도나텔로보다 더 절제되고, 루카 델라 로비아 (1400-1482) 금세공인 레오나르도 디 세르 조반니 밑에서 훈련을 받아 청동(플로렌스 대성당의 성체에 있는 출입구)과 대리석 조각(성가대-화랑 부조, 베노초 페데리기 주교의 대리석 무덤)에 대한 인식 가능한 숙달을 달성했습니다. S. 프란체스코 디 파올라). 유약 테라코타 점토 조각 학교의 창시자로 가장 잘 알려진 그의 이탈리아 르네상스 조각에 대한 영향은 과소평가되어서는 안 됩니다. 흥미롭게도 루카가 만든 가장 훌륭한 단일 작품은 그의 첫 작품입니다. 1438년에 완성된 피렌체 대성당 칸토리아의 대리석 부조입니다. 사진과 그들의 놀랍도록 유창한 매력은 그들을 미치게 만들었지만 매력은 그들의 미덕 중 가장 작습니다. 소년 음악가와 어린이 무용가의 조각은 거의 헬레니즘적 순수성을 지니고 있지만, 청소년기의 행동과 몸짓에 대해 놀랍도록 관찰력 있는 눈을 드러내며 조용한 유머의 손길로 활기를 띠고 있습니다.

다음과 같은 다른 초기 조각품 부활 (1443) 그리고 승천 (1446), 피렌체 대성당과 S. Pierino 교회의 lunettes는 Leonardo di Ser Giovanni와 Ghiberti의 영향을 받았습니다. 그러나 그의 lunette 마돈나와 아이 Via dell' Agnolo의 출입구뿐만 아니라 사도 Pazzi Chapel의 메달과 방문 S. Giovanni Fuorcivitas, Pistoia의 그룹은 그의 개인적인 스타일로 처형되었습니다. 약 1463년에 그는 피렌체 일반 상인 협의회와 석공 조합 및 목각가 길드를 위해 정교한 메달을 만들었습니다. 이 메달은 둘 다 오르 산 미켈레의 외관을 장식하고 있습니다. 그의 후기 작품으로는 장엄한 성십자가 성막 임프루네타에서 그의 작품 중 일부에서 Luca Della Robbia는 유색 유약을 사용했지만 더 자주 그는 눈과 눈썹과 같은 세부 사항에만 또는 표면적 장식으로만 색을 적용했습니다.

루카의 테라코타 조각 사업은 조카의 도움으로 크게 성장했고, 안드레아 델라 로비아 (1435-1525). Andrea는 테라코타를 더 광범위하게 사용하여 지역의 작은 마을로 가져갔습니다. 우선 La Verna와 Arezzo에서의 초기 작품에서처럼 그는 삼촌의 레퍼토리와 스타일을 많이 빌렸고, 프라토 대성당 입구에 있는 lunette에 의해 설명된 것처럼 약간 더 우아한 자신만의 스타일을 개발했습니다. 시에나 근처 Osservanza에 있는 제단. 그러나 때때로 이 우아함은 비테르보의 성 마리아 델라 퀘르시아(S. Maria della Quercia) 포털에 대한 안도에서와 같이 감상적으로 악화되었습니다.

안드레아의 뒤를 이어 그의 다섯 아들이 사업을 하게 되었는데, 그 중 조반니(Giovanni, 1469-1529)가 가장 재능이 있었고, 성 마리아 노벨라의 성찬(1497), 나치오날레 박물관의 탄생(1521), Pistoia의 Ceppo 병원에서 메달. 막내아들 지롤라모(Girolamo, 1488-1566)는 프랑스 미술에 뚜렷한 영향을 미치지 않으면서 프랑스에 가족 전통을 소개했습니다.

피렌체 르네상스 조각 (c.1450-1500)

15세기 후반에는 대리석과 청동으로 된 대규모 조각품에 대한 수요가 눈에 띄게 증가했습니다. 교회는 제단 조각, 성막, 강단, 무덤 및 내부 오목한 부분을 위해 다양한 품목이 필요했으며 모두 새로운 역동적인 르네상스 스타일로 조각되었습니다. 반면 세속 궁전에는 새로운 프리즈, 굴뚝 조각, 초상화 흉상 및 기타 수많은 유형의 장식 조각이 필요했습니다. 15세기 후반 피렌체에서 가장 저명한 대리석 조각가로는 Desiderio, Rossellino 형제, Benedetto da Maiano, Mino da Fiesole이 있습니다. 같은 기간의 청동 공예가 중 최고는 Verrocchio와 Pollaiuolo였습니다.

데시데리오 다 세티냐노

데시데리오 다 세티냐노 (1430-64)는 도나텔로의 최고의 조각 정신을 흡수하여 자신만의 조화와 세련된 우아함을 더했습니다. S. Croce 교회에 있는 Carlo Marsuppini 수상의 무덤은 이러한 유형의 기념물의 가장 좋은 예입니다. S. Lorenzo 교회에 있는 그의 대리석 장막도 마찬가지입니다. 또한 그의 위엄 있는 초상화 흉상인 마리에타 스트로치(Marietta Strozzi)와 우르비노(Urbino) 공주의 흉상이 있었고, 그의 아이들 흉상은 계속해서 도나텔로(Donatello)의 것으로 잘못 여겨졌습니다. 비록 34세의 젊은 나이에 세상을 떠났지만, 이탈리아 르네상스 조각에 대한 그의 공헌은 오래 지속되었습니다.

베르나르도와 안토니오 로셀리노

기술적으로 성공했지만, 베르나르도 로셀리노 (1409�)는 예술가로서의 독창성이 결여되어 있었다. 건축에서 그는 Alberti의 열렬한 추종자였으며 조각에서는 Leonardo Bruni의 유명한 무덤(d.1444)에서 볼 수 있듯이 다른 사람들에게 너무 많은 것을 빌렸습니다. 그의 남동생 안토니오 로셀리노 (1427-1479)는 더 잘했습니다. Empoli에 있는 Collegiate 교회의 St. Sebastian은 가장 우아한 동상 중 하나로 간주됩니다. 콰트로첸토. 산 미니아토에 있는 포르토갈로 추기경(d.1459)의 무덤은 건축학적 중요성은 부족하지만 그럼에도 불구하고 아름다움으로 가득 차 있습니다. 그의 저부조 조각품과 초상화 흉상은 Desiderio의 많은 작품보다 덜 인상적입니다.

전기 작가 Giorgio Vasari에 따르면 Desiderio의 제자는 미노 다 피에솔레 (1429-84)는 엄청난 수의 제단, 강단, 무덤, 부조, 동상 및 흉상을 담당했습니다. 솜씨 좋은 장인으로, 모형이나 만화의 사용을 지양하고 뛰어난 마무리로 유명했다. Desiderio의 세련미가 많이 결합된 그의 작품은 일반적으로 독특한 매너리즘과 함께 구별되는 매력을 가지고 있습니다. 로마에 오래 거주했음에도 불구하고 그는 고전 고대에서 거의 차용하지 않았습니다. 실제로 그의 로마 조각은 그의 최고의 피렌체 작품과 비교할 수 없습니다. 피에솔레 대성당에 있는 그의 가장 훌륭한 조각품에는 레오나르도 살루타티 주교의 무덤과 아기 예수와 함께 있는 마돈나를 묘사한 제단화가 있습니다.

특별히 독창적이지는 않지만, 베네데토 다 마이아노 (1442-97)은 그 시대의 일반적인 기풍을 완벽하게 대표했습니다. Faenza에 있는 St. Savinus의 제단(1470)과 Florence의 Misericordia에 있는 St. Sebastian은 Antonio Rossellino에게서 눈에 띄게 차용했으며, San Gimignano에서 Benedetto의 작품에서도 그의 영향을 볼 수 있습니다. 더 눈에 띄는 것은 성 프란치스코의 삶에서 그림 같은 부조로 장식된 피렌체의 성 크로체 교회에서 그의 유명한 강단입니다. 그러나 그의 마돈나 조각상과 부조는 잘 먹고 부유한 중산층 여성을 연상시키는 초기 거장들에 비해 엣지가 부족합니다.

루카 태생 마테오 시비탈리 (1435-1501) 안토니오 로셀리노, 데시데리오, 베네데토 다 마이아노의 영향을 받은 피렌체 조각의 대표작이다. 그럼에도 불구하고 그의 많은 조각품에는 가장 비플로렌타인 같은 감정의 힌트가 있습니다. 그의 그리스도 형상은 큰 슬픔의 사람들이며 그의 천사들은 그의 마돈나를 숭배하고 있으며 마음이 부드러운 어머니입니다. 그의 작품의 매력적인 예는 루카뿐만 아니라 제노바에서도 볼 수 있습니다.

피렌체 청동 조각가

플로렌스의 대리석 조각가들이 르네상스 예술의 우아함과 아름다움을 전파하는 데 크게 공헌했다면 청동 공예가들도 매체 기술을 익히는 데 그다지 적극적이지 않았습니다.

안토니오 폴라이우올로 기베르티의 계부인 바르톨로의 제자(1432-98)는 금세공인이자 야금학자로서 위대한 업적을 남겼습니다. 1493년에 완성된 교황 식스토 4세(로마 성 베드로 대성당)를 위한 그의 장례 기념물은 석판 무덤에서 개발한 것입니다. 교황은 7가지 미덕과 10가지 교양의 부조로 장식된 소파에 기대어 앉아 있는 모습으로 묘사되어 있습니다. 역시 성 베드로 대성당에 있는 교황 인노첸시오 8세의 무덤은 그다지 눈에 띄지 않지만, 마르시아스 그리고 헤라클레스와 카쿠스, 피렌체의 바르젤로에서 효과를 위해 너무 열심히 노력합니다. 그러나 동시에 피렌체 대성당 박물관에 있는 은색 십자가의 기초가 폴라이우올로의 것으로 옳다고 가정할 때, 그가 비정상적으로 발달된 건축 감각을 가졌음이 분명하다. 그는 또한 "금세공인" 회화 학교의 창시자로도 찬사를 받았습니다.

안드레아 델 베로키오

안드레아 델 베로키오 (1435�)은 당대 최고의 금속 세공품을 생산했으며 도나텔로와 미켈란젤로 사이에서 가장 위대한 조각가였습니다. Giuliano Verrocchio에게 금세공 교육을 받은 그는 Donatello와 Desiderio에게서 더 많은 것을 배웠고 마침내 자신만의 독자적인 스타일을 개발했습니다. 그의 메디치 기념비(1472), S. Lorenzo의 희생에서 그는 곡선보다 직선을 선호했지만 Desiderio에게서 빌렸습니다. 그의 청동 데이비드 (1476) Bargello에서 Donatello의 정신이 스며나지만 더 각지고, 덜 sylph와 덜 도발적입니다. 더 혁신적인 것은 그의 그리스도와 의심하는 토마스 (1483) Or San Michele 외부의 틈새 시장에서 피스토이아 대성당에 있는 추기경 Forteguerra 기념비에서처럼 휘장이 너무 무거울 수도 있습니다.

Verrocchio는 만능 피렌체 예술가로 인정받은 유형으로, 범위를 넓히기보다는 상속을 정제하는 데 만족했지만 그는 그에게 하나의 뛰어난 조각 개념을 남겼습니다. 그것은 지금 - 동상 바르톨로메오 콜레오니 (1480-95) 베니스의 SS 조반니 에 파올로 광장의 높은 받침대에서 말을 타고 있습니다. 이것에 비하면 시에나에서 도나텔로의 노력은 결정적으로 움직이지 않는 것처럼 보입니다. 실제로 다른 어떤 기마 동상도 이렇게 하나로 구성된 말과 기수는 없습니다.

피렌체는 15세기 이탈리아 르네상스 조각의 영감을 주는 원동력이었고 그녀의 영향력은 이탈리아 전역에 퍼졌습니다. 그럼에도 불구하고 시에나, 밀라노, 베니스, 파도바, 움브리아와 같은 다른 센터에서도 독창성과 영향력을 지닌 조각가를 배출했습니다.

시에네즈 르네상스 조각학교

보다 보수적인 시에나는 피렌체보다 훨씬 더 오래 고딕 예술의 전초 기지로 남아 있었습니다. Sienese School of Painting과 마찬가지로 이 도시의 조각가들은 고딕 조각의 자연주의와 감성을 모두 표현했지만 고전적인 모티브와 르네상스 미학의 역동적인 감각은 없었습니다. 시에나의 대표적인 조각가는 젊은 미켈란젤로에게 그다지 중요한 영향을 미치지 않은 Jacopo della Quercia였습니다.

야코포 델라 케르시아 (1371-1438)

야코포 델라 케르시아, 1370년경에 태어난 이탈리아 최초의 조각가로, 이탈리아 르네상스의 완전한 의미를 이해하고, 인간의 모습을 불안한 고딕 에너지나 정적인 고전적 귀족의 수단으로 사용하지 않고 보다 깊은 영적 의미. 볼로냐에 있는 산 페트로니오 교회의 정문을 둘러싸고 있는 거대한 일련의 부조 조각품에서 그를 가장 잘 볼 수 있습니다. 여기에 마사초의 작품처럼 견고하고 표현력이 풍부한 인물을 조각된 낮은 부조로 상상할 수 있는 사람이 있었습니다. 브랑카치 예배당 프레스코화 정확히 같은 순간에 실행되고 있었습니다. 어떤 경우에는 같은 주제에 대한 두 예술가의 접근 방식을 비교할 수 있으며, 예를 들어 아담과 이브의 추방에 대한 그들의 개념이 얼마나 유사한지 알 수 있습니다. 이야기 목적으로 벌거벗은 인간의 몸에 대한 동일한 숙달, 동일한 장엄한 리듬, 우아한 것보다 값비싼 제스처에 대한 동일한 선호가 있습니다.19세에 볼로냐를 방문한 미켈란젤로는 이 위대한 조각 시리즈를 보고 시스티나 예배당에서 아담과 이브 프레스코를 디자인하기 위해 왔을 때 그것을 기억했을 것입니다. Jacopo della Quercia가 그 뒤를 이었습니다. 로렌조 베키에타 (1412-1480), 안토니오 페데리기 (c.1420-1490) 및 청동 캐스터 자코모 코짜렐리 (1453-1515).

