헤이안 시대 일본 클랜은 어떻게 작동했나요? (특히 타이라 vs. 미나모토)

헤이안 시대 일본 클랜은 어떻게 작동했나요? (특히 타이라 vs. 미나모토)

Wikipedia는 헤이안 시대에 천황의 일부 자녀가 강등(왕실 혈통에서 제외됨)되어 Taira와 Minamoto "Clan"에 할당되었다고 나에게 알려줍니다.

이것은 어떻게 작동 했습니까?

  1. 사람을 다른 사람에게 배정하는 특별한 이유가 있었습니까?
  2. 클랜은 구성원의 가장 중요한 사회적 정체성이어야 했습니까?
  3. 그들은 특별한 서비스를 제공/요구했습니까?
  4. 세대 구성 요소(예: Saga vs. Seiwa Genji)가 상황에 어떤 영향을 미쳤습니까? 예를 들어, 사가와 세이와 겐지는 둘 다 미나모토로 동일시하여 다른 씨족보다 서로 협력할 가능성이 더 높았습니까?

검페이 전쟁

기온쇼자노카네노코에, 쇼교무조노히비키아리. 샤라소주노하나노이로, 쇼샤히수이노코토와리워 아라와스. 오고레루 히토 모 히사시카라즈, 타다 하루노 요루노 유메노 고토시. Takeki mono mo tsui ni horobinu, hitoe ni kaze no mae no akuta ni onaji.
기온 쇼자 사원의 종소리는 만물의 무상함을 반영하며 살라 꽃의 색은 번성하는 것이 떨어지는 것임을 알려줍니다. 교만한 자는 마침내 큰 넘어짐을 견디지 못하여 바람 앞의 티끌에 지나지 않습니다.

  • 날짜: 1180-1185
  • 전투원: 미나모토 일족(및 동맹국) vs. 타이라 일족(및 동맹국)
  • 결과: 미나모토 승리 타이라 일족 크게 전멸
  • 일본어: 源平合戦 (겐페이 캇센)

1180-1185년에 미나모토와 타이라 사무라이 씨족 사이에 벌어진 겐페이 전쟁은 타이라가 지배하는 황실의 통치가 끝났음을 알리고 얼마 지나지 않아 가마쿠라 막부가 세워져 일본의 몰락을 상징합니다. 타이라와 미나모토의 부상, 헤이안 시대 말기와 가마쿠라 시대 시작, 귀족/궁정 통치의 고전 시대와 사무라이 통치의 중세 시대 사이의 경계.

전쟁의 이름은 온요미 또는 "미나모토 가문"을 의미하는 Genji와 Heike(또는 Heishi)와 "Taira 가문"(또는 "Taira 가문")이라는 두 가문의 이름을 "중국식"으로 읽습니다.

전쟁의 사건은 서사시에서 가장 유명하게 이야기되었습니다. 헤이케 이야기, 1371년에 처음으로 기록되기 전에 잠시 여행하는 음악가 이야기꾼에 의해 구전으로 전해졌습니다. 수많은 노, 가부키, 인형극뿐만 아니라 수많은 그림 및 기타 문화 창조물은 이러한 이야기를 바탕으로 하고 있습니다. 전설로 성장한 것들.


내용물

조몬 아트 편집

일본의 첫 번째 정착민은 Jōmon 사람들(c. 10,500 – c. 300 BCE)로, [3] 진흙 그릇의 표면을 장식한 코드 표시에서 이름을 따온 이름은 나중에 조직적인 농업을 하고 도시를 건설한 유목 수렵 채집민이었습니다. 수천은 아니더라도 수백의 인구와 함께. 그들은 흙에서 온기를 제공하기 위해 얕은 흙 구덩이에 초가집과 나무로 된 단순한 집을 지었습니다. 그들은 호화롭게 장식된 도자기 저장 용기를 만들었습니다. 도구, 크리스탈 보석.

조몬 시대 초기 편집

조몬 시대 초기(기원전 5000-2500년)에 [3] 마을이 발견되기 시작했고 물을 끓이는 도자기 냄비와 같은 평범한 일상 용품이 발견되었습니다. 이 시기에 발견된 항아리는 바닥이 평평하고 대나무와 같은 재료로 정교하게 디자인되어 있습니다. 또한, 또 다른 중요한 발견은 전시된 유방과 부푼 엉덩이로 인해 다산의 대상으로 사용되었을 수 있는 초기 조몬 입상이었습니다. [삼]

죠몬 시대 중기 편집

죠몬 중기(기원전 2500-1500년), [3] 죠몬 초기와 여러 면에서 대조된다. 이 사람들은 덜 유목민이 되어 마을에 정착하기 시작했습니다. 그들은 수집하고 사냥한 음식을 처리할 수 있는 유용한 도구를 만들어 생활을 더 쉽게 만들었습니다. 이 시대에 발견된 수많은 미적으로 아름다운 도자기를 통해 이 사람들은 아름다운 조각을 만들기 위해 안정된 경제와 더 많은 여가 시간을 가졌음이 분명합니다. 또한 죠몬 중기의 사람들은 기능에 따라 그릇을 개발했기 때문에 선조들과 달랐습니다. [3] 이 그릇의 장식은 초기 Jōmon 도자기와 달리 더 사실적으로 보이기 시작했습니다. 전반적으로 이 기간 동안 작품 생산량이 증가했을 뿐만 아니라 이러한 개인들이 작품을 더욱 장식적이고 자연주의적으로 만들었습니다. [삼]

죠몬시대 말기 편집

조몬 말기(기원전 1500-300년)에 [3] 날씨가 추워지기 시작하여 산을 떠나게 되었습니다. 이 기간 동안 주요 식량 공급원은 물고기였기 때문에 어업 용품과 도구를 개선했습니다. 이 발전은 이 시기에 매우 중요한 성과였습니다. 또한 선박의 수가 크게 증가하여 각 집에 고유한 입상이 전시되어 있다고 결론지을 수 있었습니다. 조몬시대 후기와 말기에 다양한 그릇이 발견되었지만, 이 조각들이 손상된 것으로 발견되어 의식에 사용했음을 알 수 있습니다. 또한, 인형도 발견되었는데, 살이 통통한 몸과 고글 같은 눈이 특징이었습니다. [삼]

도구 ("흙상")은 조몬 시대 후기에 만들어진 작은 인간형 및 동물 인형입니다. [4] 오키나와를 제외한 일본 전역에서 제작되었습니다. [4] 일부 학자들은 다음과 같이 이론화한다. 도구 일종의 동정적인 마법을 나타내는 사람의 형상처럼 행동했습니다. [5] 도구 점토로 만들어졌으며 일반적으로 높이가 10~30cm로 작습니다. [6] 대부분의 피규어는 여성을 모델로 한 것으로 보이며, 큰 눈, 작은 허리, 넓은 엉덩이를 가지고 있다. [4] 많은 사람들이 그들은 여신을 대표하는 것으로 간주합니다. 많은 사람들이 임신과 관련된 큰 복부를 가지고 있어 조몬이 그들을 어머니 여신으로 여겼음을 시사합니다. [6]

야요이 아트

다음 이민자 물결은 야요이(Yayoi) 사람들로, 처음 정착촌의 잔해가 발견된 도쿄 지역의 이름을 따서 명명되었습니다. 기원전 300년경 일본에 도착한 이 사람들은 [7] 습지 벼 재배, 구리 무기 및 청동 종 제조에 대한 지식을 가져왔습니다.도타쿠) 및 휠 던지기, 가마 소성 도자기.

3세기 야요이 시대의 도타쿠 종

교토 야마시로시 쓰바이오츠카야마 고분에서 출토된 청동거울

야요이 시대의 카르마 항아리

500 BCE - 200 CE의 Yayoi 저장 항아리

고분 아트

일본 선사 시대의 세 번째 단계인 고분 시대(c. 300 – 710 AD) [3]는 야요이 문화의 변형을 나타내며, 이는 내부 발전이나 외력에 기인합니다. 이 기간은 무덤 문화와 청동 거울 및 점토 조각품과 같은 기타 유물로 가장 유명합니다. 하니와 이 무덤들 밖에 세워진 것입니다. 고분 시대에 걸쳐 이 고분의 특징은 산꼭대기와 능선에 세워진 작은 무덤에서 평지에 세워진 훨씬 큰 무덤으로 발전했습니다. [8] 일본에서 가장 큰 고분인 닌토쿠 천황의 고분은 46개의 고분을 보유하고 있으며 열쇠구멍과 같은 모양을 하고 있는데, [9] 후기 고분 고분에서 볼 수 있는 독특한 특징입니다. [8]

아스카와 나라 아트

아스카와 나라 시대에는 일본 정부의 소재지가 542년부터 645년까지 아스카 계곡에 있었고[3], 784년까지는 나라 시에 처음으로 중요한 대륙 아시아 문화의 유입이 있었기 때문에 그렇게 명명되었습니다.