밀라노 르네상스 조각 학교

롬바르디아, 특히 밀라노뿐 아니라 파르마, 크레모나, 베르가모, 파비아에서도 밀라노 조각가 학교는 북부 이탈리아 전역에 흔적을 남겼습니다. 고딕 양식의 전통은 피렌체보다 더 확고하게 자리 잡았지만 르네상스 사상과 방법의 확산을 막지는 못했습니다. 동시에 롬바르디아의 조형 예술은 장식 수요를 충족시키기 위해 더욱 정교하게 장식되는 경향이 있었습니다. 따라서 예를 들어, 피렌체 예술가 Michelozzo가 밀라노에서 일하기 시작했을 때 그는 롬바르디아의 취향에 맞게 스타일을 변경했습니다. 이 장식적인 스타일은 밀라노 대성당, 베르가모의 콜레오니 예배당, 파비아의 체르토사 조각에서 잘 드러난다. 형제 크리스토포로 만테가짜 (c.1420-82) 및 안토니오 만테가짜 (c.1425-95) - 기존의 딱딱하고 학문적인 스타일로 유명한 Certosa의 머리 조각가는 젖은 종이와 유사한 점에서 "cartaceous" 방식으로 휘장을 묘사한 최초의 석조 조각가였습니다. 그 뒤를 이었다 조반니 안토니오 오모데오 (1447-1522), 그의 조각은 자연주의와 고전적 형태의 측면에서 상당한 진전을 보여주었습니다. 예를 들어 콜레오니 예배당을 위한 장식 조각, 베르가모에 있는 바르톨로메오 콜레오니의 무덤, 파비아에 있는 체르토사 외부에 대한 작업, 이솔라 벨라에 있는 보로메오 기념물을 참조하십시오.

롬바르디아 학교의 다른 최고 조각가는 다음과 같습니다. 크리스토포로 솔라리 (1489-1520년 활동) 르네상스 시대 작품에 특히 미켈란젤로의 영향을 받은 점토 부조 조각가 카라도소 (1445-1527) 누구 벤베누토 첼리니 그가 만난 가장 재능 있는 금세공인으로 평가되었으며, 산 사티로 교회의 성찬을 위한 테라코타 부조는 위대한 도나텔로와 아고스티노 부스티 (1480-1548)은 기념비적인 조각품에 성공을 거둔 그의 서명 "소형주의" 스타일로 유명합니다.

베네치아 르네상스 조각 학교

밀라노 예술가들이 베르가모, 브레시아, 제노바 및 기타 이탈리아 북부 도시의 후원자를 위해 조각하는 동안, 베니스의 영향은 동쪽의 이스트리아와 달마티아, 서쪽의 베로나와 브레시아, 라벤나, 체세나, 파엔차, 안코나로 확장되었습니다. 남쪽.

베네치아 조각은 약간 이국적인 베네치아 그림처럼 감성에 호소하는 경향이 있었고 밀라노, 시에나, 플로렌스의 조각은 지성에 호소했습니다. 이것은 베니스의 선호를 감안할 때 자연스러운 일이었습니다. 컬러리토 피렌체보다는 디시그노. (베네치아 조각의 다채로운 경력에 대해서는 조각가-건축가를 참조하십시오. 필리포 캘린더리오.) 따라서 르네상스 시대에 도시가 일급 조각가를 배출하지 않은 것은 놀라운 일이 아닙니다. 언급할 가치가 있는 베네치아 예술가는 다음과 같습니다. 안토니오 브레뇨 (c.1400-1462), 안토니오 리조 (활성 1465-99), 피에트로 롬바르도 (1435-1515), 그의 아들들 툴리오 롬바르도 (c.1455-1532) 및 안토니오 롬바르도 (1458-1516) 뿐만 아니라 알레산드로 레오파르디 (d.1522).

시에나와 밀라노와 달리 베네치아 학교는 고딕 양식을 너무 좋아해서 너무 빨리 폐기했습니다. 따라서 고딕과 르네상스가 공존하는 과도기는 베니스에서 비교적 긴 기간이었다. 더욱이 Donatello(또는 파도바에 있는 그의 추종자들)나 안토니오 리조 베로나의 조각가는 베네치아 조각의 경향을 바꾸는 데 성공했습니다. 그 발전의 연속성은 총독궁의 포르타 델라 카르타(Porta della Carta)의 조각 장식에서 드러났고, 마침내 피에트로 롬바르도(1435-1515)의 작품에서 이탈리아 르네상스의 고전적 휴머니즘을 반영하는 데 성공한다. 후자의 방식은 Doges Niccolo Marcello(d.1474)와 Pietro Mocenigo(d.1476)의 무덤에서 분명하지만 S. Maria dei Miracoli 교회의 장식 예술에는 전형적인 베네치아의 매력이 스며 있습니다.

파두안 르네상스 조각 학교

15세기 파도바는 주로 만토바와 페라라에서 영향을 받은 매우 뛰어난 조각은 아니지만 생산적인 조각 학교를 소유했습니다. 도나텔로에게 그녀의 열등한 취향에 맞게 스타일을 바꾸도록 강요한 후, 도시의 제자들은 인기 있는 조각가가 되었고, 그 중 가장 재능이 뛰어난 조각가는 조반니 다 피사, Eremitani 교회의 비 유적 테라코타 조각의 제작자. 더 잘 알려진 것은 바르톨로메오 벨라노 (1430-1498), Donatello와 Desiderio의 복제품은 독창성의 부족을 보여주었지만, 피렌체의 S. Lorenzo에 있는 강단에 대한 그의 부조는 극적인 효과를 위한 인위적인 노력으로 표시되었습니다. 그의 후계자 안드레아 브리오스코 (1470-1532) 그리스 미술에 대한 더 큰 지식에 의해 조정되었지만 그의 접근 방식의 일부를 흡수했습니다. 다른 한편으로, 그의 소규모 국내 청동 부조, 촛대, 보석 상자 및 작은 조각상에서 그는 자신을 대가인 것처럼 보여 주목할만한 추종자들을 매료 시켰습니다.

높은 르네상스 이탈리아 조각

15세기 말과 16세기 초의 조각은 점차 건축과 회화와 관련하여 더 큰 개인적 중요성을 갖게 되었습니다. 따라서 건축은 실제로 더 조각품과 같았습니다. 벽기둥은 기둥 처마 장식으로 대체되었고 몰딩에는 더 큰 투영이 부여되어 새로운 빛과 그림자 패턴을 허용했습니다. 인물이 더 많은 모델링을 받고 원근법이 윤곽과 구성을 능가함에 따라 그림도 더 플라스틱이되었습니다. 실제로 조각은 때때로 그녀의 자매 예술을 복종으로 축소시켰습니다. 벽 무덤에서는 건축물이 단순한 배경으로 간주되면서 인물이 새롭게 부각되었습니다. 심지어 건물 전체가 조각상을 위한 단순한 배경으로 취급되기도 했습니다. 또한, 매혹적인 부조 초기 르네상스 시대는 다음으로 대체되었습니다. 오트 릴리프 그리고 동상. 모델링, 자세, 커튼의 움직임은 탁월함의 새로운 기준이 되었으며 거대한 조각상도 만들어졌습니다. 고전 그리스 조각의 영향력은 커지지 않으면 그대로 유지되었지만, 골동품 형태의 재현으로 이어지는 경우는 거의 없었습니다.

피렌체의 주요 르네상스 시대 조각가는 안드레아 산소비노 (1467�). Monte Sansavino의 S. Chiara에 있는 그의 초기 테라코타 점토 제단은 Andrea del Verrocchio와 Antonio Rossellino에게 많은 빚을 졌습니다. 그리고 그의 인물 그룹은 그리스도의 세례, 피렌체 세례당의 출입구 위에 있는 로렌초 디 크레디(1458-1537)의 그림과 동등했으며, 델 베로키오의 보다 활기찬 개념과는 뚜렷한 쇠퇴를 나타냈습니다. 로마에서 아스카니오 스포르차 추기경과 지롤라모 바소 델라 로베레 추기경을 위한 그의 장례식 기념물은 장식적인 세부 사항에서 매력적이면서도 조각과 건축 사이의 갈등을 보여주었습니다. 그의 머리와 휘장은 본질적으로 고전적이지만 그의 인물의 비율은 너무 무거웠습니다. Loreto에서 그의 후기 조각품은 너무 인위적이었고 새로운 매너리즘에 너무 의존했습니다.

그의 제자 베네데토 다 로베자노 (1476�)은 섬세한 꽃무늬 디자인과 해골과 십자뼈의 이상한 조합에서 알 수 있듯이 산사비노의 기술적 능력과 독창성을 많이 가지고 있었습니다. Carmine의 Piero Soderini와 SS의 Oddo Altoviti를 위한 그의 무덤. 피렌체의 사도리(Apostoli)는 체포보다 더 흥미롭고, 바르젤로(Bargello)에서 S. Giovanni Gualberto의 생애를 그림으로 그린 ​​그의 구호는 그의 예술의 독립성을 드러냈다. 프랑스의 루이 12세를 위한 그의 무덤과 영국의 울시 추기경의 무덤(미완성)은 이탈리아 르네상스 사상을 북유럽에 도입하는 데 큰 역할을 했습니다. 무자비한 베네치아 조각가 피에로 토리지아노 (1472-1522) 또한 영국으로 가서 웨스트민스터 사원에 헨리 7세의 무덤을 만들었습니다. Sansovino의 또 다른 제자, 프란체스코 디 산 갈로 (1493�)은 그의 스승의 태도를 드러냈고 여기에 더 큰 사실감을 더했다. 피렌체 근처 체르토사에 있는 레오나르도 보나페데 주교의 무덤은 부조 후기 고딕과 초기 르네상스 시대의 석판.

롬바르디아에서 재능있는 조각가의 라인은 다음으로 끝나는 것으로 보입니다. 아고스티노 부스티. 그의 뒤를 이은 사람들은 열등했다. 레오나르도 다빈치 (1452-1519) 조각 예술에 거의 기여하지 못했습니다. 피렌체 미켈란젤로의 영향은 꽤 지배적이었습니다.

Modena에서는 다음을 통해 일부 발전을 달성했습니다. 귀도 마조니 (1450-1518) - 그의 비 유적 점토 조각으로 유명합니다. 웃는 소년의 머리 (1498, British Royal Collection), 젊은 헨리 8세의 초상화로 추정되는 - 그리고 안토니오 베가렐리 (1479�), 그는 테라코타와 오목한 부분, 제단 조각 및 동상을 위한 조각 그룹을 전문으로 했습니다. 그의 초기 작품은 다음과 같습니다. 그리스도에 대한 통곡 S. Maria Pomposa에서 Mazzoni에게 많은 빚을 졌지만 Begarelli는 더 다양한 표현 수단을 발견했고 그의 작곡에서 훨씬 더 많은 움직임을 포착했습니다. 그의 후기 작품 - S. Pietro의 제단화와 같은 구름 속의 천사들에게 둘러싸인 마돈나와 네 명의 성도 - Correggio(1490-1534)의 정신이 주입되었습니다.

볼로냐에서도 비슷한 발전이 다음 작업에서 추적될 수 있습니다. 알폰소 롬바르디 (1497-1537). 페라라와 볼로냐의 S. 피에트로에서의 초기 작품 역시 마조니의 작품과 유사했다. 나중에 그는 Sansavino의 영향을 받았고 더 명백하게 고전적인 방식을 채택했습니다. 예를 들어 S. Petronio의 왼쪽 포털에 있는 그의 조각을 참조하십시오. 또 다른 공로 예술가는 조각가였습니다. 프로페르치아 데 로시 (1490-1530). 니콜 페리콜리 (Il Tribolo)(1485-1550)는 S. Petronio의 포털 주변에 sibyls, 천사, 예언자 및 기타 부조에 의해 설명된 것처럼 재능의 또 다른 조각가였습니다. 일련의 불행은 그가 마땅히 받아야 할 적절한 인정을 받지 못하게 했습니다.

베니스에서 최고의 조각가는 피렌체의 Jacopo Tatti로 더 잘 알려진 Andrea Sansavino의 또 다른 제자였습니다. 자코포 산사비노 (1487-1570). 1506년에 그는 주인을 따라 로마로 갔고 그곳에서 도나토 브라만테(1444-1514)와 라파엘로(1483-1520)가 자주 다녔던 곳을 돌아다니며 고전 골동품의 정신과 방식에 흠뻑 빠졌습니다. 그의 술잔을 들고 있는 바쿠스 (c.1508, Museo Nazionale, Florence)는 이 기간 동안 그의 조각품의 훌륭한 예입니다. 약 1518년에서 1527년까지 그는 로마에 있었고 그 후 그는 베니스로 가서 몇 가지 중요한 건축 및 조각 의뢰를 수행했으며 베네치아 후원자들이 필요로 하는 풍부한 장식 효과를 내기 위해 자신의 스타일을 변경했습니다. 그의 동상에서 아폴로, 수은, 미네르바, 그리고 평화 S. Marco 종탑 근처의 Loggietta에서 그는 자신이 Pietro Lombardo의 합당한 후계자임을 보여주었습니다. 그러나 S. Marco 합창단의 유명한 청동 문과 파도바의 S. Antonio 예배당의 대리석 부조는 전혀 가치가 없었습니다. 다른 베네치아 르네상스 조각가 포함 알레산드로 비토리아 (1525-1608) 및 지롤라모 캄파냐.