불교의 전승은 중국과 일본 사이의 접촉을 위한 초기 추진력을 제공했습니다. 일본인은 중국 문화의 측면을 자신의 것으로 유익하게 통합할 수 있음을 인식했습니다. 아이디어와 소리를 기록으로 변환하는 시스템 효과적인 관료제와 같은 복잡한 정부 이론, 예술, 신기술, 신축 건물에 가장 중요 기술, 청동 주조의 고급 방법, 회화를 위한 새로운 기술 및 매체.

그러나 7세기와 8세기에 걸쳐 일본과 아시아 대륙 사이의 접촉에서 주된 초점은 불교의 발전이었습니다. 모든 학자들이 공식적으로 일본에 불교를 도입한 날짜인 552년과 일본의 수도가 나라에서 이전된 784년 사이의 다양한 기간에 적용할 중요한 날짜와 적절한 이름에 동의하는 것은 아닙니다. 가장 일반적인 명칭은 스이코 시대(552~645년), 하쿠호 시대(645~710년), 텐표 시대(710~784년)입니다.

8세기 호류지의 탑과 곤도

가장 초기의 일본 불상 조각은 6세기와 7세기로 거슬러 올라갑니다. [10] 그들은 궁극적으로 중국의 예술적 특성이 중첩된 [11] 흐르는 드레스 패턴과 사실적인 렌더링이 특징인 1세기에서 3세기 사이의 Gandhara의 Greco-Buddhist 예술에서 파생됩니다. 중국 북부 위의 불교 예술이 한반도에 침투한 후 다양한 이민자 그룹에 의해 불교 아이콘이 일본으로 옮겨졌습니다. [12] 특히 반좌형 미륵보살은 고도로 발달된 고대 그리스 미술 양식으로 각색되어 고류지 미로쿠 보살과 추구지 싯다르타 동상에서 알 수 있듯이 일본에 전해졌습니다. [13] 많은 역사가들은 한국을 단순한 불교의 전달자로 묘사한다. [14] 삼국지, 특히 백제는 538년이나 552년에 일본에 불교 전통을 도입하고 형성하는 데 적극적인 역할을 했다. 우리 시대의 몇 세기. 다른 예는 일본 Fūjin Wind God, [16] Niō 수호자, [17] 사원 장식의 거의 고전적인 꽃 패턴의 도상학의 발전에서 찾을 수 있습니다. [18]

일본에 현존하는 가장 오래된 불교 건축물과 극동에서 가장 오래된 목조 건축물이 나라 남서쪽에 있는 호류지에서 발견됩니다. 쇼토쿠 왕세자의 개인 사찰로 7세기 초에 처음 지어진 이 건물은 41개의 독립된 건물로 구성되어 있습니다. 가장 중요한 예배당, 또는 곤도 (골든홀), 고쥬노토 (오층탑), 지붕이 있는 회랑으로 둘러싸인 열린 공간의 중앙에 서 있습니다. NS 곤도, 중국 예배당 스타일로 기둥과 들보 구조의 2층 구조입니다. 이리모야, 또는 세라믹 타일의 박공 지붕.

내부 곤도, 큰 직사각형 플랫폼에 그 시대의 가장 중요한 조각품 중 일부가 있습니다. 중앙 이미지는 Shaka Trinity(623)로, 두 보살이 측면에 있는 역사적인 부처, 최근에 사망한 Shotoku 왕자에게 경의를 표하기 위해 조각가 Tori Busshi(7세기 초에 번성)가 청동으로 주조한 조각입니다. 플랫폼의 네 모퉁이에는 650년경에 나무로 조각된 사방의 수호왕이 있습니다. 또한 Hōryū-ji에는 다마무시 신사가 있습니다. 곤도, 옻칠과 미네랄 안료가 혼합된 매체로 실행된 그림으로 장식된 높은 나무 기반 위에 설정됩니다.

8세기의 사원 건축은 나라의 도다이지를 중심으로 이루어졌습니다. 각 지방에 있는 사원 네트워크의 본부로 건설된 도다이지(Tōdaiji)는 일본의 불교 숭배 초기 세기에 세워진 가장 야심찬 종교 단지입니다. 적절하게도, 본당에 안치된 16.2m(53피트) 부처(752 완성), 또는 대불전, 도다이지가 제국의 후원을 받은 불교와 일본 전역에 퍼진 중심을 대표했던 것처럼 불성의 본질을 대표하는 인물인 루샤나 부처입니다. 원래 불상의 일부 조각만 남아 있으며 현재의 홀과 중앙 불상은 에도 시대의 재건입니다.

완만하게 경사진 언덕에 있는 다이부츠덴 주변에는 여러 개의 보조 홀이 있습니다. 홋케도 (연화경전), 가장 인기 있는 보살인 후쿠켄자쿠 관음(不空羂索観音立像)이 있는 건조 옻칠(옻을 칠한 천을 나무 뼈대 위에 모양을 낸 것)으로 제작되었습니다. 카이다닌 戒壇院, 서품당(戒壇院, Ordination Hall)은 사천왕의 장엄한 진흙 조각상과 창고라고 불리는 창고가 있습니다. 쇼소인. 이 마지막 구조는 752년 사원 봉헌식, 루샤나 형상을 위한 눈을 뜨게 하는 의식에서 사용된 기구와 정부 문서 및 많은 세속 황실 소유의 물건.

초킨 (또는 초킨), 금속 조각이나 조각의 예술은 나라 시대에 시작된 것으로 생각됩니다. [19] [20]

헤이안 미술

794년 일본의 수도는 공식적으로 헤이안쿄(지금의 교토)로 옮겨져 1868년까지 유지되었습니다. 헤이안 시대 겐페이 전쟁이 끝나고 가마쿠라 막부가 세워진 794년에서 ​​1185년 사이의 해를 나타냅니다. 기간은 다시 헤이안 초기와 헤이안 후기 또는 후지와라 시대로 나뉘며, 그 중핵 사절단이 공식적으로 중단된 해인 894년을 중심으로 합니다.

초기 헤이안 미술: 나라에서 조직화된 불교의 부와 권력이 커지자 구카이 승려(774~835년 시호로 가장 잘 알려짐)는 금강사 불교의 한 형태인 진언을 연구하기 위해 중국으로 여행을 떠났습니다. 806. 진언 숭배의 핵심에는 영적 우주의 도표인 만다라가 있으며, 이는 당시 사원 설계에 영향을 미치기 시작했습니다. 일본 불교 건축도 중국식 탑에 원래 인도 건축 양식이었던 사리탑을 채택했습니다.

이 새로운 종파를 위해 세워진 사원은 궁정과 수도의 평신도에서 멀리 떨어진 산에 세워졌습니다. 이 장소들의 불규칙한 지형은 일본 건축가들로 하여금 사원 건축의 문제를 재고하도록 했고, 그렇게 함으로써 보다 토착적인 디자인 요소를 선택하게 되었습니다. 도기 기와 지붕을 편백나무 껍질로 교체하고, 흙바닥 대신 나무 널빤지를 사용했으며, 본당 앞에 평신도를 위한 별도의 예배 공간을 추가했다.

초기 헤이안 진언 사원의 정신을 가장 잘 반영하는 사원은 나라 남동쪽 산에 있는 사이프러스 나무 덤불 깊숙이 자리 잡은 무로지(9세기 초)입니다. 무로지(Muro-ji)의 2차 건물에 안치되어 있는 "역사적" 부처인 석가모니의 목상(또한 9세기 초)은 헤이안 초기 조각의 전형으로, 거대한 몸은 19세기에 새겨진 두꺼운 커튼 주름으로 덮여 있습니다. 혼파시키 (구르는 파도) 스타일과 그 엄격하고 위축된 표정.

후지와라 예술: 후지와라 시대에는 아미타(서방 낙원의 부처)를 신앙으로 하여 손쉬운 구원을 제공하는 정토불교가 유행했습니다. 이 기간은 당시 일본에서 가장 강력한 후지와라 가문의 이름을 따서 명명되었으며, 천황의 섭정으로 통치하여 사실상 시민 독재자가 되었습니다. 동시에 교토 귀족은 우아한 미적 추구에 전념하는 사회를 발전시켰습니다. 그들의 세상은 너무나 안전하고 아름다웠기 때문에 낙원과 별반 다를 바가 없다고 생각할 수 없었습니다. 그들은 세속적인 것과 종교적인 것이 혼합된 새로운 형태의 부처 홀인 아미타 홀을 만들었으며 귀족의 저택과 유사한 구조 내에 하나 이상의 불상을 보관하고 있습니다.

NS 호오도 교토 남동쪽 우지의 절인 뵤도인(皇園院)(봉황당, 1053년 완공)이 후지와라 아미타당의 본보기이다. 큰 인공 연못의 가장자리에 위치한 두 개의 L자형 날개 회랑과 꼬리 회랑이 측면에 있는 주요 직사각형 구조로 구성되어 있습니다. 내부에는 높은 플랫폼에 Amida(c. 1053)의 단일 황금 이미지가 설치되어 있습니다. 아미타 조각은 새로운 비율의 캐논과 새로운 기법을 사용하는 Jōchō에 의해 실행되었습니다.요세기) 여러 개의 나무 조각을 조개 껍질처럼 조각하여 내부에서 결합합니다. 홀의 벽에는 천상의 작은 부조 조각이 적용되어 있는데, 아미타가 죽음의 순간에 신자들의 영혼을 모아서 연꽃으로 낙원으로 옮기기 위해 서쪽 낙원에서 내려왔을 때 그 주인이 동행했다고 믿어집니다. 라이고 아미타 불상 강림을 묘사한 호오도의 목조 문 그림은 일본화의 초기 예인 야마토에의 예이며 교토 주변의 풍경을 표현하고 있습니다.

이마키: 헤이안 시대 마지막 세기에, 전자 마키 (絵巻, 직역하면 "그림 두루마리")가 등장했습니다. 1130년경부터 겐지 모노가타리 에마키, 유명한 일러스트 겐지 이야기 현존하는 가장 오래된 야마토에 두루마리이며 일본화의 정점 중 하나입니다. 1000년경에 쇼시 황후를 기다리는 무라사키 시키부가 쓴 이 소설은 겐지 사후 헤이안 궁정의 세계와 삶과 사랑을 다룬다. 12세기 예술가들은 전자 마키 버전은 각 장면의 감정적 내용을 시각적으로 전달하는 회화적 관습의 시스템을 고안했습니다. 세기 후반에는 계속되는 서사적 삽화의 다른 생생한 스타일이 대중화되었습니다. NS 반 다이나곤 에코토바 (12세기 후반) 궁정의 음모를 다룬 두루마리는 빠르게 실행되는 붓놀림과 가늘지만 생생한 색채로 묘사된 능동적인 움직임의 인물을 강조한다.

이마키 또한 가장 초기의 가장 위대한 사례의 일부로 사용됩니다. 오토코에 ("남성 사진") 및 온나에 ("여성의 그림") 그림 스타일. 두 스타일에는 많은 미세한 차이가 있으며 성별의 미적 취향에 호소합니다. 그러나 아마도 가장 쉽게 눈에 띄는 것은 주제의 차이일 것입니다. 온나에, 겐지 이야기 두루마리로 요약되는 이 작품은 일반적으로 궁정 생활, 특히 궁녀와 낭만적인 주제를 다룹니다. 오토코에 종종 역사적 사건, 특히 전투를 기록했습니다. 헤이지 모노가타리 두루마리의 "산조 궁에 대한 야습" 섹션에 묘사된 산조 궁전 포위 공격(1160)이 이 스타일의 유명한 예입니다.

가마쿠라 미술

1180년에 가장 강력한 두 무사 씨족인 타이라와 미나모토 사이에 전쟁이 일어났습니다. 5년 후 미나모토는 승리하여 1333년까지 가마쿠라의 해변 마을에 사실상의 정부 소재지를 설치했습니다. 귀족에서 무사 계급으로 권력이 이동하면서 예술은 새로운 청중을 만족시켜야 했습니다. 전쟁 기술에 헌신한 남성, 문맹인 평민에게 불교를 제공하는 데 헌신한 승려, 보수주의자, 귀족 및 일부 사제 성직자 법원의 권력 약화를 유감스럽게 생각합니다. 따라서 사실주의, 대중화 추세 및 고전적인 부흥이 가마쿠라 시대의 예술을 특징 짓습니다. 가마쿠라 시대에 교토와 나라는 예술 생산과 고급 문화의 중심지로 남았습니다.

조각품: 케이 조각가 학교, 특히 운케이는 새롭고 보다 사실적인 조각 스타일을 만들었습니다. 나라에 있는 도다이지의 대남문에 있는 두 개의 인왕상(1203)은 운케이의 역동적인 초현실적 스타일을 보여줍니다. 약 8m(약 26피트) 높이의 이미지는 약 3개월 동안 여러 블록으로 조각되었으며, 이는 조각가의 지도 아래 작업하는 장인의 스튜디오 시스템이 발전했음을 나타내는 위업입니다. 호소파의 전설적인 창시자인 무하쿠와 세신의 두 인도 현자에 대한 운케이의 다색 목각 조각(나라 고후쿠지 1208년)은 운케이가 그린 이 시대의 가장 완성도 높은 사실주의 작품 중 하나로, 현저하게 개별화되어 있으며 믿을 수 있는 이미지. 이 시기의 가장 유명한 작품 중 하나는 운케이의 후계자인 카이케이가 만든 오노 정토지에 있는 아미타 삼존불(1195년 완성)입니다.

서예 및 회화: NS 게곤엔기 에마키, 게곤종 창건의 역사는 가마쿠라 회화의 대중화 경향을 보여주는 좋은 예입니다. 나라시대의 가장 중요한 것이였던 게곤종은 정토종파가 집권하면서 어려운 시기를 맞았다. 겐페이 전쟁(1180-1185) 후, 고잔지의 승려 묘에(묘에)는 이 종파를 부활시키고 전쟁으로 인해 과부가 된 여성들에게 피난처를 제공하려고 했습니다. 사무라이의 아내는 소리와 생각을 필사하는 음절 체계(가나 참조) 이상을 배우는 것을 낙담했고 대부분은 중국어 표의 문자(한자)를 사용하는 텍스트를 읽을 수 없었습니다.

그래서 게곤엔기 에마키 최대한 읽기 쉬운 음절로 쓴 문장과 화자 옆에 쓰여진 인물 간의 대화가 담긴 삽화를 결합한 현대 만화에 버금가는 기법이다. 줄거리 전자 마키, 게곤종을 창시한 두 한국 승려의 일생은 빠른 템포와 바다왕궁으로의 여행, 가슴 아픈 엄마 이야기 등 환상적인 위업으로 가득 차 있다. [ 설명 필요 ]

좀 더 보수적인 맥락의 작품은 Murasaki Shikibu의 일기의 삽화 버전입니다. 이마키 그녀의 소설 버전은 계속 생산되었지만 리얼리즘에 대한 새로운 관심에 동조하면서도 과거의 부와 권력에 대한 향수를 불러일으키는 귀족은 작가 시대의 화려함을 되찾기 위해 일기를 되살리고 삽화를 그렸습니다. 가장 아름다운 구절 중 하나는 무라사키 시키부가 두 명의 젊은 신하에게 장난스럽게 그녀의 방에 갇힌 채 황실 정원의 개울 둑에 달빛이 반짝이는 에피소드를 보여줍니다.

무로마치 아트

아시카가 시대라고도 불리는 무로마치 시대(1338-1573) 동안 일본 문화에 중대한 변화가 일어났습니다. 아시카가 씨는 막부를 장악하고 본부를 교토로 다시 옮겨 도시의 무로마치 지구로 옮겼습니다. 수도로의 복귀와 함께 가마쿠라 시대의 대중화 경향은 끝나고 문화적 표현은 보다 귀족적이고 엘리트주의적인 성격을 띠게 되었습니다. 전통적으로 6세기 중국에서 창건된 것으로 생각되는 선종인 선종은 일본에 두 번째로 소개되어 뿌리를 내렸습니다.