미켈란젤로 부오나로티

초기 르네상스 시대에 피렌체는 로마에 예술가들을 공급했습니다. 그러나 르네상스 시대에 로마는 주로 피렌체의 천재 미켈란젤로를 통해 이탈리아 전역에서 예술(특히 조각)을 지배했습니다.

미켈란젤로 (1475-1564)는 건축가, 조각가, 화가로서 똑같이 훌륭했지만 그가 하는 모든 일에서 본질적으로 조각가였습니다. 그의 초기 작품은 Donatello와 Jacopo della Quercia에게 빚을 지고 있었지만 그의 정신은 조각에 그리스 시대 이후 어느 때보다 더 큰 독립성을 부여했습니다. 실제로 그의 조형 예술은 고대에 뿌리를 두고 있었습니다. 왜냐하면 처음부터 그는 인간의 형태에만 관심이 있었기 때문입니다. 그는 고대 그리스 조각의 가치에서 영감을 받아 그가 말하고 싶은 모든 것을 인체로 표현하기로 결정했습니다.

미켈란젤로의 첫 번째 작업 스타일(1488-1496)은 더 자유롭고 고전적이었지만 도나텔로의 작업 스타일과 비교할 수 있습니다. 그는 완벽하게 완벽하게 포착했습니다. 목신의 머리, 소위 복원된 부분과 동일시되는 석상 레드 마르시아스 우피치에서 묘사한 마돈나 델라 스칼라 (계단의 성모)(c.1490, Casa Buonarroti, Florence)는 일반적으로 그리스 부조에서 볼 수 있는 것과 같은 정도의 위엄과 인간성을 가지고 있습니다. 그는 대리석으로 알려진 높은 부조에서 남성 누드를 즐겼습니다. 켄타우로스의 전투, Poliziano가 그에게 제안했습니다. 도나텔로에 대한 그의 빚은 대리석 조각상에서 볼 수 있습니다. 영 세인트 존 (S. Giovannino) 베를린의 날씬한 형태, 큰 손, 표현력 있는 머리.

그의 두 번째 작업 스타일(1496-1505)은 인체 해부학에 대한 더 큰 독창성과 지식을 보여주었습니다. 무겁게 펼쳐진 휘장에도 불구하고 그의 걸작은 피에타 (1500, 성 베드로 대성당)은 인간의 슬픔에 대한 강렬하고 개인적인 순간을 만듭니다. 카라라(Carrara) 대리석 한 블록으로 조각된 이 제품은 고전적 이상주의와 기독교 신앙, 해부학적 세부 사항에 대한 탁월한 눈을 결합합니다. 그리스도의 정맥은 팽창된 것처럼 보이기도 하여 그의 몸에 피가 얼마나 최근에 흘렀는지 강조합니다. 아이러니하게도 처음 대중에게 선보였을 때 당시 유명 조각가의 작품이라고 사람들이 듣고 마돈나의 가슴을 가로지르는 리본에 자신의 이름을 새겼습니다. 그의 창세기 프레스코화에서처럼 새로운 포즈를 발견하는 그의 기쁨은 큐핏 (1497). 그의 다음 걸작인 다비드상(1501-4, Galleria dell'Accademia)은 그의 극적인 감각을 보여주는데, 이는 지성이 어떤 거인의 육체적 힘보다 크다는 것을 암시하는 강력한 머리로 표현됩니다. 이 작품의 자신감 넘치는 평온함은 지암볼로냐의 불멸의 작품인 몸부림치는 움직임과 과장된 몸짓과 대조되어야 한다. 사비니 여인들의 강간 (1583, Loggia dei Lanzi, 피렌체).

그의 마지막 작업 스타일(1505�)은 모세 (1513-15) 로마 빈콜리의 S.Pietro에 있는 율리우스 2세의 무덤 - 율리우스 2세를 기리기 위해 성 베드로 대성당에 설치되었을 장엄한 기념물의 주요 생존 인물. 초기 디자인은 40개의 조각상을 포함하는 독립 구조로 구성되었으며 40년 동안 미켈란젤로의 마음에 있었지만(1505�) 상황이 개입하여 완료되지 않았습니다. Vincoli의 S. Pietro에 서 있는 것처럼 무덤은 원본의 일부일 뿐이며, 모세 그의 손으로만 조각되고 있다. 루브르 박물관의 두 노예 - 반항적인 노예 (1513-16) 및 죽어가는 노예 (1513-16) - 아마도 무덤을 위해 의도되었을 것입니다. 승리 (1532-4, Palazzo Vecchio, Florence).

피렌체(1524�)의 산 로렌초 교회에 있는 메디치 가문의 장례 무덤도 부분적으로만 완성되었습니다. 생각에 잠긴 태도 때문에 "Il Penseroso"라고 불리는 Lorenzo(1524-31)는 뛰어난 인물이며 Giuliano는 표현력이 거의 없습니다. 그러나 그의 천재성의 가장 전형적인 예는 Lorenzo와 Giuliano de Medici의 좌상 옆에 있는 네 명의 인물입니다. 그것들은 페리클레스 시대의 아테네인에 의해 조각되었다면 실제로 반쯤 누운 자세의 단순한 인체가 아닙니다. 에 대한 잊을 수 없는 표현주의적 해석이다. 그리고 , 새벽 그리고 황혼. 현대 조각가는 해부학적 정확성을 포기함으로써 동일한 문제를 해결할 것입니다. 미켈란젤로의 놀라운 업적은 해부학에 대한 심오한 지식을 바탕으로 이를 표현주의적 목적으로 전환한 것입니다. 그의 마지막 위대한 작품, 매장 피렌체 대성당의 그룹에는 그의 비범한 천재성 전체가 포함되어 있습니다. 즉, 가장 심오한 감정적 내용을 담는 그릇으로서의 인간 형상에 대한 그의 절대적인 명령입니다.

바치오 반디넬리 (1493-1560)는 위대한 사람보다 더 미켈란젤로를 닮고자 했습니다. 그의 첫 번째 동상, 성 제롬, 레오나르도 다빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 찬사를 받았고, 그의 두 번째 수은, Francis I에 의해 구입되었습니다. 그러나 그의 작품이 미켈란젤로의 작품에 비해 열등한 것은 그의 정적 쌍에서 분명히 나타납니다. 헤라클레스와 카쿠스 (1525-34) 동시대 사람들에게 크게 조롱을 받았던 베키오 궁전 앞.

반디넬리의 눈동자 바르톨로메오 아마나티 야코포 산사비노 밑에서 공부하기도 했던 (1511-1592) 파도바, 우르비노, 피렌체, 로마에서 수많은 작품을 남겼습니다. 그의 최고의 조각품, 해왕성 시뇨리아 광장(Piazza della Signoria)의 분수대는 유감스럽게도 생명이 없습니다. 피렌체 매너리즘 조각가 벤베누토 첼리니(Benvenuto Cellini, 1500-70)는 그것을 "한 악에서 탈출하려고 하다가 반디넬리에게서 탈출하려다가 손에 떨어졌기 때문에 열 배나 더 나쁜 또 다른 악에 빠지는 그에게 닥친 운명의 예"라고 묘사했습니다. 암마나티."

로마의 조각가 라파엘로 다 몬테루포 (1505-1566) 로레토에서 안드레아 산사비노와 함께 일했고, 나중에 메디치 예배당에서 미켈란젤로를 도왔습니다. 그의 조각은 미켈란젤로를 실망시켰지만 오르비에토에 있는 두 개의 제단은 끌로 그의 재능을 분명히 보여줍니다. 조각가 스님 몬토르솔리 (1507-1563) 미켈란젤로의 열렬한 추종자였으며 볼로냐, 제노바, 심지어 시칠리아까지 그의 스타일을 소개했습니다. 미켈란젤로의 방식을 과장하여 이탈리아 조각의 쇠퇴에 기여한 다른 예술가들은 다음과 같습니다. 자코모 델라 포르타 (d.1577) 및 프로스페로 클레멘티 (d.1584).

이탈리아 르네상스 조각은 세계 최고의 미술관과 조각 정원, 특히 바티칸 박물관(로마), 도리아 팜필리 미술관(로마), 피티 궁전(플로렌스), 루브르 박물관(파리), 빅토리아 & 알버트 박물관에서 볼 수 있습니다. (런던) 및 J 폴 게티 미술관(LA).


주요 아이디어 및 성과

  • 이전에 인기가 있었던 평면 및 2차원 아이콘 아트웍에서 벗어나 근본적으로 신선한 예술적 기법의 진화가 실제로 이루어졌습니다. 여기에는 수학과 건축에 대한 이해에서 파생된 일점 선형 원근법과 같은 혁신적인 방법의 도입이 포함되었습니다. 편도결석을 완화하다, 대기 효과, 단축, 자연주의 및 해부학적 세부 사항, 비율 및 사용을 만드는 얕은 조각의 새로운 스타일 키아로스쿠로 그리고 트롱프뢰유 환상적 현실을 만들기 위해.
  • 새로운 주제는 역사적으로 예술을 지배했던 전통적인 종교 이야기를 넘어 진화했습니다. 여기에는 전투 장면, 초상화 및 일반 사람들의 묘사가 포함되었습니다. 예술은 더 이상 신앙심을 고양시키는 수단이 아니라 역사적 인물과 동시대의 인물과 사건을 기록하는 수단이 되었습니다.
  • 초기 르네상스 예술가들은 인간과 세계, 우주, 신과의 관계가 더 이상 교회의 배타적인 영역이 아니라는 인본주의 철학의 영향을 많이 받았습니다. 그 결과 대상의 감성적 표현과 개성을 새롭게 강조한 작품이 탄생하여 관람객이 예술을 보다 친밀하게 경험할 수 있게 되었습니다.
  • 이 시기에 교회나 군주제와 별개로 예술 후원의 새로운 기준이 생겨났는데, 그 중 가장 주목할만한 것은 저명한 메디치 가문의 지원이었습니다. 예술가들은 전례 없는 방식으로 예술을 육성하고 예술가를 육성한 커뮤니티를 위해 역사적, 때로는 종교적 내러티브를 대담하고 새로운 방식으로 표현한 작품을 제작할 것을 갑자기 요구받았습니다.

백악관과 미 국회의사당 재건

1814년 8월 24일 영국군은 워싱턴 D.C.로 진군하여 백악관, 국회 의사당 및 기타 정부 건물에 불을 질렀습니다. 영국인이 도시를 떠난 후 정부는 원래 대통령 관저의 설계자인 James Hoban을 고용하여 저택과 행정부 건물의 재건을 감독했으며 Benjamin H. Latrobe는 의사당의 건축가로 돌아왔습니다. Hoban과 그의 선원들은 최초의 대통령 관저를 짓는 데 거의 10년이 걸렸습니다. 그들은 손상된 벽을 재건하고 정교하게 조각된 석재 장식품을 복원했습니다. 그러나 그들은 또한 몇 가지 변경 사항을 적용했습니다. Hoban은 작업을 빨리 끝내기 위해 벽돌 대신 목재 골조를 사용하여 내부 벽과 하부 구조를 재구성했습니다. 다음 세기 동안 백악관이 1902년과 1927년에 주요 구조 작업을 요구하면서 목재 골조가 악화되었습니다. 1948년에 Trumans는 백악관에서 이사를 하여 거터를 완료할 수 있었습니다. 3년 반 동안 건설 인부들은 장식용 인테리어를 재건하기 전에 새로운 콘크리트 기초 위에 강철 구조 보의 골격을 만들었습니다.

1818년 로버트 킹 주니어(Robert King Jr.)의 워싱턴 D.C. 지도는 복원될 백악관과 국회 의사당의 모습을 묘사했습니다. Hoban의 남쪽 현관은 1824년까지 완성되지 않았으며 지도는 Latrobe의 수정 없이 Thornton의 국회 의사당 설계를 재현했습니다.

스코치 마크

여러 차례의 보수 공사에도 불구하고 백악관에는 오늘날까지도 그을린 흔적이 남아 있습니다. 지미 카터 행정부부터 빌 클린턴 행정부에 이르기까지 백악관 외부가 대대적인 청소와 복원을 거치면서 발견됐다. 그들은 백악관 역사의 중요한 장을 공유하기 위해 폭로된 채로 남겨졌습니다. 전설에 따르면 백악관은 1814년 화재로 검게 변한 돌담을 덮기 위해 집이 흰색으로 칠해졌을 때 이름을 얻었습니다. 실제로 건물은 단순히 보호 수단으로 1798년에 석회 기반의 흰색 페인트로 처음 칠해졌습니다. 동결 및 폭렬로 인한 다공성 Aquia 돌. 이 집은 일찍부터 그 별명을 얻었고 1814년 이전에 하원 의원들의 서신에서 찾을 수 있습니다. 19세기의 공식 이름은 대통령 관저였지만 빅토리아 시대에는 공식 레터헤드에 "The Executive Mansion"이 사용되었습니다. 1901년에 오도어 루스벨트 대통령이 백악관을 공식 명칭으로 만들었습니다.

두 곳이 도색되지 않은 채 남아 있기 때문에 백악관에는 화재의 그을린 자국이 여전히 남아 있습니다.