페인트 등: 선종 사찰이 조직한 세속적 사업과 중국 무역 사절단으로 인해 많은 중국 그림과 예술품이 일본으로 수입되었고 선종 사찰과 막부를 위해 일하는 일본 예술가들에게 깊은 영향을 미쳤습니다. 이러한 수입품은 회화의 주제를 변경했을 뿐만 아니라 야마토에의 밝은 색상이 일반적으로 흑백 또는 다른 색조만 있는 중국식 회화의 단색에 대한 색상 사용을 수정했습니다. 단색.

초기 무로마치 회화의 전형은 전설적인 승려 Kensu(중국어로 Hsien-tzu)가 깨달음을 얻은 순간의 승려이자 화가 Kao(15세기 초 활동)가 묘사한 것입니다. 이 유형의 그림은 빠른 붓놀림과 최소한의 디테일로 실행되었습니다. 박으로 메기 잡기 (15세기 초, 교토 묘신지 다이조인) 승려이자 화가인 조세쓰(1400년경)의 작품은 무로마치 회화의 전환점을 표시합니다. 원래 낮은 스크린을 위해 실행되었던 이 작품은 위의 동시대 인물들의 비문이 새겨진 족자처럼 다시 장착되었으며, 그 중 하나는 그림이 "새로운 스타일"에 있다고 언급합니다. 전경에서 남자는 작은 박을 들고 큰 미끄러운 메기를 바라보는 개울 둑에 묘사되어 있습니다. 안개가 중간을 채우고 배경 산이 멀리 보이는 것처럼 보입니다. 일반적으로 1413년경에 제작된 이 그림의 "새로운 스타일"은 그림 평면 내의 깊은 공간에 대한 보다 중국적인 감각을 의미한다고 가정합니다.

무로마치 시대의 대표적인 화가는 승려 화가인 슈분과 셋슈입니다. 그림에 그려진 교토 쇼코쿠지의 승려 슈분 대나무 숲에서 독서 (1446) 우주로 깊은 후퇴가 있는 사실적인 풍경. 이 시대의 대부분의 예술가들과 달리 Sesshū는 중국으로 여행을 가서 중국 회화의 근원을 연구할 수 있었습니다. 사계절의 풍경 (산수이 초칸 씨. 1486)은 셋슈의 가장 완성도 높은 작품 중 하나로 사계절 내내 계속되는 풍경을 묘사하고 있습니다.

아즈치모모야마 아트

아즈치-모모야마 시대(1573-1603)에 오다 노부나가, 도요토미 히데요시, 도쿠가와 이에야스와 같은 연속적인 군사 지도자들이 거의 100년 간의 전쟁 기간을 거쳐 일본에 평화와 정치적 안정을 가져오려고 시도했습니다. 소족장인 오다(Oda)는 1568년에 정부를 사실상 장악하고 5년 후 마지막 아시카가 쇼군을 축출하기에 충분한 권력을 획득했습니다. 오다 사후 히데요시가 정권을 잡았으나 1603년 도쿠가와 막부를 세운 이에야스에 의해 세습통치 계획은 무산되었다.

페인트 등: 모모야마 시대의 가장 중요한 회화 유파는 가노 유파였으며, 이 시대의 가장 큰 혁신은 가노 에이토쿠가 방을 둘러싸고 있는 미닫이문에 기념비적인 풍경을 창조하기 위해 개발한 공식이었습니다. 다이토쿠지(교토에 있는 선종 사찰)의 하위 사원인 주코인의 정원을 바라보는 안방의 장식은 아마도 에이토쿠 작품의 현존하는 가장 좋은 예일 것입니다. 대규모 매실 나무와 쌍송은 대각선 맞은편 모서리에 있는 한 쌍의 슬라이딩 스크린에 묘사되어 있으며, 그 줄기는 모서리 기둥의 수직을 반복하고 가지가 좌우로 뻗어 인접 패널을 통합합니다. 에이토쿠의 화면, 중국 라이온스, 또한 교토에서 사무라이가 선호하는 대담하고 밝은 색의 그림 스타일을 보여줍니다.

Eitoku의 동시대인 Hasegawa Tohaku는 대규모 스크린 페인팅을 위해 다소 다르고 더 장식적인 스타일을 개발했습니다. 그의 메이플 스크린 (楓図), 현재 교토의 Chishaku-in (ja: 智積院) 사원에서 그는 나무 줄기를 중앙에 놓고 사지를 거의 구성의 가장자리까지 확장하여 더 평평하고 덜 건축적인 것을 만들었습니다. Eitoku보다 작업하지만 시각적으로 화려한 그림입니다. 그의 여섯겹 스크린, 소나무 松林図(松林図)은 안개에 둘러싸인 나무 숲을 흑백 잉크로 훌륭하게 표현한 것입니다.

에도 시대의 예술

도쿠가와 막부는 1603년에 정부의 확실한 통제권을 얻었고 국가에 평화와 경제적, 정치적 안정을 가져오겠다는 공약을 내걸고 성공했습니다. 막부는 1867년까지 살아남았지만, 외국 무역에 나라를 개방하라는 서방 국가의 압력에 대처하지 못해 항복할 수밖에 없었습니다. 에도 시대의 지배적인 주제 중 하나는 막부의 억압 정책과 이러한 제약에서 벗어나려는 예술가들의 시도였습니다. 그 중 가장 중요한 것은 외국인에 대한 국가 폐쇄와 그들의 문화의 장신구, 삶의 모든 측면, 입는 옷, 결혼한 사람, 할 수 있거나 해야 하는 활동의 모든 측면에 영향을 미치는 엄격한 행동 규범의 부과였습니다. 추구하지 않습니다.

그러나 에도 시대 초기에는 도쿠가와 정책의 완전한 영향이 아직 감지되지 않았고 건축과 회화에서 일본 최고의 표현 중 일부가 생산되었습니다. 린파학원.

목판 인쇄: 목판화는 원래 8세기 일본에서 불교 경전을 번역하는 데 사용되었습니다. 목판 인쇄는 나무 조각에 이미지나 그림을 조각한 다음 종이에 눌러 인쇄하는 방식입니다. 8세기에 목판은 종이에 색을 번역하거나 Nishik-e 판화로 더 잘 알려진 추가 혁신이 허용될 때까지 인쇄된 텍스트를 복제하는 편리한 방법으로 간주되었습니다. 목판 인쇄는 11세기부터 19세기까지 일반적인 인쇄 방법이었습니다. 니시키에 판화는 에도 시대에 사회의 부유한 사람들에게 일반적으로 판매되었던 달력과 같은 제품을 생산했습니다. 에도 시대에 이 판화는 저명한 배우의 사건과 장면을 묘사했습니다. 그 후 우키요는 에도 시대 초기에 목판 인쇄와 관련이 있었습니다. 이 우키요 그림은 사회의 저명한 구성원의 일상을 묘사했습니다. Ukiyo는 처음에는 평범한 평민의 삶을 묘사한 손으로 조각한 두루마리로 시작되었습니다.

건축학: 겐지의 궁전을 모방하여 지어진 Katsura Detached Palace에는 고전적인 일본 건축의 요소와 혁신적인 재구성을 결합한 쇼인 건물 클러스터가 있습니다. 전체 단지는 산책로가 있는 아름다운 정원으로 둘러싸여 있습니다. 많은 강력한 다이묘 영주들은 영토에 순회식 일본 정원을 만들고 아름다움을 놓고 경쟁했습니다.

페인트 등: Sōtatsu는 금박을 배경으로 한 자연계의 화려한 색상의 인물과 모티브를 사용하여 고전 문학의 주제를 재창조함으로써 뛰어난 장식 스타일을 발전시켰습니다. 그의 가장 훌륭한 작품 중 하나는 한 쌍의 스크린입니다. 마쓰시마의 파도 워싱턴 D.C.의 프리어 갤러리에서 1세기 후, Kōrin은 Sōtatsu의 스타일을 재작업하여 자신만의 독특한 시각적으로 화려한 작품을 만들었습니다. 아마도 그의 가장 훌륭한 것은 의 스크린 페인팅일 것입니다. 홍백 매화.

조각품: 승려 엔쿠는 120,000개의 불상을 거칠고 개별적인 스타일로 조각했습니다.

우키요에와 난가(분진가): 서양에서 가장 잘 알려진 예술 학교는 데미몬드의 우키요에 그림과 목판화, 가부키 극장의 세계, 유흥 지역입니다. 우키요에 판화는 1765년 17세기 후반에 제작되기 시작하여 하루노부가 최초의 다색 판화를 제작했습니다. 토리이 기요나가(Torii Kiyonaga)와 우타마로(Utamaro)를 비롯한 차세대 인쇄 디자이너는 기녀의 우아하고 때로는 통찰력 있는 묘사를 만들었습니다.