백악관 컬렉션/백악관 역사 협회

1815년에 노동자와 장인들은 불에 탄 국회의사당 건물을 수리하기 시작했습니다. 그들은 창문과 문 주변의 어둡고 더러워진 돌을 깎아내고 교체했으며, 내부 벽의 연기 손상을 문지르고 잔해를 운반했습니다. Latrobe는 공공 건물의 커미셔너인 Samuel Lane과 디자인 고려 사항보다 속도를 중시한 James Monroe 사장의 감독 아래서 짜증이 났습니다. 1817년 11월, Latrobe는 상관들의 지속적인 간섭으로 사임했습니다. 워싱턴을 떠나기 전에 Latrobe는 오늘날 미국에서 가장 훌륭한 신고전주의 풍 공간으로 여겨지는 오래된 하원과 상원 회의소를 복원했습니다. 그는 또한 그의 후계자인 Charles Bulfinch가 완성한 중앙 원형 홀의 그림도 제작했습니다.


르네상스

르네상스는 사상, 교육, 문해력의 폭발이었다. 역사상 가장 위대한 예술 작품과 예술가들을 배출했습니다. 르네상스의 지도자들은 이탈리아의 독립된 도시 국가에서 태어 났으며 고대 그리스와 로마 문명에서 영감을 얻었습니다. 오늘날에도 로마, 피렌체 및 기타 많은 이탈리아 도시의 건물과 거리는 놀라운 르네상스 예술과 건축물로 가득 차 있습니다. 유명한 르네상스 그림이 전 세계의 박물관에 걸려 있습니다. "르네상스"라는 말은 문자 그대로 "중생"을 의미합니다. 사실 르네상스는 근대 세계를 탄생시켰습니다.

미켈란젤로의 로마 시스티나 예배당 천장에 있는 아담의 창조는 르네상스의 가장 유명한 작품 중 하나입니다. (위키피디아를 통한 이미지)

이탈리아 르네상스는 중세 시대의 삶에 대한 반응이었습니다. 중세 시대에는 글을 읽을 줄 아는 사람이 거의 없었습니다. 책은 드물었고 대부분은 일반 사람들이 사용하는 언어가 아닌 라틴어로 기록되었습니다.

르네상스는 이탈리아의 작가와 학자 그룹이 시작했을 때 시작되었습니다. 고전 로마와 그리스의 지식을 추구. 이 이탈리아인들은 고대 그리스와 로마(기원전 약 400년에서 서기 476년까지)를 문학, 철학, 예술 및 건축이 모두 번성했던 시기로 되돌아 보았습니다. 1300년대부터 이 새로운 작가와 학자 그룹은 스스로를 "인본주의자" 그리고 그들은 중세(자신들이 살고 있던 시대)를 "암흑기"라고 불렀습니다. 그들은 지식, 교육, 문화 및 혁신이 자신의 시대에 번성하지 않는다고 생각했습니다. 그들은 "빛"을 되찾기 위해 고대 로마와 그리스에서 쓰여진 책을 찾아 재발견하고 연구했습니다. 그들은 로마 제국의 몰락 이후 꺼졌다고 믿었던 지식인과 시민 생활의 불을 다시 밝히고 싶었습니다.

1509년경에 라파엘로가 그린 아테네 학파는 르네상스가 무엇을 의미했는지를 잘 보여줍니다. 인본주의자들은 고대 그리스와 로마를 문화적 진보와 예술적 성취의 시대로 되돌아보고 그 시대의 "빛"을 자신의 시대로 가져오고 싶었습니다. 행동의 중심에 고대 그리스 철학자 플라톤과 아리스토텔레스가 있는 아테네 학파는 읽고, 쓰고, 듣고, 토론하는 수많은 철학자들을 그립니다. 이것은 사회가 지식과 교육을 추구해야 하고, 오래된 아이디어와 새로운 아이디어가 모두 가치 있고 흥미진진하며, 공개 토론이 중요하다는 르네상스 인문주의자들의 몇 가지 핵심 신념을 보여줍니다. (위키피디아를 통한 이미지)

이 고대 그리스와 로마 책의 저자들은 대부분 죽은 지 1,000년이 넘었지만 그들의 글은 유럽 수도원의 도서관에 남아 있었습니다. 수세기 동안 승려들은 사본을 만들고 고대 텍스트의 모든 단어를 손으로 기록했습니다. 중세 시대에 이 책을 읽은 사람은 많지 않았지만 인문주의자들이 책을 찾으러 갔을 때 그곳에 있었습니다. 고대 그리스와 로마 작가들의 아이디어, 이야기, 아름다운 시에 영감을 받은 인본주의자들은 라틴어(그들이 연구한)와 사람들이 매일 사용하는 언어인 "토속어"로 새로운 문학 작품을 쓰기 시작했습니다.

아리스토텔레스의 물리학의 손으로 쓴 사본이 보존되어 중세에 다시 복사되었을 것입니다. 본문은 라틴어 번역으로 작성되었지만 두 번째 서기관은 여백에 그리스어 원문을 썼습니다. (위키미디어 커먼즈를 통한 이미지)

초기 인본주의자 중 한 사람은 Giovanni Boccaccio였습니다. 1348년, 선 페스트라고 불리는 끔찍한 질병이 보카치오의 고향인 이탈리아 피렌체를 강타했습니다. "흑사병"은 피렌체와 유럽을 휩쓸고 수천만 명의 사람들을 죽였습니다. 보카치오는 살아남았고, 실제 역병은 그의 가장 유명한 책의 배경이 되었습니다. 데카메론. 그것에서 Boccaccio는 전염병에 대한 현실적인 설명과 도시를 떠나 2주 동안 이야기를 나누며 시간을 보내는 7명의 여성과 3명의 남성에 대한 허구의 이야기를 씁니다. 등장인물이 전하는 100가지 이야기는 큰 인기를 끌었습니다. 그 인기의 한 가지 이유는 라틴어가 아닌 이탈리아어로 작성되어 더 많은 사람들이 읽을 수 있었기 때문입니다. 그럼에도 불구하고 새 책은 여전히 ​​손으로 생산해야 했으며 서기관은 모든 줄을 작성해야 했습니다. 그것은 생산할 수 있는 책의 수를 강하게 제한했습니다. 그러나 르네상스가 진행됨에 따라 모든 것이 바뀌려고 했습니다.

1450년경 독일에서 금세공인으로 일하던 요하네스 구텐베르크라는 사람이 기존의 발명품을 결합하여 역사의 흐름을 바꿀 새로운 발명품으로 만들었습니다. 구텐베르그는 금속에 대한 자신의 지식을 사용하여 "가동 활자"(이미 중국에서 발명된 것)를 완성했습니다. 움직일 수 있는 활자는 글자와 구두점의 작은 틀입니다. 랙에 어떤 조합으로든 배열한 다음 인쇄용으로 잉크를 칠할 수 있습니다. 1450년경 구텐베르크는 올리브에서 기름을 짜거나 포도에서 주스를 짜는 데 사용되는 것과 같은 단순한 기계식 프레스와 가동자를 결합했습니다. 기계적 인쇄 누르다. 두세 대의 프린터가 함께 작업하면 하루에 3,600페이지 이상을 생산할 수 있습니다. 이는 서기관이 손으로 복사할 수 있는 몇 페이지보다 훨씬 많은 양입니다.

새로운 인쇄기로 제작된 첫 번째 책은 구텐베르크 성경이었고, 그것은 센세이션을 일으켰습니다. 모든 사람들이 사본을 원했습니다. 몇 년 안에 유럽 전역에 수백 개의 인쇄소가 생겼고 이탈리아는 세계 인쇄의 수도였습니다. 갑자기 책처럼 데카메론 수천 부에서 사용 가능했습니다. 책의 폭발과 함께 문맹 퇴치와 교육의 폭발이 일어났습니다. 점점 더 많은 사람들이 읽는 법을 배우고 더 많은 책이 쓰여지고 있었습니다. 초기 인본주의자들이 꿈꾸던 '빛'은 점점 더 빛나고 있었다.

셀카의 르네상스 버전, 이것은 초기 인쇄소의 인쇄물입니다. 1568년의 이 그림은 Gutenberg 스타일의 인쇄기에서 함께 작동하는 두 대의 프린터를 보여줍니다. 오른쪽의 프린터는 다음 인쇄용 잉크를 사용하고 왼쪽의 프린터는 새로 인쇄된 용지를 제거하고 있습니다. 백그라운드에서 컴포지터는 양식에 새 페이지 유형을 설정하고 있습니다. (위키피디아를 통한 이미지)

아마 생각하지 못한 부분일 것입니다. 하지만 지금 읽고 있는 단어는 "서체"로 쓰여 있습니다. 글자는 특정 스타일로 만들어지며 서체는 읽기 쉽기를 바랍니다. 오늘날에는 수만 개의 서체가 존재하지만 모두 르네상스 초기 활자에서 비롯된 발명품입니다. (위키피디아를 통한 이미지)

인본주의자들은 고대 그리스와 로마의 저술을 재발견하고 연구하는 것 외에도 고고학적 유적지를 발굴하여 예술품을 찾고 고대 로마에 대해 배웁니다. 건축학. (이것은 그들이 한때 로마 제국의 심장이었던 바로 그 도시에 살고 있었기 때문에 놀라울 정도로 쉬웠습니다.) 곧 화가와 건축가는 "고전적인" 스타일을 되살리고 있었습니다. 수도가 있는 기둥, 꼭대기에 쐐기돌이 있는 둥근 아치, 큰 돔과 같은 고대 로마 건축의 인기 있는 특징은 새 건물에 사용되었습니다. 중세 시대의 허름한 도시 풍경과 달리 르네상스 건물은 대칭으로 건설되었으며 한쪽이 다른 쪽과 동일하게 보입니다.

이탈리아 베니스에 있는 이 교회와 스쿠올라는 전염병 희생자들의 수호성인인 산 로코의 이름을 따서 지어졌습니다. 왼쪽의 스쿠올라(scuola)는 1485년에 지어졌습니다. 둥근 아치, 세로 홈이 있는 기둥, 삼각형 페디먼트는 르네상스 건축의 전형입니다. (냄새 Zsolt/Shutterstock)

세계에서 가장 큰 교회 중 하나인 로마의 성 베드로 대성당은 짓는 데 100년 이상이 걸렸습니다. 기둥, 둥근 아치 및 깊은 대칭이 있는 내부는 르네상스 디자인에 대한 로마 건축의 영향을 보여줍니다. (WDG 사진/Shutterstock)

피렌체에서는 1418년에 르네상스 건축가 필리포 브루넬레스키(Filippo Brunelleschi)를 고용하여 도시 대성당 꼭대기에 거대한 돔을 지었습니다. 고대 로마 이후로 아무도 그렇게 큰 돔을 지은 사람은 없었지만, 브루넬레스키는 고대 로마 판테온의 돔이 어떻게 건설되었는지 연구했으며 자신만의 새로운 아이디어도 있었습니다. Brunelleschi의 주요 발명품 중 하나는 돌, 나무, 철로 만든 원형 고리와 수직 늑골의 지지 구조를 만드는 것이었습니다. 그런 다음 석공이 돔의 벽을 형성하기 위해 벽돌을 쌓기 시작했을 때 Brunelleschi는 벽돌을 헤링본 패턴으로 깔도록 했습니다. 그 패턴을 사용하여 벽돌의 무게를 나무 지지대로 옮겼습니다. 공사중 일 두오모, 피렌체의 많은 주민들은 돔이 무너질 것을 두려워했습니다. 그러나 그렇지 않았습니다. 그리고 오늘날까지 브루넬레스키의 돔은 세계에서 가장 큰 석조 돔으로 남아 있습니다.

서기 126년에 지어진(지금도 서 있는) 로마의 판테온은 로마의 모든 신들을 위한 신전이었습니다. 거대한 콘크리트 돔이 꼭대기에 있으며 르네상스 건축가에게 영감을주었습니다. (Goran Bogicevic/Shutterstock)

한쪽 끝에는 종탑이 있고 다른 한쪽에는 돔이 있는 피렌체 대성당(이탈리아어로 Il Duomo di Firenze)은 중세와 르네상스 건축이 혼합되어 있습니다. 르네상스 건축가 Filippo Brunelleschi가 디자인한 돔은 지름이 거의 150피트이고 무게가 7백만 파운드가 넘습니다. 그것은 건축과 공학의 걸작으로 간주됩니다. (발론치치/셔터스톡)

피렌체 대성당의 돔 내부에서 르네상스 예술가 Giorgio Vasari, Federico Zuccari 및 조수 팀이 최후의 심판의 이 거대한 프레스코를 만들었습니다. 최후의 심판은 르네상스 교회를 장식하는 예술가들의 공통된 주제였다. 이 작품은 천사들이 선과 악을 구분하는 모습을 보여줍니다. 르네상스 최고의 예술품 중 하나로 간주되지는 않지만 축구장 8개 정도의 크기로 가장 큰 것 중 하나입니다. (사모트/셔터스톡)

피렌체 르네상스의 요람이었고 1400년대에는 새로운 아이디어가 빛날 완벽한 장소였습니다. 왕이나 공작부인이 다스리는 대신에, 도시의 무역 길드원들이 다스리는 독립된 도시 국가였다. 변호사, 목수, 빵 굽는 사람, 의사, 가죽 노동자, 은행가, 옷감 제작자 등을 위한 길드가 있었습니다. 길드의 투표로 도시의 지도자가 선출되었지만 한 가족이 정치 현장을 지배하게 되었습니다. 메디시스. 메디치 가족은 은행에서 돈을 벌었습니다. 1400년대와 1500년대의 일부를 통해 그들은 피렌체 시를 이끌고 재정 지원을 뒤로 미뤘습니다. 인본주의 예술 및 건축 프로젝트.

인본주의 예술은 르네상스의 가장 지속적인 특징 중 하나입니다. 중세 시대에 예술 작품은 거의 항상 종교적이었습니다. 그리고 르네상스 시대에 교회와 예배당을 위해 만들어진 많은 종교 예술품이 여전히 있었습니다. 그러나 르네상스 예술가들은 그리스와 로마 신화에서 영감을 받은 주제와 실제 인물의 초상화를 그리기 시작했습니다.

르네상스의 가장 잘 알려진 그림 중 하나인 비너스의 탄생에서 산드로 보티첼리는 로마의 사랑의 여신을 묘사합니다. Venus를 최대한 숭고하게 만들기 위해 Botticelli는 Venus의 머리카락에 진짜 금 조각을 추가했습니다. 이 그림은 1486년에 강력한 메디치 가문의 의뢰를 받았습니다. 대부분의 르네상스 화가와 마찬가지로 보티첼리는 부유한 후원자로부터 받은 의뢰로 생활했습니다. (위키미디어 커먼즈를 통한 이미지)

메디치 가문은 200년 이상 지속된 정치 왕조로, 피렌체 공화국의 지도자 9명, 가톨릭 교회의 교황 4명, 피렌체와 투스카니의 수많은 공작을 배출했습니다. Ferdinando de'Medici의 젊음의 초상화는 Agnolo Bronzino가 약 1560년에 그린 것입니다. 그의 경력의 대부분을 메디치 가문의 궁정 화가인 Bronzino는 부유한 후원자의 의상을 묘사하는 데 세심한 주의를 기울인 것으로 유명합니다. 이 그림에서 페르디난도의 의상은 마치 새틴과 벨벳의 질감을 느낄 수 있는 것처럼 거의 입체적으로 보입니다. 나중에 페르디난도는 투스카니 대공이 되었습니다. (위키미디어 커먼즈를 통한 이미지)

인본주의 작가들이 일반 사람들이 사용하는 언어를 사용하기를 원했던 것처럼 르네상스 예술가들은 세상과 그 사람들을 있는 그대로 보여주고 싶었습니다. 오래된 중세 유럽 그림(대부분 기독교 테마)에서 주제와 인물은 양식화되고 종종 뻣뻣합니다. 르네상스 예술가들은 실재론 그들의 일의.

다음은 스타일의 변화를 명확하게 볼 수 있는 한 유형의 그림입니다. 중세와 르네상스 시대 모두 종교화의 공통 주제는 마리아와 아기 예수였습니다. 중세 그림에서 마리아, 예수 및 다양한 성인들은 종종 금 후광으로 칠해져 그들이 신성하다는 것을 나타냅니다. 르네상스 시대에는 인간다움을 강조하기 위해 동일한 종교적 주제를 그렸습니다.

예수와 수도원의 수도원장을 그린 이 초기 중세 그림은 6세기 또는 7세기의 것입니다. 이 아름다운 작품의 작가는 알려져 있지 않습니다. 예수와 대수도원장의 모습이 마치 만화책의 그림처럼 양식화된 방식에 주목하십시오. (위키피디아를 통한 이미지)

이탈리아 시에나 대성당에서 1308년에 그린 이 중세 후기 그림에서 예술가(Duccio di Buoninsegna)는 성인, 천사, 사도들로 둘러싸인 왕좌에 앉아 있는 마리아와 아기 예수를 묘사합니다. 아직 중세 스타일이지만 주제를 보다 사실적으로 묘사하는 방향으로 나아가고 있습니다. (위키피디아를 통한 이미지)

성모 마리아와 아기 예수는 1512년 라파엘로가 그린 이 르네상스 걸작인 시스티나 마돈나에 다시 묘사되어 있습니다. 이 작품은 이탈리아 피안첸차에 있는 산 시스토 수도원을 위해 교황 율리우스 2세에 의해 의뢰되었습니다. 비록 그들이 다른 세상의 천사들 사이에서 구름 속에 나타나지만(안개 속에서 엿보는 얼굴을 자세히 살펴보세요), 라파엘로의 마리아와 예수는 중세 묘사에서보다 훨씬 더 실물처럼 보입니다. (위키피디아를 통한 이미지)

두 명의 작은 천사? 시스티나 마돈나의 이 작은 부분에서 지루해 보이는 두 천사가 장로들이 하고 있는 일을 마칠 때까지 기다립니다. (위키피디아를 통한 이미지)

르네상스 예술가들은 어떻게 그들의 작품을 보다 사실적으로 보이게 만들었을까? 한 가지 큰 발전은 선형 원근법. 선형 원근법을 사용하여 화가는 깊이와 거리감을 만들 수 있습니다. 평면적으로 보이는 대신 그들의 그림은 마치 3D처럼 보였습니다. 일부 예술가들은 원근법을 사용하여 사람들이 보고 있는 것이 실제라고 생각하도록 속이는 착시 현상을 만들 수 있을 정도로 그것에 능숙했습니다.

선형 원근법을 이해하려면 철로 위에 서서 멀리 선로를 내려다보고 있다고 상상해 보십시오. 트랙이 멀수록 좁아지고 작아 보입니다. 마침내, 당신은 더 이상 볼 수 없으며 트랙은 땅이 하늘과 만나는 수평선으로 사라집니다. 그림에서 트랙이 실제처럼 보이도록 하려면 수평선, 소실점 및 소실점에 수렴하는 가시 광선(직교선이라고 함)(철도 선로의 선처럼)을 만들어야 합니다. 원근감을 완성하기 위해 예술가들은 "단축법"이라는 기술도 사용했습니다. 이 기법은 멀리 떨어져 있어야 하는 대상이 멀어질수록 작아지고 작게 그려집니다.

Pietro Perugino는 1481년경에 로마의 Sistine Chapel에서 이 프레스코를 그렸습니다. The Delivery of the Keys라고 불리는 이 벽화는 성 베드로에게 천국의 열쇠를 주시는 그리스도를 보여줍니다. 광장의 포석 가장자리가 직교선이 되고 사원 출입구 근처의 소실점으로 좁아지는 선형 원근법의 강력한 예입니다. 배경의 여러 지점에서 인물의 축소를 주목하십시오. (위키피디아를 통한 이미지)

인간의 모습을 사실적으로 묘사하는 것은 르네상스 예술가들의 목표 중 하나였습니다. 동시에 르네상스 과학자들은 인체 해부학에 대해 더 많이 배우고 싶었습니다. 이러한 공유된 관심은 예술가와 의사 간의 중요한 협력으로 이어졌습니다. 사실, 르네상스의 가장 유명한 두 예술가인 레오나르도 다빈치와 미켈란젤로가 의사들과 협력하여 시체에 대한 부검을 수행하여 근육과 신체 시스템이 어떻게 기능하고 인간의 피부 아래에 무엇이 있는지를 알 수 있었습니다. 그 대가로 예술가들은 정확한 작품을 만드는 방법을 시연했습니다. 해부학 그림 부검에서 배운 것을 보존하고 출판하고 공유할 수 있도록.

르네상스의 가장 중요한 과학 서적 중 하나는 인체 해부학의 구조에 관한 것입니다. 1543년에 출판된 이 작품은 의사 안드레아스 비살리우스(Andreas Visalius)의 7권 작품으로 르네상스 시대의 위대한 화가 티치아노(Titian)의 제자 중 한 명이 삽화를 그렸습니다. On Fabric of Human Anatomy의 주요 목적은 인간의 뼈, 근육 및 장기에 대한 정확한 그림을 제공하는 것이지만 이상한 위치에 설정된 해부학적 그림으로 가득 차 있습니다. 이 해골은 알프스에서 하이킹을 하고 있는 것 같습니다. (위키피디아를 통한 이미지)

Da Vinci는 인체 드로잉으로 여러 스케치북을 채우고 여러 각도에서 해부 세부 문서화를 개척하여 다른 어떤 예술가보다 해부학 연구를 더 많이 수행했습니다. (위키피디아를 통한 이미지)

미켈란젤로, 대부분의 르네상스 예술가와 마찬가지로 인간의 형태에 매료되었습니다. 그의 가장 유명한 작품 중 하나는 데이비드. 성경 이야기 “다윗과 골리앗”에 나오는 거인을 죽인 17피트 높이의 어린 양치기 동상, 데이비드 거대한 흰색 대리석 블록으로 그의 생일 정장을 조각했습니다. 오버사이즈 형태의 데이비드 마치 조각품의 오른손의 불룩한 정맥과 오른쪽 다리 근육의 긴장까지 사실적이고 디테일합니다. 데이비드 움직이며 보이지 않는 거인에게 돌을 던질 준비를 하고 있습니다. 피렌체의 지도자들에 의해 의뢰되어 1504년에 완성된 데이비드 자이언트 킬러는 도시의 독립과 시민들의 자유의 상징이 되었습니다.

미켈란젤로는 다비드가 거인을 죽이기 직전의 순간을 묘사하기로 결정했습니다. David가 단호하고 용감하며 약간 두려웠음을 보여주기 위해(David는 이 시점에서 그가 거인을 성공적으로 물리칠지 몰랐을 것입니다), 대리석 이마는 걱정과 집중으로 꽉 조여져 있습니다. (위키피디아를 통한 이미지)

르네상스의 가장 위대한 예술가 중 한 명인 미켈란젤로는 끊임없이 수요가 있었고 많은 돈을 받았습니다. 그러나 그가 한 일은 단순히 창의적이기만 한 것이 아닙니다. 그것은 역경이었다. 교황이 로마에 있는 시스티나 성당의 천장을 그려달라고 요청했을 때, 미켈란젤로는 목을 뒤로 젖힌 채 비계 위에 하루 종일 서서 4년을 보냈고 얼굴에는 석고가 떨어졌습니다. 그 결과 르네상스의 가장 장엄한 작품 중 하나입니다. 성서에 나오는 장면의 그림은 거의 실제처럼 보이는 건축적 특징의 그림으로 구성되어 있습니다. 천사들은 서까래에 매달려 있는 것처럼 그려져 있으며 전체 천장이 다차원적으로 보입니다.

시스티나 예배당의 천장은 1512년 미켈란젤로에 의해 완성되었습니다. 영화나 사진이 나오기도 전인 그 시대에는 높은 곳에서 이러한 다차원적인 장면을 보는 것이 압도적이고 심지어는 초현실적이었을 것입니다. 먼 쪽 벽은 1541년에 완성된 미켈란젤로의 최후의 심판을 보여줍니다. 다른 벽을 따라 있는 프레스코화는 다양한 르네상스 예술가들이 그린 것입니다. (위키미디어 커먼즈를 통한 이미지)

미켈란젤로의 동료 예술가 중 한 명인 조르지오 바사리는 당신이 미켈란젤로의 작품을 본 후 이렇게 썼습니다. 데이비드, 다른 조각품을 볼 필요가 없었습니다. Vasari는 오늘날까지 세계에서 가장 유명한 그림 중 하나인 1506년경의 또 다른 르네상스 작품에 똑같이 감동했습니다. Leonardo da Vinci의 모나리자.

Vasari는 다음과 같이 썼다. 모나리자 너무 생생해서 그림을 오래 바라보면 "고동치는 맥박"이 보일 정도였습니다. 왜 그랬어 모나리자 그런 센세이션? 왜 Vasari는 그것이 다른 화가들을 “떨리게” 한다고 말했는가? 사진, 컴퓨터, 복사기 이전에 Leonardo da Vinci는 수백 년 동안 다른 화가들에게 영감을 주는 기술을 완성했습니다. 예를 들어 레오나르도가 과학적 연구에서 배운 자연광을 모방하기 위해 뚜렷한 윤곽선 대신 그림의 모든 것이 약간 "연기가 자욱"합니다. 의 얼굴 모나리자 투명 물감의 미세한 레이어링으로 인해 자연스럽게 빛나는 것 같습니다. Leonardo는 멀리 있는 물체를 단순히 축소하는 대신 물체가 멀어질수록 실제 생활에서 나타나는 것처럼 흐리게 만듭니다.

르네상스의 비밀을 알고 싶으십니까? Leonardo는 수년간 모나리자를 작업했지만 자신이 만족할 정도로 완성하지 못했습니다. (매년 파리의 루브르 박물관에서 모나리자를 보러 가는 700만 방문객에게 말하지 마세요.) (위키피디아를 통한 이미지)


Kennewick Man은 마침내 자신의 비밀을 공유할 수 있게 되었습니다.

1996년 여름, 워싱턴 주 케네윅에서 두 명의 대학생이 컬럼비아 강을 따라 얕은 물을 건너다가 인간의 두개골을 우연히 발견했습니다. 그들은 경찰을 불렀다. 경찰은 두개골에 어리둥절한 벤튼 카운티 검시관 플로이드 존슨을 데려왔고 그는 지역 고고학자 제임스 채터스에게 연락을 취했습니다. 잡담꾼과 검시관은 현장으로 돌아와 죽어가는 저녁 무렵 진흙과 모래에서 거의 전체 해골을 뽑아냈습니다. 그들은 뼈를 Chatters’ 연구소로 다시 가져와 테이블에 펼쳤습니다.

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두개골은 분명히 오래되었지만 아메리카 원주민처럼 보이지 않았습니다. 처음에 Chatters는 그것이 초기 개척자나 사냥꾼의 것이라고 생각했습니다. 그러나 치아는 충치가 없었고(당과 전분이 낮은 식단을 나타냄) 선사 시대 치아의 조합 특성인 뿌리까지 마모되었습니다. 그런 다음 Chatters는 엉덩이뼈에 내장된 무언가에 주목했습니다. 그것은 유적이 선사 시대의 것임을 확실하게 보여주는 돌 창으로 판명되었습니다. 그는 탄소 연대 측정을 위해 뼈 샘플을 보냈습니다. 결과: 9,000년이 넘었습니다.