19세기의 지배적인 인물은 호쿠사이와 히로시게였으며, 후자는 낭만적이고 다소 감상적인 풍경화를 그렸습니다. 히로시게가 흔히 풍경을 바라보는 기이한 각도와 형태, 평평한 평면과 강한 직선적 윤곽을 강조한 기요나가와 우타마로의 작업은 에드가 드가와 빈센트 반 고흐와 같은 서양 예술가들에게 지대한 영향을 미쳤다. 서양 박물관에서 개최된 예술 작품을 통해 이 판화 제작자들은 나중에 Ezra Pound, Richard Aldington, H.D. [21]

우키요에와 동시대 회화의 한 종파는 중국 학자 화가들이 그린 그림을 바탕으로 한 낭가 또는 분징가였습니다. 우키요에 예술가들이 도쿠가와 막부의 엄격한 틀 밖의 삶의 인물들을 묘사하기로 선택한 것처럼 분진 예술가들은 중국 문화로 눈을 돌렸습니다. 이 스타일의 예는 이케노 타이가, 요사 부손, 타노무라 치쿠덴, 야마모토 바이쓰(ja:山本梅逸)입니다.

Traditional, mostly stoneware, styles continued in many parts of Japan, but Japanese ceramics were transformed around the start of the Edo period, by a large influx of Korean potters, captured or persuaded to emigrate in the course of the Japanese invasions of Korea in the 1590s. Many of these were settled on the southern island of Kyushu, and they brought with them experience of versions of the Chinese-style chambered climbing kiln, called noborigama in Japan, which allowed high temperatures with more precise control. By around 1620 they had discovered deposits of kaolinite, and started to make porcelain for the first time in Japan. The early wares (called "Early Imari") were relatively small and imitated the Chinese underglaze blue and white porcelain, which Japan had been importing for some time. [22]

The porcelain industry greatly expanded in the late 1650s, as the collapse of the Chinese industry from civil war led to very large orders from the Chinese traders and the Dutch East India Company, by then the traders only permitted to do business in Japan. The first great period of Japanese export porcelain lasted until about the 1740s, and the great bulk of Japanese porcelain was made for export, mostly to Europe, but also the Islamic world to the west and south of Japan. [23]

Ko-Kutani (old Kutani) five colours Iroe type sake ewer with bird and flower design in overglaze enamel, Edo period, 17th century

With the development of economy and culture, the artistic quality of lacquered furniture has improved. Hon'ami Kōetsu and Ogata Kōrin brought the designs of the Rinpa school of painting into lacquerware. After the middle of the Edo period, inrō for portable medicine containers began to be decorated gorgeously with maki-e and raden, and it became popular among samurai class and wealthy merchants in the chōnin class, and at the end of the Edo period, it changed from practical accessories to art collections. [24] [25] The export of lacquerware continued following the Azuchi-Momoyama period. Marie Antoinette and Maria Theresa are known as collectors of Japanese lacquerware in this period. [2]

Inro 그리고 Netsuke, 18th century

Art of the Prewar period Edit

When the Emperor of Japan regained ruling power in 1868, Japan was once again invaded by new and alien forms of culture. During the Prewar period, The introduction of Western cultural values led to a dichotomy in Japanese art, as well as in nearly every other aspect of culture, between traditional values and attempts to duplicate and assimilate a variety of clashing new ideas. This split remained evident in the late 20th century, although much synthesis had by then already occurred, and created an international cultural atmosphere and stimulated contemporary Japanese arts toward ever more innovative forms.

The government took an active interest in the art export market, promoting Japanese arts at a succession of world's fairs, beginning with the 1873 Vienna World's Fair. [26] [27] As well as heavily funding the fairs, the government took an active role organising how Japan's culture was presented to the world. It created a semi-public company — the Kiritsu Kosho Kaisha (First Industrial Manufacturing Company) — to promote and commercialize exports of art [28] and established the Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) to maintain quality standards. [27] For the 1876 Centennial International Exhibition in Philadelphia, the Japanese government created a Centennial Office and sent a special envoy to secure space for the 30,000 items that would be displayed. [29] The Imperial Household also took an active interest in arts and crafts, commissioning works ("presentation wares") as gifts for foreign dignitaries. [30] In 1890, the Teishitsu Gigeiin (Artist to the Imperial Household) system was created to recognise distinguished artists seventy were appointed from 1890 to 1944. [31] Among these were the painter and lacquer artist Shibata Zeshin, ceramicist Makuzu Kōzan, painter Hashimoto Gahō, and cloisonné enamel artist Namikawa Yasuyuki. [31]

As Western imports became popular, demand for Japanese art declined within Japan itself. [32] In Europe and America, the new availability of Japanese art led to a fascination for Japanese culture a craze known in Europe as Japonisme. [33] Imperial patronage, government sponsorship, promotion to new audiences, and Western technology combined to foster an era of Japanese artistic innovation. In the decorative arts, Japanese artists reached new levels of technical sophistication. [28]

Today, Masayuki Murata owns more than 10,000 Meiji art works and is one of the most enthusiastic collectors. From that time, most of the excellent works of Meiji Art were bought by foreign collectors and only a few of them remained in Japan, but because he bought back many works from foreign countries and opened the Kiyomizu Sannenzaka Museum, [34] the study and reevaluation of Meiji Art rapidly advanced in Japan after the 21st century. [35] Nasser Khalili is also one of the world's most dedicated collectors of Meiji art, and his collection encompasses many categories of Meiji art. The Japanese Imperial Family also owns excellent works of Meiji Art, some of which were donated to the state and are now stored in the Museum of the Imperial Collections.

Architecture and Garden Edit

By the early 20th century, European art forms were well introduced and their marriage produced notable buildings like the Tokyo Train Station and the National Diet Building that still exist today. Tokyo Station, a building of Giyōfū architecture, full of bricks and pseudo-European style. This style of building was built in urban areas.

Many artistic new Japanese gardens were built by Jihei Ogawa.

Painting Edit

The first response of the Japanese to Western art forms was open-hearted acceptance, and in 1876 the Technological Art School(ja:工部美術学校) was opened, employing Italian instructors to teach Western methods. The second response was a pendulum swing in the opposite direction spearheaded by Okakura Kakuzō and the American Ernest Fenollosa, who encouraged Japanese artists to retain traditional themes and techniques while creating works more in keeping with contemporary taste. This was a strategy that eventually served to extend the influence of Japanese art as far as Calcutta, London, and Boston in the years leading up to World War I. [36] Out of these two poles of artistic theory—derived from Europe and from East Asia respectively—developed yōga ("Western-style painting") and Nihonga ("Japanese painting"), categories that have maintained currency.

Enamels Edit

During the Meiji era, Japanese cloisonné enamel reached a technical peak, producing items more advanced than any that had existed before. [37] The period from 1890 to 1910 was known as the "Golden age" of Japanese enamels. [38] Artists experimented with pastes and with the firing process to produce ever larger blocks of enamel, with less need for 칠보 (enclosing metal strips). [37] Thus enamels became a more pictorial medium, with designs similar to, or copied from, traditional paintings. [39] Enamels with a design unique to Japan, in which flowers, birds and insects were used as themes, became popular. In particular, the works of Namikawa Yasuyuki and Namikawa Sōsuke were exhibited at world's fairs and won many awards. [40] [41] [42] [43] Along with the two Namikawa, the Ando Cloisonné Company has produced many high-quality cloisonne. Japanese enamels were regarded as unequalled thanks to the new achievements in design and colouring. [44]

Lacquerware Edit

The Meiji era saw a renewed interest in lacquer as artists developed new designs and experimented with new textures and finishes. [45] Maki-e (decorating the lacquer in gold or silver dust) was the most common technique for quality lacquerware in this period. [46] Shibata Zeshin was a lacquerer who gained a high reputation for his works from the Bakumatsu to the Meiji period. Lacquerware called Shibayama 그리고 Somada, created in the Edo period, became popular for its showy style, inlaid with gold, silver, shellfish, ivory, and colorful metal and glass, and reached its peak during this period. [47] Lacquer from Japanese workshops was recognised as technically superior to what could be produced anywhere else in the world. [48]