이렇게 해서 아메리카 대륙에서 발견된 가장 오래된 해골 중 하나이자 발견된 순간부터 깊은 매혹의 대상이 된 Kennewick Man의 이야기가 시작되었습니다. 그것은 또한 대륙에서 가장 논쟁의 여지가있는 유적 세트 중 하나입니다. 그러나 20년이 지난 지금, 스미소니언 연구소의 물리 인류학자인 Douglas Owsley가 공동 편집한 다음 달 대망의 기념비적인 과학 출판물 덕분에 얼룩덜룩한 옅은 갈색 뼈가 마침내 선명한 초점을 맞기 시작했습니다. . 최소 48명의 저자와 17명의 연구원, 사진가 및 편집자가 680페이지 에 기여했습니다.Kennewick Man: 고대 미국 해골의 과학적 조사 (Texas A&M University Press), 지금까지 수행된 고생-아메리칸 해골에 대한 가장 완벽한 분석입니다.

Kennewick Man: 고대 미국 해골에 대한 과학적 조사(미국 간행물)

Kennewick Man: Amazon.com의 고대 미국 해골에 대한 과학적 조사(미국 간행물) [Douglas W. Owsley, Richard L. Jantz]. *무료* 적격 제안에 대한 배송. 거의 1996년 7월 워싱턴 주 컬럼비아 강 유역을 따라 우연히 발견된 날부터

이 책은 발견의 역사를 자세히 설명하고 뼈에 대한 완전한 목록을 제시하며 뼈가 드러낼 수 있는 모든 각도를 탐구합니다. 세 개의 장은 치아에만 할애되고 다른 하나는 조류가 남긴 것으로 생각되는 녹색 얼룩에 할애됩니다. 이 발견은 함께 이 신비한 남자의 삶을 조명하고 아메리카 대륙의 사람들에 대한 놀랍고 새로운 이론을 뒷받침합니다. 법적 스릴러에 합당한 공황 상태의 막판 기동이 없었다면 유해는 묻혔을 것이고 과학에 영원히 사라졌을 것입니다.

돌출된 얼굴과 코 구조(두개골 주물)는 폴리네시아인들 사이에서 볼 수 있습니다. (그랜트 델린)

Kennewick Man은 먼 내륙에 묻혔지만 해양 생물을 먹고 빙하가 녹은 물을 마셨습니다. 그의 마모된 이빨 중 하나만 분석하면 그의 어린 시절 집을 찾아낼 수 있습니다. (칩 클락 / NMNH, SI) "나는 수천 개의 해골을 보았다"고 Douglas Owsley는 말합니다. “그들은 사람이었고, 그들을 걱정하는 사람들이 있었습니다.”(그랜트 델린) 사망하기 약 20년 전에 Kennewick Man은 뼈에 박힌 채로 남아 있는 엉덩이를 창으로 찔렀습니다. (그랜트 델린) 사망하기 약 20년 전에 Kennewick Man은 뼈에 박힌 채로 남아 있는 엉덩이를 창으로 찔렀습니다. (칩 클락 / NMNH, SI) 다른 부상으로는 아마도 바위 던지기로 인한 두개골 골절, 완전히 치유되지 않은 부러진 갈비뼈가 있습니다. (칩 클락 / NMNH, SI) 다른 부상으로는 아마도 바위 던지기로 인한 두개골 골절, 완전히 치유되지 않은 부러진 갈비뼈가 있습니다. (그랜트 델린) 침식되기 전에 Kennewick Man은 머리를 상류로 향하게 하여 누워 있습니다. 과학자들은 그의 위치(오른쪽, 발견 지점에 있지만 은행 깊숙한 곳)에서 그의 시신이 의도적으로 묻혔다는 결론을 내렸습니다. (사진: Thomas W. Stafford / 삽화 from Douglas Owsley / NMNH, SI) 2009년 9월 30일 Kennewick Man의 안면 재구성을 수행하는 텍사스 베이 시티의 조각가 Amanda Danning ( Donald E. Hurlbert / NMNH, SI) Kennewick Man’의 뼈는 NMNH’s Kari Bruwelheide에 의해 해부학적 위치에 배열되어 있습니다. 이것은 Kennewick 골격으로 허용된 드문 과학 연구 세션 중 하나에서 촬영되었습니다. (칩 클락 / NMNH, SI) 워싱턴 주 시애틀의 버크 박물관에서 열린 세 번째 과학 연구 세션과 워싱턴 D.C.의 자연사 박물관에서 광석판 주조 두개골과 지점의 후속 스튜디오 촬영 중에 찍은 하악 조각(Chip Clark / NMNH, SI) 갈비뼈 조각(Chip Clark / NMNH, SI) Kennewick 남자를 묘사한 흉상. (그랜트 델린) Kennewick 남자를 묘사한 흉상. (그랜트 델린) 2014년 5월 29일 NMNH의 사무실 작업 공간에 있는 Dr. Douglas Owsley. 그가 검사하는 다양한 사례가 작업 공간에 펼쳐져 있습니다. (그랜트 델린) (칩 클락 / NMNH, SI) 끝 부분의 세부 사항을 보여주는 늑골 조각. (칩 클락 / NMNH, SI) 케네윅 맨 골반. (칩 클락 / NMNH, SI) Kennewick Man’의 뼈는 NMNH’s Kari Bruwelheide에 의해 해부학적 위치에 배열되어 있습니다. (칩 클락 / NMNH, SI)

뼈가 발견된 땅을 관리했던 육군 공병대가 방사성 탄소 연대 측정을 알게 되면서 논란의 폭풍이 터졌습니다. 군단은 즉시 당국 관계자들이 취급 및 접근과 관련된 모든 결정을 내릴 것이라고 주장하고 모든 과학적 연구를 중단할 것을 요구했습니다. 플로이드 존슨은 카운티 검시관으로서 자신에게 법적 관할권이 있다고 생각한다고 항의했습니다. 분쟁이 확대되었고 뼈는 해결될 때까지 보안관 사무실의 증거 보관함에 봉인되었습니다.

“그때 Chatters는 최근 인터뷰에서 나에게 회상했다. “나는 문제가 오고 있다는 것을 알았다.” 그때 그는 국립 자연사 박물관의 큐레이터이자 전설적인 물리적 인류학자 커뮤니티. 그는 그의 오랜 경력 동안 10,000점 이상의 인간 유해를 조사했습니다. 그는 CIA, FBI, 국무부 및 다양한 경찰서에서 사람의 유해를 식별하는 데 도움을 주었고 크로아티아와 다른 지역의 공동 묘지에서 일했습니다. 그는 텍사스 주 와코에 있는 브랜치 데이비안(Branch Davidian) 건물에서 분해되고 불에 탄 시신을 재조립하고 식별하는 것을 도왔습니다. 나중에 그는 9/11 테러 공격의 펜타곤 희생자들에게도 똑같은 일을 했습니다. Owsley는 또한 고대 미국 유물의 전문가입니다.

북미에 잘 보존된 고대 해골의 수를 손가락으로 셀 수 있을 것입니다. 그는 Chatters에게서 처음 들었을 때의 흥분을 기억하며 말했습니다. Owsley와 Dennis Stanford는 당시 Smithsonian’s 인류학과 회장이었고 뼈를 연구하기 위해 팀을 구성하기로 결정했습니다. 그러나 군단 변호사들은 연방법이 사실상 유골에 대한 관할권을 부여했음을 보여주었습니다. 그래서 군단은 뼈를 압수하여 실험실을 운영하는 조직을 종종 Battelle이라고 부르는 에너지부의 태평양 북서부 국립 연구소에 가두었습니다.

케네윅의 지도(제이미 사이먼)

동시에 컬럼비아 강 유역 인디언 부족과 무리의 연합은 NAGPRA(Native American Graves Protection and Repatriation Act)로 알려진 1990년 법률에 따라 해골을 주장했습니다. 부족들은 매장을 위해 뼈를 요구했습니다. “과학자들은 수십 년 동안 아메리카 원주민을 파헤치고 연구해 왔습니다.” 우마틸라 부족의 대변인인 Armand Minthorn은 1996년에 이렇게 썼습니다. “우리는 이 관행을 신체 모독이자 우리의 가장 뿌리 깊은 종교적 신념.” 부족은 이 유적이 부족의 직계 조상의 것이라고 말했습니다. 구전 역사에서 우리는 우리 민족이 태초부터 이 땅의 일부였음을 압니다. 우리는 우리 민족이 과학자들처럼 다른 대륙에서 이곳으로 이주했다고 믿지 않습니다.” 연합군은 군단이 해골을 그들에게 넘기는 즉시 절대 있을 수 없는 비밀 장소에 묻겠다고 발표했습니다. 과학에 사용할 수 있습니다. 군단은 한 달 간의 공개 논평 기간 후에 부족 연합이 뼈를 받을 것임을 분명히 했습니다.

부족들이 민감한 데에는 그럴만한 이유가 있었습니다. 아메리카 원주민 유적 박물관 수집의 초기 역사는 공포 이야기로 가득합니다. 19세기에 인류학자와 수집가들은 신선한 아메리카 원주민 무덤과 매장 플랫폼을 약탈하고 시체를 파헤쳤으며 심지어 전장에 누워 있는 죽은 인디언의 목을 베어 연구를 위해 머리를 워싱턴으로 보냈습니다. NAGPRA까지 박물관은 원주민의 감정과 종교적 신념을 고려하지 않고 획득한 아메리칸 인디언의 유물로 가득 차 있었습니다. NAGPRA는 이 역사를 바로잡고 부족이 조상 및 일부 유물을 회수할 수 있도록 하기 위해 통과되었습니다. 아메리칸 인디언 법의 국립 박물관(National Museum of American Indian Act)에 따라 스미소니언(Smithsonian)과 NAGPRA에 의거한 다른 박물관은 수천 개의 유적을 부족에게 반환했습니다(그리고 계속 반환하고 있습니다). 이것은 Smithsonian’s 컬렉션에서 유해를 송환하는 데 중요한 역할을 한 Owsley를 포함한 인류학자와 고고학자의 결정적인 도움으로 이루어지고 있습니다. 그러나 Kennewick의 경우 Owsley는 기존 부족과의 관계에 대한 증거가 없다고 주장했습니다. 골격은 아메리카 원주민의 특징적인 신체적 특징이 부족했습니다.

육군 엔지니어들이 Kennewick Man을 부족들에게 돌려주겠다고 발표한 후 몇 주 만에 Owsley는 일을 시작했습니다. 내가 전화했고 다른 사람들이 군단에 전화했습니다. 그들은 전화를 받지 않을 것입니다. 나는 우리 비용으로 그것을 연구하기 위해 해골에 대한 관심을 계속 표명했습니다. 우리에게 필요한 것은 오후 시간이었습니다.” 의회 의원을 포함한 다른 사람들은 유해가 매장되기 전에 잠시라도 연구되어야 한다고 말하면서 군단에 연락했습니다. 이것이 NAGPRA가 실제로 요구한 것이었습니다. 유적 가졌다 소속 여부를 결정하기 위해 연구 중입니다. 뼈가 현재의 부족과 관련이 없는 것으로 밝혀지면 NAGPRA가 적용되지 않습니다.

그러나 군단은 결심했다고 밝혔다. Owley는 동료들에게 전화를 걸기 시작했습니다. "나는 그들이 이것을 다시 묻을 것이라고 생각합니다."라고 그는 말했습니다. 없어졌어."

그의 가장 가까운 친척 중 하나로 여겨지는 일본의 아이누 사람들의 사진은 Kennewick Man’s 재건에 영감을 주었습니다. (국립 인류학 기록 보관소) 가장 가까운 친척으로 여겨지는 일본의 아이누 사람들의 사진은 Kennewick Man’의 재건에 영감을 주었습니다. (국립 인류학 기록 보관소) 그의 가장 가까운 친척 중 하나로 여겨지는 일본의 아이누 사람들의 사진은 Kennewick Man’s 재건에 영감을 주었습니다. (조지 모나탕돈 박사 / Au Pays des Ainou ) 근육과 조직을 조각한 후 주름을 추가하면 눈이 노화됩니다. (도널드 E. 헐버트 / NMNH, SI)

그래서 Owsley와 그의 동료 몇 명이 변호사인 Alan Schneider를 찾았습니다. 슈나이더는 군단에 연락했지만 거절당했습니다. Owsley는 소송을 제기하고 금지 명령을 받을 것을 제안했습니다. 슈나이더는 그에게 이렇게 경고했습니다. “정부에 소송을 제기하려면 장기적으로 소송을 제기하는 것이 좋습니다.”

Owsley는 주요 대학 및 박물관에 연결된 8명의 원고, 저명한 물리 인류학자 및 고고학자로 구성된 그룹을 구성했습니다. 그러나 어떤 기관도 이 소송과 관련이 있는 것을 원하지 않았으며, 이는 부정적인 관심을 끌고 막대한 비용이 소요될 것이라고 약속했습니다. 그들은 개인 시민으로서 소송을 제기해야 할 것입니다.“이들은 사람들이었습니다” Schneider는 나중에 나에게 말했습니다. “그들은 경력을 파괴하려는 노력이 이루어질 수 있음을 알고 더위를 견딜 만큼 충분히 강해야 했습니다. 그리고 노력을 기울였습니다.”

Owsley가 그의 아내 Susan에게 그가 미국 정부를 고소할 것이라고 말했을 때 그녀의 첫 번째 반응은 "우리가 집을 잃을 겁니까?"였습니다. 그는 자신이 모른다고 말했습니다. Owsley는 최근 인터뷰에서 이렇게 말했습니다. “이것은 일생에 한 번 오는 극히 드물고 중요한 발견 중 하나입니다. 우리가 그것을 잃어버리면 그는 멈췄다. “상상할 수 없는 일.”

미친 듯이 일하면서 Schneider와 소송 파트너인 Paula Barran은 소송을 제기했습니다. 말 그대로 몇 시간이 남지 않은 상황에서 판사는 사건이 해결될 때까지 군단에 뼈를 보관하라고 명령했습니다.

8명의 과학자들이 정부를 고소했다는 소식이 전해지자 동료들 사이에서도 비판이 쏟아졌다. 미국 고고학 협회의 회장은 소송을 취하시키려고 했습니다. 일부는 그것이 아메리카 원주민 부족과 맺은 관계를 방해할 것이라고 생각했습니다. 그러나 가장 큰 위협은 법무부 자체에서 왔다. 그 변호사는 스미소니언 협회에 연락하여 Owsley와 Stanford가 미국 직원이 정부를 상대로 소송을 제기하는 것을 금지하는 형사 이해 상충 법령을 위반할 수 있다고 경고했습니다.

“나는 철학을 갖고 있고” Owsley는 “그들이 그것을 좋아하지 않는다면 미안합니다: 나는 내가 믿는 것을 할 것입니다.” 그는 높은 곳에서 씨름했습니다. 학교에서 자주 졌지만 절대 포기하지 않았기 때문에 “Scrapper”라는 별명을 얻었습니다. 수염과 멜빵을 기른 허스키한 남자인 Stanford는 뉴멕시코에서 로프를 타고 로데오를 타고 알팔파 재배로 대학원에 진학했습니다. 그들은 밀어붙이는 것이 아니었습니다. “법무부가 우리를 정말, 정말 세게 압박했습니다.” Owsley는 회상했습니다. 그러나 두 인류학자 모두 철회를 거부했고 당시 국립자연사박물관 관장인 로버트 W. 프라이는 스미스소니언의 법률 고문의 반대에도 불구하고 그들을 강력히 지지했다. 법무부는 물러섰다.

Owsley와 그의 그룹은 결국 군단뿐만 아니라 육군부, 내무부 및 다수의 개별 정부 관리를 상대로 소송을 제기해야 했습니다. 적은 급여를 받는 과학자들은 천문학적인 법적 비용을 감당할 수 없었습니다. Schneider와 Barran은 언젠가는 비용을 회수할 수 있을 것이라는 희미한 희망으로 무료로 일하기로 동의했습니다. 그렇게 하기 위해서는 소송에서 승리하고 정부가 거의 불가능한 장애물을 악용했다는 것을 입증해야 합니다. 소송은 수년간 계속되었다. Owsley는 이렇게 말합니다. 슈나이더는 한 때 사건에 직접 관여하거나 문서를 참조한 93명의 정부 변호사를 세었다고 말했습니다.

한편, 처음에는 Battelle에서, 나중에는 시애틀에 있는 University of Washington의 Burke 자연사 문화 박물관에서 군단이 위탁하고 있던 해골은 잘못 취급되어 안전하지 않은 표준 이하의 환경에서 보관되었습니다. ” 과학자들에 따르면. 버크 박물관에서 뼈가 보관되고 있던(그리고 보관 중인) 기록에 따르면 온도와 습도가 크게 변화하여 표본이 손상되었다고 과학자들은 말합니다. 언제 스미스소니언 과학자들의 우려에 대해 물었을 때, 군단은 환경이 불안정하다고 주장하며 전문 보존가와 박물관 관계자는 “계절에 따라 점진적인 변화가 예상되며 컬렉션에 부정적인 영향을 미치지 않는다고 말합니다.”

Battelle로 옮기는 과정에서 양쪽 대퇴골의 상당 부분이 사라졌습니다. FBI는 James Chatters와 Floyd Johnson에 초점을 맞춰 조사에 착수했습니다. 몇 시간 동안의 비난 질문 끝에 존슨에게 거짓말 탐지기 테스트를 하기까지 했고, 존슨은 역겨워 전선을 뽑고 밖으로 나갔다. 몇 년 후, 카운티 검시관 사무실에서 대퇴골 뼈가 발견되었습니다. 그들이 어떻게 그곳에 도착했는지에 대한 미스터리는 아직 풀리지 않았습니다.

과학자들은 유골이 발견된 장소의 지층을 조사하고 무덤을 찾기 위한 허가를 군단에 요청했습니다. 의회가 군단에게 부지를 보존하도록 요구하는 법안을 준비하고 있는 동안에도 군단은 백만 파운드의 암석을 버리고 침식 제어를 위해 해당 지역을 채우고 연구의 기회를 종료했습니다.

나는 슈나이더에게 왜 군단이 과학자들에게 그렇게 단호하게 저항했는지 물었습니다. 그는 군단이 컬럼비아 강을 따라 연어 어업 권리, 군단에 댐 제거 및 천억 달러 규모의 정화를 요구하는 것을 포함하여 여러 가지 어려운 문제에 대해 부족과 긴장된 협상에 참여했다고 추측했습니다. 심하게 오염된 Hanford 원자력 발전소. 슈나이더는 군단 고고학자가 그에게 “그들은 부족들과의 다른 문제를 해결하는 데 오래된 뼈 한 봉지가 방해가 되지 않도록 하지 않을 것이라고 말했습니다.””

Kennewick Man 사건의 행동에 대해 묻자 군단은 다음과 같이 말했습니다. 스미스소니언: “미국은 NAGPRA의 해석과 연약한 고대 인간 유해의 안전과 보안에 대한 우려에 따라 행동했습니다.”

결국 과학자들은 소송에서 승리했습니다. 법원은 2002년 뼈가 살아있는 부족과 관련이 없다고 판결했기 때문에 NAGPRA가 적용되지 않았습니다. 판사는 연구를 위해 원고가 표본을 사용할 수 있도록 군단에 명령했습니다. 정부는 제9순회 항소법원에 항소했고, 2004년에 다시 과학자들에게 유리한 판결을 내렸습니다.

더글라스 프레스턴 소개

Douglas Preston은 다음과 같은 Lincoln Child가 공동 집필한 베스트셀러 서스펜스 소설로 유명한 저널리스트이자 작가입니다. 차가운 복수. 그는 또한 집필하거나 공동 집필했습니다. 잃어버린 섬, 화이트 파이어, 크라켄 프로젝트 그리고 황금의 도시.


'얼굴을 훔쳐라' 번개 해골

의심의 여지 없이, 밴드에서 가장 잘 알려진 이미지는 Garcia의 얼굴보다 훨씬 더 "Steal Your Face" 디자인일 것입니다. 일반적으로 "번개 해골"이라고도 하는 이 개념은 실제로 필요에 의해 탄생했습니다. 그룹의 오랜 음향 엔지니어(저명한 LSD 화학자) Owsley "Bear" Stanley는 밴드의 장비가 무대 뒤 구역의 다른 상자 및 케이스와 함께 끼였을 때 쉽게 식별할 수 있는 기호가 필요했습니다. 과감하게 표시된 이중 색상 고속도로 표지판에서 영감을 받은 그는 그래픽 디자이너 친구인 Bob Thomas와 스프레이 페인트 준비 스텐실에 대한 아이디어를 논의했습니다. 원래의 생각은 기본적으로 파란색 면과 빨간색 면 사이에 명확한 묘사가 있는 원으로 구성되어 있었지만 브레인스토밍이 계속되면서 번개와 두개골 측면이 나타났습니다.

번개 해골은 1970년 셀프 타이틀 LP의 안쪽 게이트 폴딩 커버에 등장하면서 인기 있는 데드 로어의 일부가 되었습니다. 그 레코드의 앞 표지에는 Stanley "Mouse" Miller의 "장미 뼈대" 디자인이 특징이며 일부 팬들은 Grateful Dead 예술에 대한 진지한 대화에 속한다고 주장합니다(여기에 있습니다!). 번개 해골 디자인의 창조는 다소 온화하고 기능적으로 보이지만, 그 전반적인 의미는 그 겸손한 기원을 뛰어 넘었습니다. 어떤 사람들은 13포인트 번개가 원래 미국 식민지를 대표한다고 생각하는 반면 다른 사람들은 게시판 scuttlebutt를 진지하게 받아들이는 경우 LSD를 만드는 13단계 프로세스를 나타낸다고 생각합니다. 볼트가 자연의 모든 것을 소모하는 힘의 변형적인 힘을 의미한다는 이론이 떠돌고 있습니다.


이집트 예술과 건축

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이집트 예술과 건축, 고대 건축 기념물, 조각, 회화 및 응용 공예품은 주로 이집트와 누비아의 나일 강 유역 지역에서 기원전 3000년의 왕조 시대에 제작되었습니다. 이집트의 예술 과정은 국가의 정치 역사와 상당 부분 평행을 이뤘지만, 그것은 또한 자연스럽고 신성한 질서의 영속성에 대한 확고한 믿음에 달려 있었습니다. 창조의 원초적 순간에 세계의 완성을 반영하고 인간과 왕, 신들의 만신전 사이의 올바른 관계를 구현하기 위해 개최되었던 형식과 관습의 보존을 목표로 한 건축과 재현 예술의 예술적 성취 . 이러한 이유로 이집트 예술은 발전과 개별 예술적 판단의 행사에 대해 외적으로 저항하는 것처럼 보이지만 모든 역사적 시대의 이집트 장인들은 그들에게 제기된 개념적 도전에 대해 다른 해결책을 찾았습니다.

정의의 목적을 위해, "고대 이집트인"은 본질적으로 이집트 역사의 왕조 구조인 파라오 이집트와 동일한 용어이며, 부분적으로는 인공적이지만 편리한 연대기적 틀을 제공합니다. 구별되는 기간은 다음과 같습니다: Predynastic (c. 6th millennium bce –c. 2925 bce) Early Dynastic (1–3rd 왕조, c. 2925–c. 2575 bce) 고대 왕국 (4–8th 왕조, c. 2575–c. 2130) 기원전 ) 제1 중급(9~11 왕조, 기원전 2130~1939년) 중왕국(12~14 왕조, 기원전 1938~1630년) 제2 중급(15~17 왕조, 기원전 54030~1630년) 18~20왕조, 1539~1075년) 제3중기(21~25대 왕조, 기원전 1075~656년) 및 후기(26~31왕조, 기원전 664~332년).

지리적 요인은 이집트 예술의 특별한 성격을 형성하는 데 지배적이었습니다. 이집트에 고대 세계에서 가장 예측 가능한 농업 시스템을 제공함으로써 나일강은 예술과 공예가 쉽게 번성하는 삶의 안정을 제공했습니다. 마찬가지로 이집트를 사방에서 보호했던 사막과 바다는 거의 2,000년 동안 심각한 침략을 저지함으로써 이러한 안정에 기여했습니다. 사막의 언덕은 광물과 고운 돌이 풍부하여 예술가와 공예가가 착취할 준비가 되어 있었습니다. 좋은 나무만 부족했고 이집트인들은 레바논, 소말리아, 중개자를 통해 열대 아프리카로의 해외 탐험을 시작했습니다. 일반적으로 유용하고 귀중한 재료의 탐색은 외교 정책의 방향과 교역로의 확립을 결정했고 궁극적으로 이집트의 물질 문화를 풍요롭게 했습니다. 추가 치료를 위해, 보다 이집트 중동 종교, 고대.


시간을 통해 조각 정원

1939년 11 West 53rd Street에 있는 조각 정원은 박물관 관장인 Alfred H. Barr Jr.와 Architecture John의 큐레이터가 단 하룻밤 만에 디자인한 현대 미술관의 첫 번째 영구 주택 계획에 급하게 통합되었습니다. 인접한 부지에 대한 McAndrew. 자연, 예술, 건축을 당시 참신한 방식으로 결합한 Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden은 그 이후로 맨해튼 미드타운의 정착물이 되었습니다. 번화하지만 분명히 회색인 대도시의 녹색 오아시스입니다. Sculpture Garden은 많은 변형, 파티, 콘서트, 설치 및 해프닝을 보았습니다. 수년에 걸쳐 박물관의 야외 갤러리는 내부 갤러리의 더 조용한 프로토콜을 테스트했을 활동을 위한 공간이 되었습니다. 이번 주 Virtual Views: Sculpture Garden에서 기억에 남는 순간을 아래에 모았습니다. 그리고 이 에피소드가 박물관의 역사에 어떻게 들어맞는지에 대한 자세한 내용은 인터랙티브 사이트 MoMA through Time을 확인하십시오.

의 설치 모습 전시관 그레고리 아인, 1950년 5월 17일~10월 29일

1950: 정원의 집들

1939년 알프레드 바(Alfred Barr)와 존 맥앤드류(John McAndrew)가 MoMA의 조각 정원을 위한 디자인을 처음 구상했을 때, 그들은 전시를 변경하는 야외 갤러리로 공간을 구상했으며, 이는 미술 전시의 새로운 장르를 정립한 선구적인 개념입니다. 수년 동안 Sculpture Garden은 1940년대와 50년대에 실물 크기의 주택을 전시하는 등 다양한 쇼를 개최했습니다.