Metalwork Edit

At the start of the Meiji era, Japanese metalwork was almost totally unknown outside the country, unlike lacquer and porcelain which had previously been exported. [49] Metalwork was connected to Buddhist practice, for example in the use of bronze for temple bells and incense cauldrons, so there were fewer opportunities for metalworkers once Buddhism was displaced as the state religion. [49] International exhibitions brought Japanese cast bronze to a new foreign audience, attracting strong praise. [49] The past history of samurai weaponry equipped Japanese metalworkers to create metallic finishes in a wide range of colours. By combining and finishing copper, silver and gold in different proportions, they created specialised alloys including shakudō and shibuichi. With this variety of alloys and finishes, an artist could give the impression of full-colour decoration. [50]

Ivory carving Edit

In the Meiji period, Japanese clothes began to be westernized and the number of people who wore kimono decreased, so the craftsmen who made netsuke 그리고 kiseru with ivory and wood lost their demand. Therefore, they tried to create a new field, ivory sculptures for interior decoration, and many elaborate works were exported to foreign countries or purchased by the Imperial Family. In particular, the works of Ishikawa Komei and Asahi Gyokuzan won praise in Japan. [51]

Porcelain and Earthenware Edit

Technical and artistic innovations of the Meiji era turned porcelain into one of the most internationally successful Japanese decorative art forms. [52] Satsuma ware was a name originally given to pottery from Satsuma province, elaborately decorated with gilt and enamel. These wares were highly praised in the West. Seen in the West as distinctively Japanese, this style actually owed a lot to imported pigments and Western influences, and had been created with export in mind. [53] Workshops in many cities raced to produce this style to satisfy demand from Europe and America, often producing quickly and cheaply. So the term "Satsuma ware" came to be associated not with a place of origin but with lower-quality ware created purely for export. [54] Despite this, artists such as Yabu Meizan and Makuzu Kōzan maintained the highest artistic standards while also successfully exporting. [55] From 1876 to 1913, Kōzan won prizes at 51 exhibitions, including the World's fair and the National Industrial Exhibition. [56]

Textiles Edit

The 1902 edition of Encyclopædia Britannica wrote, "In no branch of applied art does the decorative genius of Japan show more attractive results than that of textile fabrics, and in none has there been more conspicuous progress during recent years." [57] Very large, colourful pictorial works were being produced in Kyoto. Embroidery had become an art form in its own right, adopting a range of pictorial techniques such as chiaroscuro and aerial perspective. [57]

Art of the Postwar period Edit

Immediately following Japan's defeat in World War II in 1945, large numbers of Japanese artists fell under the influence of, or even joined, the Japan Communist Party, which had just been legalized by the U.S.-led military occupation of Japan after many years of suppression by the prewar and wartime Japanese police. [58] This had to do with the success of the Communist Party had in peddling the notion in the early postwar years that the party had been the only group in Japan to have resisted wartime militarism. [59] In addition, the Japanese word for "vanguard" (前衛, zen'ei), as in "vanguard of the communist revolution," happens to be the same word used for "avant-garde" as in the artistic avant-garde. [60] The Japan Communist Party soon came to dominate the major art societies and exhibitions in Japan, and thus the predominant form of art in the immediate aftermath of the war was socialist realism that depicted the suffering of the poor and the nobility of the working class, in line with Communist Party doctrine that all art should serve the purpose of advancing the cause of revolution. [59] In 1952, the Communist Party even ordered artists such as Hiroshi Katsuragawa and other members of the newly formed Avant-Garde Art Association (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai) out into the mountains to produce socialist realist art in support of "mountain guerrilla squads" that were attempting to foment a violent revolution in Japan. [61]

The 1950s: Struggling to break free of socialist realism Edit

Over the course of the 1950s, many Japanese artists became increasingly disillusioned with the rigid and limited definition of "art" enforced by the Communist Party. [62] However, due to the ongoing preeminence of Communist Party members and supporters in the senior ranks of artistic societies and exhibition juries, artists found it extremely difficult to even show their art unless they conformed to the Party's guidelines. [63] Some artists shied away from formal public exhibitions. Others sought recognition, financial support, and opportunities to show their art overseas, such as the Gutai group of conceptual artists, founded in 1954. Still other artists made use of the few unjuried, "independent" exhibitions in Japan, such as the Yomiuri Independent Exhibition sponsored by the Yomiuri Shinbun, which anyone could enter. [64]

A final straw came with the massive 1960 Anpo Protests against the U.S.-Japan Security Treaty (known as "Anpo" in Japanese"), due to the extremely passive role played by the supposedly "vanguard" Communist Party. When the protests failed to stop the treaty, a round of recriminations led to further disillusionment with the Communist Party and socialist realist art, causing many more artists to break away from the Party's influence. [65]

The 1960s: An explosion of new genres Edit

With the dominance of socialist realism fading, the 1960s witnessed an explosion of new art forms in Japan, as the arts expanded in new directions that might best be termed "postmodern." [66] Artist collectives such as Neo-Dada Organizers, Zero Dimension, and Hi-Red Center explored concepts such as "non-art" and "anti-art," and conducted a variety of audacious "events," "happenings," and other forms of performance art designed to erode the boundaries between art and daily life. The Mono-ha group similarly pushed the boundaries dividing art, space, landscape, and the environment. Other artists, such as graphic designer Tadanori Yokoo, drew inspiration from 1960s counterculture and the explosion of new forms of adult-oriented manga comics. In the performing arts, Tatsumi Hijikata pioneered a new form of postmodern dance called Butoh, and playwrights such as Jūrō Kara and Satō Makoto created the Angura style of radical "underground" theater. [67] And in photography, photographers such as Daidō Moriyama pioneered an extremely influential new school of postwar photography that emphasized spontaneity over carefully staged composition and celebrated the characteristics "are, bure, bokeh" (literally "rough, blurred, out-of-focus"). [68] [69]

The proliferation of new types of art was supported by the tremendous growth of Japan's economy in the 1960s, remembered as the "Japanese economic miracle." Over the course of the 1960s, the Japanese economy grew by over 10% per year. Rising wealth created a new class of consumers who could afford to spend money on art and support different types of art and artists. For the first time in Japan's modern history, it became viable for significant numbers of artists to make a living purely through selling their art. The 1960s construction boom in Japan, which leveled the old wood-and-paper traditional Japanese architecture and replaced it with sparkling mega-cities of glass and steel, helped inspire brand new schools of Japanese architecture, such as the Metabolism (architecture) movement led by Kenzō Tange, that boldly broke free from conventional models and proved influential around the world.

At the same time, however, the art world remained dominated by cliques that promoted the works of certain (usually male) artists over others. As it became much easier for Japanese to travel overseas in the 1960s, some female artists such as Yayoi Kusama and Yoko Ono found better reception overseas, and decamped for artistic centers such as London, Paris, and New York, as did many male artists as well.

The triumph of the new forms of Japanese art was cemented at the 1970 Osaka World's Fair, where dozens of avant-garde and conceptual artists were hired to design pavilions and artistic experiences for fair-goers. [70] Japanese avant-garde art had gone global, and had become something even the conservative government was proud to display to the world.

The 1970s and 1980s: Riding the economic bubble Edit

The 1970s and 1980s saw Japanese art continue in many of the directions begun in the 1950s and 1960s, but often with much bigger budgets and more expensive materials. As Japan's economy kept rapidly expanding, and eventually grew into one of the largest economic bubbles in history. With Japanese currency becoming incredibly strong in the wake of the 1985 Plaza Accord, Japanese individuals and institutions became major players in the international art market. Extraordinarily wealthy Japanese mega-corporations began constructing their own private art museums and acquiring collections of modern and contemporary art, and Japanese artists greatly benefited from these expenditures as well.

In particular, artistic production continued to trend away from traditional painting and sculpture in the direction of graphic design, pop art, wearable art, performance art, conceptual art, and installation art. Various types of "hybrid" art increasingly came into vogue. As technology advanced, artists increasingly incorporated electronics, video, computers, synthesized music and sounds, and video games into their art. The aesthetics of manga and anime, which so many younger artists had grown up immersed in, exerted an increasing if sometimes quite subtle influence. Above all, artists eschewed anything redolent of "high art" or "fine art" in favor of the personal, the eclectic, the fantastic or phantasmagoric, and the playful. In edition, female artists such as Mika Yoshizawa became more and more accepted and supported by the art world in Japan.

Contemporary art in Japan Edit

Japanese contemporary art takes as many forms and expresses as many different ideas as worldwide contemporary art in general. It ranges from advertisements, anime, video games, and architecture as already mentioned, to sculpture, painting, and drawing in all their myriad forms. Japanese artists have made especially notable contributions to global contemporary art in the fields of architecture, video games, graphic design, fashion, and perhaps above all, animation. While anime at first were derived primarily from manga stories, [ 인용 필요 ] diverse anime abounds today, and many artists and studios have risen to great fame as artists Hayao Miyazaki and the artists and animators of Studio Ghibli are generally regarded to be among the best the anime world has to offer.

At the same time, many Japanese artists continue to use traditional Japanese artistic techniques and materials inherited from premodern times, such as traditional forms of Japanese paper and ceramics and painting with black and color ink on paper or silk. Some of these artworks depict traditional subject matters in traditional styles, while others explore new and different motifs and styles, or create hybrids of traditional and contemporary art forms, while using traditional media or materials. Still others eschew native media and styles, embracing Western oil paints or any number of other forms.

In sculpture, the same holds true some artists stick to the traditional modes, some doing it with a modern flair, and some choose Western or brand new modes, styles, and media. Yo Akiyama is just one of many modern Japanese sculptors. He works primarily in clay pottery and ceramics, creating works that are very simple and straightforward, looking like they were created out of the earth itself. Another sculptor, using iron and other modern materials, built a large modern art sculpture in the Israeli port city of Haifa, called Hanabi (Fireworks). Nahoko Kojima is a contemporary Kirie artist who has pioneered the technique of Paper Cut Sculpture which hangs in 3D.

Takashi Murakami is arguably one of the most well-known Japanese modern artists in the Western world. Murakami and the other artists in his studio create pieces in a style, inspired by anime, which he has dubbed "superflat". His pieces take a multitude of forms, from painting to sculpture, some truly massive in size. But most if not all show very clearly this anime influence, utilizing bright colors and simplified details.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano, and Tabaimo are considered significant artists in the field of contemporary Japanese art. [71] The Group 1965, an artists' collective, counts contemporary artist Makoto Aida among its members. [72]

Many traditional forms of Japanese music, dance, and theater have survived in the contemporary world, enjoying some popularity through reidentification with Japanese cultural values. Traditional music and dance, which trace their origins to ancient religious use—Buddhist, Shintō, and folk—have been preserved in the dramatic performances of Noh, Kabuki, and bunraku theater. Ancient court music and dance forms deriving from continental sources were preserved through Imperial household musicians and temple and shrine troupes. Some of the oldest musical instruments in the world have been in continuous use in Japan from the Jōmon period, as shown by finds of stone and clay flutes and zithers having between two and four strings, to which Yayoi period metal bells and gongs were added to create early musical ensembles. By the early historical period (6th to 7th centuries), there were a variety of large and small drums, gongs, chimes, flutes, and stringed instruments, such as the imported mandolin-like biwa and the flat six-stringed zither, which evolved into the thirteen-stringed koto. These instruments formed the orchestras for the 7th-century continentally derived ceremonial court music (gagaku), which, together with the accompanying bugaku (a type of court dance), are the most ancient of such forms still performed at the Imperial court, ancient temples, and shrines. Buddhism introduced the rhythmic chants, still used, that underpin Shigin, and that were joined with native ideas to underlay the development of vocal music, such as in Noh.

Japanese art is characterized by unique polarities. In the ceramics of the prehistoric periods, for example, exuberance was followed by disciplined and refined artistry. Another instance is provided by two 16th-century structures that are poles apart: the Katsura Detached Palace is an exercise in simplicity, with an emphasis on natural materials, rough and untrimmed, and an affinity for beauty achieved by accident Nikkō Tōshō-gū is a rigidly symmetrical structure replete with brightly colored relief carvings covering every visible surface. Japanese art, valued not only for its simplicity but also for its colorful exuberance, has considerably influenced 19th-century Western painting and 20th-century Western architecture.

Japan's aesthetic conceptions, deriving from diverse cultural traditions, have been formative in the production of unique art forms. Over the centuries, a wide range of artistic motifs developed and were refined, becoming imbued with symbolic significance. Like a pearl, they acquired many layers of meaning and a high luster. Japanese aesthetics provide a key to understanding artistic works perceivably different from those coming from Western traditions.

Within the East Asian artistic tradition, China has been the acknowledged teacher and Japan the devoted student. Nevertheless, several Japanese arts developed their own style, which can be differentiated from various Chinese arts. The monumental, symmetrically balanced, rational approach of Chinese art forms became miniaturized, irregular, and subtly suggestive in Japanese hands. Miniature rock gardens, diminutive plants (분재), 그리고 ikebana (flower arrangements), in which the selected few represented a garden, were the favorite pursuits of refined aristocrats for a millennium, and they have remained a part of contemporary cultural life.

The diagonal, reflecting a natural flow, rather than the fixed triangle, became the favored structural device, whether in painting, architectural or garden design, dance steps, or musical notations. Odd numbers replace even numbers in the regularity of a Chinese master pattern, and a pull to one side allows a motif to turn the corner of a three-dimensional object, thus giving continuity and motion that is lacking in a static frontal design. Japanese painters used the devices of the cutoff, close-up, and fade-out by the 12th century in yamato-e, or Japanese-style, scroll painting, perhaps one reason why modern filmmaking has been such a natural and successful art form in Japan. Suggestion is used rather than direct statement oblique poetic hints and allusive and inconclusive melodies and thoughts have proved frustrating to the Westerner trying to penetrate the meanings of literature, music, painting, and even everyday language.

The Japanese began defining such aesthetic ideas in a number of evocative phrases by at least the 10th or 11th century. The courtly refinements of the aristocratic Heian period evolved into the elegant simplicity seen as the essence of good taste in the understated art that is called shibui. Two terms originating from Zen Buddhist meditative practices describe degrees of tranquility: one, the repose found in humble melancholy (wabi), the other, the serenity accompanying the enjoyment of subdued beauty (sabi). Zen thought also contributed a penchant for combining the unexpected or startling, used to jolt one's consciousness toward the goal of enlightenment. In art, this approach was expressed in combinations of such unlikely materials as lead inlaid in lacquer and in clashing poetic imagery. Unexpectedly humorous and sometimes grotesque images and motifs also stem from the Zen kōan (conundrum). Although the arts have been mainly secular since the Edo period, traditional aesthetics and training methods, stemming generally from religious sources, continue to underlie artistic productions.

Modern concepts Edit

Today, Japan has developed a more modern cultural aesthetic often associated with Shojo manga known as "kawaii," which can otherwise be described as "cute". Typically represented through cartoons and animation, kawaii has had a powerful cultural impact and is also a powerful agent for Japanese advertisement and consumption. [73] The concept of "cuteness" that is currently displayed in kawaii has traditionally been revered in Japanese culture spanning back to the Edo period of art in the 15th century. [74]

Kawaii fashion found in Tokyo, Japan

Osaka Kawaii à Japan Expo 2014.

Traditional aesthetics Edit

Traditional Japanese Aesthetics are forms of beauty in Japanese culture that derive from the earliest centuries. At least over two-hundred years ago. Some of these early aesthetics make up the Japanese Aesthetic as a whole: Syncretic Buddhist Art, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui, and Jo-ha-Kyu.

Syncretic Buddhist art Edit

Wabi-Sabi Edit

This aesthetic in Japanese culture is known for many things such as beauty in all things, even those that are imperfect. Modesty and unconventional things are what are seen as the wabi-sabi aesthetic. Wabi and sabi both make up the aesthetic of beauty in incompleteness together. When separated, both serve as differing terms. Wabi stands for fresh, simple work, denoting all complication and having a very rustic feel to all it relates too. Being made from nature and made from man itself in a tandem. If made by accident, it brings about a certain uniqueness to the work. Sabi is beauty and how it originates from age. The cycle of life plays a great role in sabi, adding to the aesthetic that sense of beauty in works that receive mending damage from aging over time. When bringing wabi and sabi together, it creates the aesthetic that every simple piece developed does not require a complicated design. Nor does it require absolute completeness for beauty to be found in it, and with age comes more delicate beauty.

Wabi-sabi has always been related to tea ceremonies in Japanese culture. It is said that these ceremonies are profound wabi-sabi events. Wabi-sabi is also related to activities such as architecture, fashion, and philosophy. All of these portions of wabi-sabi all share belief in the same theme: all imperfections such as incomplete work holds undeniable beauty. However, not everyone, of course, favors the idea behind wabi-sabi. While this is true, there are many who wish to keep the belief alive despite what others believe. Overall, wabi-sabi seems to be a very mindful approach to everyday life. A calm way to see things, and a way to live without coming off as judgmental. When understanding wabi-sabi, there are terms that strongly relate to the aesthetic as well.