그 중 첫 번째는 많은 사람들이 교외로 이사하는 전후 주택 붐의 요구에 부응하는 저렴하면서도 세련된 주택 솔루션에 대한 두 현대 건축가의 견해였습니다. 1949년에 Marcel Breuer가 설계한 침실 2개짜리 거주지가 설치되었습니다. 브로이어는 유토피아적 이상과 능률적이고 기능적인 디자인으로 유명한 전쟁 전 독일의 종합 예술 학교인 바우하우스(Bauhaus)에서 교육을 받았습니다. "통근자를 위한 시골집"으로 계획되고 V자형 지붕과 유리벽을 특징으로 하는 Breuer의 디자인은 입주자의 필요에 따라 확장되거나 수정될 수 있습니다. 이듬해 MoMA는 사회적인 생각을 가진 또 다른 현대 건축가인 Gregory Ain을 초대하여 정원에 집을 지었습니다. Ain은 유연한 평면도를 허용하는 슬라이딩 벽이 있는 침실 3개짜리 집을 제공했습니다. 1954년에 설치된 정원의 세 번째 집은 다른 방식으로 적응할 수 있었습니다. 일본 디자인을 기념하는 일련의 전시회의 일환으로 MoMA는 17세기 일본 사원 건축 스타일의 목조 주택을 전시했습니다. 일본 나고야에서 처음 지어진 이 건물은 해체된 후 배로 뉴욕으로 보내져 건축가 요시무라 준조의 감독하에 재건되었습니다.

의 설치 모습 자동차 10대, 1953년 9월 15일–10월 4일

1951: 정원의 자동차

Arthur Drexler는 1951년에 “자동차는 속이 빈 구르는 조각품입니다.”라고 썼습니다. 최근 MoMA에서 건축 및 디자인 큐레이터로 고용된 Drexler는 8 자동차, 미술관에서 개최하는 최초의 자동차 디자인 전용 전시회. 1950년대 미국은 전후 제조업 붐과 함께 오토마니아가 전국을 휩쓸고 있었을 때 드렉슬러만 열광한 것이 아닙니다. 디스플레이 8 자동차 1층 갤러리에 설치된 고가 도로에 주차된 여러 ​​대의 차량이 등장했으며, 통로는 캔버스 천막으로 요소로부터 보호되는 조각 정원으로 확장되었습니다. 전시된 차량 중에는 미군용 Jeep, 이탈리아 Cisitalia 스포츠카, 영국 Bentley 등이 있었는데 모두 "예술 작품으로서의 우수성과 승용차 디자인의 현대적 문제와의 관련성"으로 선정되었습니다. 이 자동차가 대여되는 동안 MoMA는 1946년 Cisitalia를 인수하여 자체적으로 "구르는 조각품"을 수집하기 시작하여 최초의 미술관이 되었습니다. Drexler는 박물관에서 35년 동안 재직하는 동안 두 차례의 자동차 전시회를 더 기획했습니다. 자동차 10대 1953년, 그리고 레이싱카: 합리적인 자동차를 향하여 1966년.

Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden, 1953의 동쪽 전망

1953: 도시의 오아시스

박물관의 본관 건물이 1939년에 문을 열었을 때, 조각 정원은 John McAndrew와 Alfred Barr의 "행복한 즉흥 연주"였습니다. 둘 다 경험이 풍부한 조경 디자이너는 아니었지만, 박물관이 예기치 않게 새 건물에 인접한 부지를 배정받았을 때 두 사람은 서둘러 첫 번째 조각 정원을 설계했습니다. McAndrew와 Barr의 Sculpture Garden은 설치를 변경하기 위한 야외 갤러리로 구상되었으며 곡선형 자갈 경로로 정의된 크게 열린 공간이었습니다.

1953년, 조각 정원은 MoMA의 창립자 중 한 명인 Abby Aldrich Rockefeller를 기리기 위해 MoMA의 초대 건축 부서장인 Philip Johnson에 의해 완전히 재설계되었습니다. 공간을 "지붕이 없는 방"으로 상상하면서 Johnson은 조각품을 전시하기 위해 4개의 독특한 비대칭 대리석 포장 구역을 만들었습니다. 계단, 다리, 식물 및 수영장의 배치는 방문자의 흐름을 미묘하게 지시했습니다. 개조된 Sculpture Garden은 또한 다양한 나무, 꽃, 관목, 거리로 열리는 나무와 놋쇠 문이 특징이었습니다.

Johnson은 1964년에 다시 도면 보드로 돌아와서 새로운 동쪽 건물을 도입하고 조각 정원을 확장한 건물 전체 확장을 설계했으며, 더 큰 설치를 수용할 수 있는 높은 플랫폼과 그 아래에 전시 및 교육 교실을 위한 공간을 추가했습니다(이 플랫폼은 이후 철거 및 교체되었습니다).

존 카사베츠의 스틸컷 그림자 (1959)

1959: 영화 제작자들이 배경을 찾다

그림자, John Cassavetes의 감독 데뷔작은 뉴욕 시에서 세 명의 아프리카계 미국인 형제(모두 음악가)의 삶을 중심으로 합니다. 미국 인디 영화의 선구적인 작품인 이 영화는 Big Apple의 생생한 예술 장면에 생명을 불어넣고, 낭만적인 불행은 당시의 인종적 역동성을 엿볼 수 있게 해줍니다. 한 장면은 캐릭터를 MoMA로 데려가 예술의 의미와 그 해석이 제공할 수 있는 것에 대해 논의합니다. Celeste Bartos의 수석 영화 큐레이터인 Rajendra Roy는 최근 우리에게 이렇게 말했습니다. 방법. 공식적으로 허가를 받은 대규모 촬영은 아니었지만 완전히 은밀한 것도 아니었다”고 말했다. Cassavetes는 스토리텔링의 배경으로 박물관을 선택한 마지막 영화 제작자가 아닙니다. 최근에는 다음과 같은 영화가 조정국 그리고 마이어로위츠 이야기 MoMA에서 촬영 장면도 있습니다.

1960: 자기 파괴적인 예술

"기계야.. 조각이야. 그림이야. 노래야, 반주자야, 시인이야, 선언이야. 이 기계는 상황이야." 조각가인 Jean Tinguely는 뉴욕 주지사이자 박물관장인 Nelson Rockefeller와 기자, 텔레비전 스태프를 포함한 약 250명의 청중 앞에서 조각 정원에 서서 키네틱 작업을 소개한 것은 이 문구와 함께였습니다. 뉴욕에 대한 오마주. Tinguely는 자전거 바퀴, 날씨 풍선, 오래된 모터, 피아노 연주자, 금속 드럼, 라벨 제작자, 소형 고카트, 욕조 등 뉴저지 쓰레기 처리장에서 대부분 뒤진 물건으로 조각품을 만들었습니다. 흰색 페인트 코트. 조각품은 자기 파괴의 명백한 목적으로 고안되었습니다.이 목적을 달성하기 위해 Tinguely는 Bell Labs의 엔지니어인 Billy Klüver 및 아티스트 Robert Rauschenberg를 비롯한 다른 팀과 협력했습니다. 경의 1960년 3월 17일 초연 당일 밤에 폭발하여 피아노와 찰칵하는 금속의 타악기 소음의 교향곡에 맞춰 화염과 유색 연기로 분출했습니다. 한 부분이 부서져 카메라 스태프와 충돌했을 때, 소방관이 개입해 불길을 진압하고 마무리했다. 경의 나중에 도끼로. 아티스트 Robert Breer는 의 활성화와 폭발을 촬영했습니다. 뉴욕에 대한 오마주, 그리고 이번 주의 Virtual Views의 일환으로 5월 7일부터 10일까지 온라인(위)에서 영화를 볼 수 있습니다.

에 발표된 에세이에서 나라 일주일 후 Klüver는 다음과 같이 썼습니다. “우리가 새롭고 변화하는 세상을 보고 경험하는 모든 순간과 마찬가지로 Jean의 기계는 우리 삶의 한 순간을 표현하기 위해 스스로를 만들고 파괴했습니다.” Tinguely의 장치는 기계 시대가 머나먼 과거로 물러나고 원자 시대가 본격화되면서 이미 지나간 한 순간을 기념했습니다.

쿠사마 야요이의 연기 죽은 자를 깨우는 그랜드 난교, 1969

1969: 쿠사마 야요이 그랜드 난교 정원 안에

"하지만 예술인가요?" 1969년 8월 25일자 1면 사진의 캡션에 실린 이 억지스러운 질문은 매일 뉴스, 조각 정원의 분수대에 벌거벗은 사람들이 서 있습니다. 사진에서 한 무리의 방문객과 한 명의 화난 경비원은 나체로 목욕하는 사람들을 혼돈과 경외심으로 바라보고 있으며, 외로운 여성이 현장을 바라보고 있습니다. 이번 행사를 기획한 아티스트 쿠사마 야요이입니다.

Kusama는 1958년 처음 뉴욕으로 이주하여 대규모 회화, 설치 및 "해프닝"을 포함한 다양한 창작 작품에 몰두했습니다. 사건은 종종 즉흥적이었고 본질적으로 연극적이었고 청중 참여가 수반되었습니다. Kusama의 무단 1969 Happening을 위해, 죽은 자를 깨우는 그랜드 난교 MoMA에서 작가는 알몸의 공연자들에게 주변의 조각품에 장난스럽게 참여하면서 서로를 포옹하도록 지시했습니다. 살아있는 인간들과 정적인 조각 형태들 사이에서 바카날리안 유랑을 연출함으로써(대부분 프랑스 조각가 Aristide Maillol과 같은 죽은 예술가들의 누드 피규어였습니다) 기대어 있는 인물 *The River* - Kusama는 MoMA를 "죽은"의 저장소로 비판했습니다. 더 많은 살아있는 예술가의 활성화가 필요한 예술. 그녀는 1998년 설문조사를 통해 거의 30년 후에 다시 박물관에서 인기를 끌 것입니다. 영원한 사랑: 쿠사마 야요이 1958–1968.

Sculpture Garden은 "Robert Moog and the Moog Synthesizer Concert-Demonstration"을 주최했으며, Moog 모듈러 신디사이저의 최초 라이브 공연을 중심으로 음악의 저녁을 개최하여 음악 역사의 흐름을 바꾸고 수십 년의 미래 악기 디자인에 영향을 미쳤습니다. 언론에 의해 "외계인"과 "닭집에서 풀려난 여우"처럼 묘사된 Moog 신디사이저의 소리는 1969 Jazz in the Garden 콘서트 시리즈의 마지막 행사에서 Sculpture Garden을 가득 채웠습니다. 비평가 Greer Johnson은 "MoMA에서 Robert Moog의 신디사이저의 '시연'은 ... 2001: 스페이스 오디세이 '2인용 자전거 위에서'를 노래합니다.”

콘서트 당일 밤에는 이전 행사의 4배인 약 4,000명의 사람들이 조각 정원에 꽉 차서 더 나은 전망을 보기 위해 조각품과 나무 사이로 올라갔습니다. 의 리뷰에 따르면 오디오 매거진, “몇 번의 준비 삐, 흥, 그리고 꿀꿀거리는 소리에 이어 음악가들은 유쾌한 멜로디의 4악장 모음곡으로 바뀌었습니다. 여러 번 소리가 트럼펫, 플루트, 색소폰, 하프시코드, 아코디언 및 여러 종류의 드럼을 연상시켰지만 일반적으로 기존 악기와 비교하지 않고 자신의 용어로 음악을 듣는 데 만족했습니다. .”

이 이벤트에 대한 자세한 내용은 "Sounds from Outer" 기사를 확인하십시오.
Space: MoMA의 Moog.”

1969년 8월 28일 Jazz in the Garden 시리즈의 콘서트 공연 로버트 무그와 무그 신디사이저의 모습


죽은 예술의 날

마우스를 올려주세요 황금 단어 추가 정보를 얻으려면.

죽은 예술의 날은 이 축하 행사를 위해 또는 그 결과로 만들어진 모든 민속 예술 인물, 수공예품 및 기념품에 주어진 이름입니다.

죽은 자의 날 수공예품
망자의 날 행사는 멕시코의 여러 지역에서 연중 가장 중요합니다.
축하 행사는 죽은 자의 세계에서 이 세계로의 영혼의 방문을 중심으로 이루어지며 주요 목적은 그들이 환영받고 소중히 여겨진다고 느끼게 하는 것입니다.

그러므로 죽은 제단의 날은 휴일에서 가장 중요한 요소이며 많은 공예품이 그것을 장식하기 위해 특별히 만들어집니다.

이러한 수공예품의 예로는 해골과 해골 조각 종이 깃발, 점토 촛대 및 사후메리오스 (향로), cempasuchil 종이 꽃 및 먹을 수 있는 설탕 두개골은 그럼에도 불구하고 예술 작품입니다.


죽은 민속 예술의 날
죽은 자의 날의 결과로 발전된 민속 예술은 Jose Guadalupe Posada의 유산 없이는 이해할 수 없습니다.

Posada(1852-1913)는 멕시코 혁명 이전 시대의 석판화 및 인쇄 제작자였습니다.

그는 의 창조로 가장 잘 알려져 있습니다. 라 칼라카 가르반세라, 나중에 되었다 라 카트리나, 망자의 날 행사에서 사용된 상징적인 해골 여성.

그는 학자들에게 멕시코 현대 미술의 아버지로 여겨지며 다음 세대의 예술가들에게 멕시코 문화를 표현하는 새로운 방식을 계승했습니다.

전국의 민속 예술가들은 Posada의 단계를 성공적으로 따라 그의 예술적 스타일을 사용하여 멕시코인과 죽음의 친밀한 관계를 묘사했습니다.

죽은 자의 날 민속 예술 스타일
다음은 오늘날 가장 대표적이고 성공적인 스타일 중 하나입니다.

                            

비디오 보기: 들라크루아 사르다나팔루스의죽음