Fukinsei: asymmetry, irregularity. Kanso: simplicity. Koko: basic, weathered. Shizen: without pretense, natural. Yugen: subtly profound grace, not obvious. Datsuzoku: unbounded by convention, free. Seijaku: tranquility, silence.

Each of these terms are used to break down the complete understanding of wabi-sabi. It more so relates to the philosophy aspect of the entire aesthetic and how to view one's surroundings. These can allude to several things including the ideas in humans, the themes behind certain aspects of life, or nature itself. Each term leads back to the point that wabi-sabi is an aesthetic that is about appreciating the small things that are imperfect and or incomplete.

Miyabi Edit

In the ongoing history of Japan, miyabi can stand for many things. However, it seems to be centered around the concept of elegance, beauty, refinement, and courtliness. For this, it is one of the older aesthetics among most of the Japanese aesthetics in the culture. That would explain why it is not as popular as the rest which may be newer compared to miyabi. It is a term that is also used to express aristocratic culture. Miyabi eliminates all forms of rudeness and crudity from the culture. This brings about the proper picture and form of aristocratic culture. Miyabi brings about these changes. Miyabi ensures that refinement of love, literature, feeling, and art is celebrated within the Japanese culture. Refinement is welcomed.

Shibui Edit

Shibui is coming to understand an object or an art piece for what it is. Locating simple and subtle beauty in certain things is a goal when it comes to designing or reviewing certain designs. In many ways, shibui is very similar to wabi-sabi but is not wabi-sabi. Shibui appreciates items and objects for simply being. There is no complication or irrational thinking when it comes down to shibui. Akin to certain aesthetics in the Japanese culture, there are a couple of terms in relation to Shibui: shibumi is the taste of shibui Shibusa is the state of shibui.

Both these terms relate to subtle, unobtrusive beauty. There are several items and objects that can be considered a part of the shibui aesthetic, not just art or fashion. It can also be people, animals, songs, movies, several different types of media can be seen as shibui. For example, a pair of shoes, a camera, a moped bike, and several different pieces of art or objects used for everyday activity can be seen as shibui. Direct and simple is the way of shibui. Nothing over the top or too flashy.

Jo-ha-kyu Edit

This is an aesthetic that originated from the Noh Theatre and even appeared in the 14th century. It is used in different art forms in Japan even still today. It is a movement that has been applied in several different arts with jo, ha, and kyu standing for individual things to make up its definition: jo, 'beginning' ha, 'break', 'crack' kyu: 'rapid', 'over'

Essentially, what this aesthetic means is that when it comes down to pieces that deal with movement, things should start slowly with proper build-up. Almost akin to how a story is told. Then once it reaches its climax, it speeds up. When it reaches its end, then that is when things begin to rapidly speed up until all of a sudden it has reached an ending.

Traditionally, the artist was a vehicle for expression and was personally reticent, in keeping with the role of an artisan or entertainer of low social status. The calligrapher, a member of the Confucian literati class, or samurai class in Japan, had a higher status, while artists of great genius were often recognized in the Kamakura period by receiving a name from a feudal lord and thus rising socially. The performing arts, however, were generally held in less esteem, and the purported immorality of actresses of the early Kabuki theater caused the Tokugawa government to bar women from the stage female roles in Kabuki and Noh thereafter were played by men.

After the World War II, artists typically gathered in arts associations, some of which were long-established professional societies while others reflected the latest arts movement. The Japan Artists League, for example, was responsible for the largest number of major exhibitions, including the prestigious annual Nitten (Japan Art Exhibition). The PEN Club of Japan (PEN stands for prose, essay, and narrative), a branch of an international writers' organization, was the largest of some thirty major authors' associations. Actors, dancers, musicians, and other performing artists boasted their own societies, including the Kabuki Society, organized in 1987 to maintain this art's traditional high standards, which were thought to be endangered by modern innovation. By the 1980s, however, avant-garde painters and sculptors had eschewed all groups and were "unattached" artists.

Art schools Edit

There are a number of specialized universities for the arts in Japan, led by the national universities. The most important is the Tokyo Arts University, one of the most difficult of all national universities to enter. Another seminal center is Tama Art University, which produced many of Japan's late 20th-century innovative young artists. Traditional training in the arts, derived from Chinese traditional methods, remains experts teach from their homes or head schools working within a master-pupil relationship. A pupil does not experiment with a personal style until achieving the highest level of training, or graduating from an arts school, or becoming head of a school. Many young artists have criticized this system as stifling creativity and individuality. A new generation of the avant-garde has broken with this tradition, often receiving its training in the West. In the traditional arts, however, the master-pupil system preserves the secrets and skills of the past. Some master-pupil lineages can be traced to the Kamakura period, from which they continue to use a great master's style or theme. Japanese artists consider technical virtuosity as the 사인 조건 of their professions, a fact recognized by the rest of the world as one of the hallmarks of Japanese art.

The national government has actively supported the arts through the Agency for Cultural Affairs, set up in 1968 as a special body of the Ministry of Education. The agency's budget for FY 1989 rose to ¥37.8 billion after five years of budget cuts, but still represented much less than 1 percent of the general budget. The agency's Cultural Affairs Division disseminated information about the arts within Japan and internationally, and the Cultural Properties Protection Division (文化財保護部, now 文化財部) protected the nation's cultural heritage. The Cultural Affairs Division is concerned with such areas as art and culture promotion, arts copyrights, and improvements in the national language. It also supports both national and local arts and cultural festivals, and it funds traveling cultural events in music, theater, dance, art exhibitions, and filmmaking. Special prizes are offered to encourage young artists and established practitioners, and some grants are given each year to enable them to train abroad. The agency funds national museums of modern art in Kyoto and Tokyo and The National Museum of Western Art in Tokyo, which exhibit both Japanese and international shows. The agency also supports the Japan Art Academy, which honors eminent persons of arts and letters, appointing them to membership and offering ¥3.5 million in prize money. Awards are made in the presence of the Emperor, who personally bestows the highest accolade, the Order of Culture. Tokyo University of the Arts also taking active roles on several art events in previous years. Their other campuses are also involving varied courses.

Private sponsorship and foundations Edit

Arts patronage and promotion by the government are broadened to include a new cooperative effort with corporate Japan to provide funding beyond the tight budget of the Agency for Cultural Affairs. Many other public and private institutions participate, especially in the burgeoning field of awarding arts prizes. A growing number of large corporations join major newspapers in sponsoring exhibitions and performances and in giving yearly prizes. The most important of the many literary awards given are the venerable Naoki Prize and the Akutagawa Prize, the latter being the equivalent of the Pulitzer Prize in the United States.

In 1989 an effort to promote cross-cultural exchange led to the establishment of a Japanese "Nobel Prize" for the arts, the Premium Imperiale, by the Japan Art Association. This prize of US$100,000 was funded largely by the mass media conglomerate Fujisankei Communications Group and was awarded on a worldwide selection basis.

A number of foundations promoting the arts arose in the 1980s, including the Cultural Properties Foundation set up to preserve historic sites overseas, especially along the Silk Road in Inner Asia and at Dunhuang in China. Another international arrangement was made in 1988 with the United States Smithsonian Institution for cooperative exchange of high-technology studies of Asian artifacts. The government plays a major role by funding the Japan Foundation, which provides both institutional and individual grants, effects scholarly exchanges, awards annual prizes, supported publications and exhibitions, and sends traditional Japanese arts groups to perform abroad. The Arts Festival held for two months each fall for all the performing arts is sponsored by the Agency for Cultural Affairs. Major cities also provides substantial support for the arts a growing number of cities in the 1980s had built large centers for the performing arts and, stimulated by government funding, were offering prizes such as the Lafcadio Hearn Prize initiated by the city of Matsue. A number of new municipal museums were also providing about one-third more facilities in the 1980s than were previously available. In the late 1980s, Tokyo added more than twenty new cultural halls, notably, the large Bunkamura built by Tokyu Group and the reconstruction of Shakespeare's Globe Theatre. All these efforts reflect a rising popular enthusiasm for the arts. Japanese art buyers swept the Western art markets in the late 1980s, paying record highs for impressionist paintings and US$51.7 million alone for one blue period Picasso.


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